Archives de catégorie : Expositions

Moroni (1521-1580). Il ritratto del suo tempo

Gallerie d’Italia – Milano/ Milan
(6 décembre 2023-1er avril 2024)

L’exposition Moroni (1521-1580). Il ritratto del suo tempo rend hommage à l’artiste de Bergame, qui fut l’un des plus grands acteurs de la peinture renaissante lombarde. Auteur d’œuvres religieuses de première importance – présentées dans l’exposition -, Moroni est surtout connu pour le caractère précurseur de son activité de portraitiste. De nombreux portraits réalisés par l’artiste et exposés ici, sous le titre de “portraits en action”, témoignent de cette “modernité”. A travers un geste, un regard, les personnages représentés semblent “entrer en contact” avec le spectateur : une esthétique qui s’affranchit, par là-même, de la distanciation émotionnelle et de la rigidité inhérentes à la pratique officielle du portrait.

Au fil d’un parcours divisé en neuf sections, l’exposition milanaise entend restituer une image complète du peintre, en s’intéressant à ses débuts, au sein de l’atelier du Moretto, avant de confronter son activité à celle des artistes lombards contemporains, parmi lesquels Lotto, Gerolamo Savoldo et Moretto. Dans un souci de contextualisation, les tableaux se trouvent associés aux œuvres du Titien, de Véronèse et du Tintoret, afin de souligner le dialogue entre les productions artistiques de l’époque, au-delà même des frontières régionales.


L’exposition bénéficie de prêts importants venus de l’Accademia Carrara de Bergame, de la Fondazione Brescia, des Gallerie degli Uffizi, de la Pinacoteca de Brera, des Gallerie dell’Accademia di Venezia, ou encore du National Gallery de Londres, du Musée du Louvre, du Museo Nacional du Prado, du Kunsthistorisches Museum de Vienne, de la Gemäldegalerie – Staatliche Museen de Berlin, de la National Gallery of Art de Washington et du Philadelphia Museum of Art.

Commissaires d’exposition : Arturo Galansino et Simone Facchinetti.

L’exposition s’inscrit dans le programme Bergamo Brescia Capitale Italiana della Cultura 2023.

De Burgos à Bordeaux. Regards sur les mariages royaux de 1615

 

Catalogue de l’exposition De Burgos à Bordeaux: regards sur les mariages royaux de 1615, présentée au Musée national du château de Pau (17 novembre 2023 – 20 mai 2024).

Annoncées en janvier 1612, les doubles fiançailles voulues par Marie de Médicis furent célébrées par trois jours de festivités à Paris, du 5 au 7 avril, dont l’apothéose fut un ballet équestre, le « carrousel de la gloire », place royale (actuelle place des Vosges), qui connut une extraordinaire renommée.

Les fêtes de 1615 furent plus extraordinaires encore et devaient durer plusieurs semaines, des deux côtés des Pyrénées. Arrivée le 7 octobre à Bordeaux, la cour n’en repartit en effet que le 17 décembre suivant. Des circonstances exceptionnelles pour la capitale de la Guyenne, qui reçut somptueusement son jeune roi, avec force entrées solennelles, réceptions, discours, tournois, ballets, feux d’artifices et même bataille navale.

Ouvrages imprimés, estampes et médailles, présentés dans l’exposition, reprirent à l’envi le récit de ces journées, magnifiant l’événement et la monarchie française, diffusant aussi un message éminemment politique qu’il s’agit de décrypter. Ces œuvres viennent en grande partie du riche cabinet d’arts graphiques du Musée national, mais sont complétées des prêts de plusieurs institutions françaises.

Lien vers le Musée national du château de Pau.

La Haine des clans. Guerres de Religion, 1559-1610, Musée de l’Armée, du 5 avril au 30 juillet

La Haine des clans. Guerres de Religion, 1559-1610

Musée de l’Armée, Invalides, Paris

Du mercredi 5 avril 2023
au dimanche 30 juillet 2023

À propos de l’exposition

La seconde moitié du XVIsiècle constitue la « part sombre » de la Renaissance, marquée en France par les querelles religieuses, les troubles civils et une profonde remise en cause du pouvoir royal : un âge de désordre et de déraison, qui, en quarante ans et huit guerres de Religion, va embraser le royaume en une succession d’affrontements, de répressions, de scandales et de massacres, bouleversant l’équilibre du pays de façon inédite.

C’est aussi un moment-clef de l’histoire nationale, peut-être la plus grave crise subie par l’Ancien Régime avant 1789 : elle a marqué de manière indélébile notre mémoire et l’imaginaire collectif, notamment par une frénésie nouvelle de violences, qui trouvent leur paroxysme dans l’épisode sanglant de la Saint-Barthélemy.

Le musée de l’Armée consacre une exposition à l’histoire fascinante et excessive de ces guerres de Religion. Quels en sont les ressorts ? Les enjeux ? Les temps forts ? Les protagonistes ?

Le parcours retrace ainsi les troubles effrénés qui ont divisé le royaume entre la mort accidentelle d’Henri II, en 1559, et l’assassinat d’Henri IV, en 1610, signant la fin du règne d’un souverain pacificateur et promulgateur de l’Édit de Nantes, mais également victime, comme son prédécesseur, d’un régicide.

L’un après l’autre sont convoqués tous les grands acteurs de l’époque, dont les armures sont conservées dans les collections du musée de l’Armée. De la Ligue, « ultra »-catholique, menée par les Guise au clan protestant conduit par les Condé, en passant par le parti plus modéré des Montmorency, les rivalités aristocratiques et politiques se mêlent aux conflits religieux.

Pièces d’équipements guerriers, portraits, documents d’archives et ouvrages anciens font revivre les destins et les cheminements individuels des grands courtisans, chefs de guerre et chefs de parti, qui ont tour à tour soutenu ou combattu le pouvoir monarchique. L’exposition évoque aussi l’écho international rencontré par ces guerres de Religion, de la Pologne aux Pays-Bas et jusqu’aux éphémères colonies du Nouveau Monde.

Par bien des aspects, ce moment exacerbé de notre Histoire entre singulièrement en résonance avec notre réalité contemporaine, non seulement dans ses mécanismes sous-jacents mais aussi dans ses représentations, notamment à travers l’intense production d’images, de pamphlets, de placards qui en fait le premier conflit médiatique de l’Histoire.

L’exposition offre ainsi l’occasion de s’interroger sur la place de l’image et de la rhétorique dans les conflits, sur la marche de notre société en temps de guerre civile, sur les enjeux et les limites de l’action politique, ainsi que sur la longue maturation de l’État. Car c’est aussi au cours de cette période complexe que se sont inventés, douloureusement, la tolérance, le vivre-ensemble et nos formes modernes de gouvernement.

Voir toutes les informations sur le site du Musée de l’Armée.

Antoine Caron (1521-1599). Le théâtre de l’histoire. Ecouen 5 avril – 3 juillet 2023

EXPOSITION

ANTOINE CARON (1521-1599). LE THÉÂTRE DE L’HISTOIRE

 

Du 5 avril au 3 juillet 2023
MUSÉE NATIONAL DE LA RENAISSANCE – CHÂTEAU D’ECOUEN

 

 

Bien qu’Antoine Caron ait travaillé successivement pour cinq monarques, de François Ier à Henri IV, et pour la reine mère Catherine de Médicis, sa carrière n’a pas fait l’objet d’une exposition à la hauteur de sa réputation d’alors. Grâce à des oeuvres d’Antoine Caron et de son cercle (peintures, manuscrits, dessins, gravures, tapisseries …), certaines jamais présentées au public, l’exposition témoigne des multiples facettes du génie et du rayonnement de cet artiste oublié, ainsi que de la polyvalence du métier de peintre à la Renaissance. 

Pour cette occasion sont réunies, pour la première fois en France depuis le XVIe siècle, les huit tapisseries de La Tenture des Valois commandée par Catherine de Médicis.

Un parcours inédit et des prêts exceptionnels

Réunissant plus de 90 oeuvres au coeur du château d’Écouen dans une architecture et un décor contemporains des créations d’Antoine Caron, l’exposition interroge la place de cet artiste indissociable de la Renaissance française comme inventeur, fournisseur de modèles et dont l’influence se perpétue bien au-delà de sa mort. Le parcours de l’exposition revient sur le profil de l’artiste dans le contexte de sa formation autour du chantier du château de Fontainebleau, notamment à travers ses liens profonds avec les Italiens Primatice (1503-1570) et Niccolò dell’Abate (1509-1571), mais surtout sur les échanges entre peinture, dessin, sculpture et tapisserie. Dans ce contexte s’affirme comme emblématique le prêt consenti par la Galerie des Offices de Florence de la célèbre Tenture des Valois, tissée à Bruxelles pour Catherine de Médicis et qui n’a pas revu la France, dans son intégralité, depuis plus de quatre siècles. En filigrane, ce sont des problématiques passionnantes de l’art de la Renaissance qui se tissent : rôle du dessin, relations entre artiste et commanditaire, remise en question des frontières traditionnellement établies entre art majeur et art mineur, entre artiste et artisan.

L’exposition bénéficie du soutien des plus grandes institutions françaises (Bibliothèque nationale de France, musée du Louvre, Mobilier national, musée d’Arts de Nantes, Mucem de Marseille…) et internationales (Gallerie degli Uffizi de Florence, The J. Paul Getty Museum de Los Angeles, Courtauld Gallery de Londres…).

Commissaire de l’exposition : Matteo Gianeselli, Conservateur du patrimoine au musée national de la Renaissance

Autour de l’exposition

  • Édité par la RMN-GP, un catalogue, rédigé par les meilleurs spécialistes de la période, met en lumière ce pan encore méconnu de la création française de la seconde moitié du XVIe siècle jusqu’aux premières années du Grand Siècle.
  • Cette exposition s’inscrit dans une démarche partagée avec le musée de l’Armée et le musée Condé à Chantilly autour des guerres de Religion.

Lien vers le musée.

Giovanni Bellini, influences croisées. Musée Jacquemart-André

Giovanni Bellini, influences croisées.

Paris, musée Jacquemart-André

3 mars-17 juillet 2023

À travers une cinquantaine d’œuvres issues de collections publiques et privées européennes, cette exposition retrace le parcours de Giovanni Bellini et montre comment son langage artistique n’aeu de cesse de se renouveler tout au long de sa carrière, tout en conservant une part indéniable d’originalité. Réparties selon un ordre thématico-chronologique, les œuvres du maître constitueront le fil rouge de l’exposition, mises en regard avec des « modèles » qui les ont inspirées.

Issu d’une famille d’artistes, Giovanni Bellini fréquente avec son frère Gentile l’atelier de leur père, Jacopo Bellini, peintre de formation gothique bientôt rompu aux nouveautés renaissantes venues de Florence. Le jeune artiste s’imprègne à la fois de l’art de son père et de son frère, mais aussi de son beau-frère Andrea Mantegna, que sa soeur Nicolosia vient d’épouser. Le classicisme, les formes sculpturales et la maîtrise de la perspective de Mantegna exercent une profonde influence sur l’artiste. Sa peinture devient plus monumentale, notamment grâce à l’étude des œuvres de Donatello, visibles à Padoue.

Le style de Bellini change de cap avec l’arrivée à Venise d’Antonello de Messine qui y introduit le goût flamand du détail et les constructions spatiales des artistes d’Italie centrale. Giovanni trouve une nouvelle intensité dramatique en perfectionnant la technique de la peinture à l’huile. Il puise dans l’art byzantin et du nord de l’Europe des éléments qui marqueront son style. En quête de renouveau, il développe des thématiques représentées par des peintres plus jeunes, comme par exemple celle des paysages topographiques inspirés de Cima da Conegliano. Enfin, l’ultime période de Bellini est marquée par une touche plus vibrante mais d’une grande modernité. De manière singulière, ce sont les innovations de ses meilleurs élèves – et notamment Giorgione et Titien – qui poussent le vieux Bellini à réinventer son style.

Cette exposition, en présentant Bellini et son contexte artistique, permettra de comprendre en quoi son langage pictural est fait de correspondances et de jeux d’influences, qu’il synthétise magistralement.L’exposition bénéficiera de prêts importants, venus notamment de la Gemälde galerie de Berlin, du Petit Palais de Paris, du Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, de la Galleria Borghese de Rome, du Museo Correr, des Gallerie dell’Accademia et de la Scuola Grande di San Rocco de Venise, du Musée Bagatti Valsecchi de Milan entre autres, ainsi que de nombreux prêts de collections privées.

Lien vers le site du musée.

Le blason des temps nouveaux, Ecouen, jusqu’au 6 février 2023

LE BLASON DES TEMPS NOUVEAUX

Signes, emblèmes et couleurs dans la France de la Renaissance

Du 19 octobre 2022 au 6 février 2023
MUSÉE NATIONAL DE LA RENAISSANCE – CHÂTEAU D’ECOUEN

Née au XIIe siècle sur les champs de bataille, l’héraldique reste omniprésente dans le quotidien de toutes les couches de la société française de cette époque. Elle incarne l’expression visuelle de l’identité d’une personne, d’une famille, d’une profession ou d’une ville.

À travers une centaine d’œuvres et bénéficiant de prêts prestigieux (musée du Louvre, musée de Cluny, Château de Fontainebleau, Cité de la céramique, Petit Palais, musée de l’Armée, musée des Beaux-Arts de Lyon…), l’exposition Le blason des temps nouveaux tend à montrer combien l’héraldique – blasons, armoiries, emblèmes, signes, couleurs – croise les techniques (sculpture, peinture, tapisserie, enluminure, vitrail, orfèvrerie, émail etc.) et les thématiques sociales (les rois, les femmes, nobles, bourgeois, religieux et laïcs, corporations).

Tout au long du XVI e siècle, l’héraldique constitue un miroir de l’époque et de l’évolution de ses mentalités. L’exposition fait revivre cette ambiance inventive et colorée qui marque la France de la Renaissance et en laisse voir encore bien des traces au XXIe siècle.

Les décors du château d’Écouen et les collections qu’il abrite forment l’axe principal de la scénographie. Le parcours de l’exposition Le blason des temps nouveaux débute dans la chapelle du musée avec une introduction de Laurent Hablot, co-commissaire de l’exposition, directeur d’études à l’EPHE et auteur de manuel de Héraldique Emblématique Médiévale (Presses Universitaires François-Rabelais). L’exposition se déploie ensuite au rez-de-chaussée du musée, dans la grande salle de la Reine puis dans la chambre de la Reine. Enfin, le visiteur est invité à poursuivre le parcours dans les pièces du Château qui servent d’écrin aux collections permanentes du Musée national de la Renaissance.

Une programmation culturelle destinée plus particulièrement au jeune public est associée à cette exposition.

Un catalogue, préfacé par Michel Pastoureau, est publié à cette occasion aux éditions in fine. Voir le sommaire sur le site de l’éditeur.

Commissariat scientifique :

Thierry Crépin-Leblond, directeur du musée national de la Renaissance

Laurent Hablot, directeur d’études à l’Ecole Pratique des Hautes Etudes

Anne Ritz-Guilbert, Chercheur au Centre de Recherche de l’Ecole du Louvre

Dépliant de visite de l’exposition :

 

DESSINS BOLONAIS DU XVIE SIÈCLE DANS LES COLLECTIONS DU LOUVRE

DESSINS BOLONAIS DU XVIE SIÈCLE DANS LES COLLECTIONS DU LOUVRE

 

Cette exposition (jusqu’au 16 janvier 2023) accompagne la parution du tome XII de l’Inventaire général des dessins italiens,  dédié aux dessins bolonais du XVIe siècle dans les collections du Louvre.

Elle présente des dessins exécutés par des artistes natifs de la ville de Bologne, ou bolonais  d’adoption, actifs avant l’arrivée des Carrache. Une sélection de quarante-quatre feuilles permet de découvrir l’évolution du dessin bolonais tout au long du XVIe siècle en mettant en valeur des  personnalités artistiques majeures aux côtés d’autres demeurant parfois dans l’ombre, mais ayant  énormément dessiné.

Dans les toutes premières années du Cinquecento, dans les ateliers de Francesco Francia,  Peregrino da Cesena, Marcantonio Raimondi ou Amico Aspertini s’affirme une nouvelle manière de dessiner, raffinée et élégante, qui pousse parfois jusqu’au fantasque. Les personnalités moins connues d’Innocenzo da Imola, de Bagnacavallo, Biagio Pupini et Girolamo da Treviso, actifs entre 1515 et 1550 environ, imprégnées de culture classique et raphaélesque, contribuent progressivement à la création d’un style nouveau, caractérisé par des effets d’ombre et de lumière particulièrement intenses, qui ouvrent la voie à la manière moderne.

Vers le milieu du siècle, Pellegrino Tibaldi importe à Bologne, depuis Rome, un nouveau langage  monumental inspiré de Michel-Ange et dont le raffinement calligraphique doit beaucoup à Perino del Vaga. Dans la seconde moitié du 16e siècle, Prospero Fontana, Lorenzo Sabatini ou Orazio Sammachini, après s’être distingués dans plusieurs décors palatiaux, exportent leur style dans  plusieurs villes avoisinant Bologne, puis, lorsqu’ils furent appelés au service du pape bolonais Grégoire XIII, à Rome et ses alentours.

L’exposition présente également les dessins de Bartolomeo Passerotti, l’artiste le plus puissant de l’école bolonaise, qui impose son nouveau regard analytique du naturel, prémices du langage artistique de la génération suivante.

Commissaire :

Roberta Serra, musée du Louvre

Publication :

Inventaire général des dessins italiens, tome XII. Dessins bolonais du XVIe siècle dans les collections du Louvre.

l’âge d’or de la renaissance portugaise, musée du Louvre (derniers jours)

Pour la première fois, les visiteurs du Louvre sont invités à découvrir l’art raffiné et merveilleusement exécuté des peintres actifs à Lisbonne au Portugal dans la première moitié du 16e siècle.

Avec le mécénat des rois Manuel Ier (1495-1521) et Jean III (1521-1557) qui s’entourent de peintres de cour et commandent de nombreux retables, la peinture portugaise connaît alors un âge d’or.

À Lisbonne, capitale du royaume tournée vers l’océan, l’arrivée de peintres flamands infléchit l’histoire de la peinture européenne. Après les premiers feux de Nuno Gonçalves (actif à partir de 1450 et avant 1492), les ateliers lisboètes, fédérés autour de Jorge Afonso (actif entre 1504 et 1540), adoptent une nouvelle manière de peindre, fondée sur une parfaite maîtrise de la technique à l’huile.

Ces peintres conjuguent des paysages bleutés empreints de poésie, des tissus et des accessoires précieux, des détails d’architectures raffinées à un sens aigu et parfois cocasse de l’observation et de la narration, opérant une synthèse très originale entre les inventions picturales de la Renaissance flamande et italienne et la culture portugaise.

COMMISSAIRES

Charlotte Chastel-Rousseau, conservatrice du département des Peintures du musée du Louvre, et Joaquim Oliveira Caetano, directeur du Museu Nacional de Arte Antiga de Lisbonne.

Lien vers le site du musée du Louvre.

Albrecht Dürer. Gravure et Renaissance, Chantilly, musée Condé

ALBRECHT DÜRER – GRAVURE ET RENAISSANCE

Considéré de son vivant comme un génie universel, Albrecht Dürer n’en finit pas de fasciner. Par ses gravures, il a contribué à façonner la Renaissance européenne en se plaçant au cœur des échanges artistiques. Trop rarement exposé en France, cet immense artiste est exceptionnellement mis à l’honneur à Chantilly, à l’aide de plus de 200 œuvres ! Pour la première fois, deux collections majeures d’œuvres de Dürer en France, celle du musée Condé à Chantilly et celle de la Bibliothèque nationale de France, unissent leurs forces pour mettre en valeur l’éblouissant art graphique du maître allemand, placé au cœur de sa propre pratique artistique et des bouleversements de son époque.

La Renaissance européenne d’Albrecht Dürer

Issu du foisonnant foyer artistique de Nuremberg, Albrecht Dürer (1471-1528) est le fils d’une Europe en pleine effervescence. Ses débuts auprès de Michael Wolgemut, ses voyages de formation sur les traces de Schongauer, ses rencontres avec des princes et des humanistes, ses séjours répétés en Italie et aux Pays-Bas : chaque étape de sa carrière est l’occasion de découvrir et d’assimiler la production de ses contemporains, d’intégrer et de dépasser les nouveautés techniques et formelles, mais aussi de marquer durablement son temps.

Au cœur de la création d’Albrecht Dürer : la révolution de la gravure

Dürer est l’un des premiers artistes à hisser la gravure au même rang que les autres arts. Un panorama presque complet de son œuvre est proposé : bon nombre de ses séries (L’Apocalypse, La Vie de la Vierge, et Grande Passion sur bois) sont confrontées les unes aux autres, tandis qu’à côté des chefs-d’œuvre universels (La Mélancolie ou Saint Jérôme dans sa cellule) figurent des compositions moins connues, mais aussi et surtout toutes les créations des graveurs contemporains, allemands, italiens ou flamands, qui ont influencé l’art de Dürer, s’en sont nourris ou ont cherché à rentrer à émulation avec lui. L’exposition de Chantilly permet de considérer sous un angle nouveau la place centrale de l’immense dessinateur et graveur que fut Albrecht Dürer.

Commissariat

Mathieu Deldicque, conservateur du patrimoine au musée Condé, et Caroline Vrand, conservatrice du patrimoine au département des estampes et de la photographie, Bibliothèque nationale de France.

Informations vers le site du musée Condé.

Giorgio Vasari, le livre des dessins, Musée du Louvre

31 mars 2022 – 18 juillet 2022

Musée du Louvre, Rotonde Sully

Giorgio Vasari a réuni ce qui fut probablement la première collection de dessins fondée sur une logique historisante : le légendaire Libro de’ disegni, qui fait son apparition dans la seconde édition des Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes, parue à Florence, en 1568, chez les Giunti.

Le 29 juin 1574, deux jours après la mort de Vasari, le Libro fut remis par ses héritiers au grand-duc de Toscane, Francesco I, qui l’avait envoyé chercher. Ensuite, il disparaît. Les grands collectionneurs et connaisseurs des 17e et 18e siècles ont tous rêvé d’acquérir et cru qu’ils possédaient des dessins du Libro. Le plus  élèbre de tous, Pierre-Jean Mariette, fut à la source d’une tradition historiographique qui voyait dans un certain type de montage, ornemental et architecturé, le signe de l’appartenance passée d’une feuille au mythique recueil vasarien. Mais on sait, depuis qu’en 1950 deux grands savants, Arthur Popham et Philip Pouncey, ont remarqué sur un « montage Vasari » la présence d’un mystérieux emblème, que les choses ne sont pas aussi simples.

C’est aux conséquences inattendues de cette découverte, vieille de plus d’un demi-siècle, qu’est consacrée cette exposition.

COMMISSAIRES

Louis Frank, musée du Louvre, et Carina Fryklund, Nationalmuseum, Stockholm.

Lien vers le site du musée.

Botticelli à Ecouen

 

 

Présentée dans le cadre de l’exposition « Botticelli. Artiste & Designer » au musée Jacquemart-André jusqu’en janvier 2022, La Vierge et l’Enfant avec le petit saint Jean-Baptiste est déposée au musée national de la Renaissance pour une période d’un an.

Ce tableau de l’atelier du grand peintre florentin Sandro Botticelli provient de l’église Saint-Félix de Champigny-en-Beauce, où il a longtemps été considéré comme une simple copie du XIXe siècle. C’est grâce à Matteo Gianeselli, conservateur du patrimoine, et à son travail au sein du Répertoire des tableaux italiens dans les collections publiques françaises que l’œuvre est redécouverte et retrouve sa prestigieuse attribution à l’un des artistes les plus emblématiques de la Renaissance.

La scène figure la Vierge tenant l’Enfant, accompagnée du petit saint Jean, le cousin de Jésus. Cette iconographie a connu un très grand succès à Florence, puisque le Baptiste était l’un des saints patrons les plus vénérés de la ville.

Les artistes florentins ont multiplié les représentations de la Sainte Famille, notamment destinées au cadre domestique et familial pour lequel elles incarnaient un idéal de vertu et de tendresse. Les maîtres profitaient alors largement de cette popularité : de Botticelli et son atelier, on connaît au moins deux autres versions de la composition (Florence, Palazzo Pitti et Birmingham, Museum and Art Gallery).

La DRAC Centre-Val de Loire a pris en charge l’intégralité de la restauration de ce tableau, réalisée par le Centre de recherche et de restauration des musées de France. Le tableau est par ailleurs classé au titre des monuments historiques par arrêté du 30 juin 2021.

Il est visible dans la chapelle du musée national de la Renaissance du château d’Ecouen.

 

L’art de régner. Les souverains de Navarre à la Renaissance

L’art de régner

Les souverains de Navarre à la Renaissance

Du 27 novembre 2021 au 27 février 2022

CHÂTEAU DE PAU

Dans la salle des Cent couverts qui accueillit la signature du rattachement de la Navarre à la France en 1620 sous le règne de Louis XIII, le Musée national et domaine du château de Pau présente l’exposition L’Art de régner. Les souverains de Navarre à la Renaissance qui se tiendra du 27 novembre 2021 au 27 février 2022.

Un voyage dans le temps qui détaille l’histoire du règne des Foix-Albret et la façon dont ceux-ci ont géré leur royaume avant et après 1512, date du repli de ces rois de Navarre sur leurs possessions souveraines au Nord des Pyrénées : l’actuelle Basse-Navarre et la vicomté de Béarn.

UNE EXPOSITION SUR L’HISTOIRE DU TERRITOIRE ET LA MODERNITÉ DE SA GESTION

Avec l’avènement de Catherine de Foix et Jean d’Albret au trône de Navarre en 1483-1484, un grand ensemble territorial transpyrénéen était en cours de constitution. Mais son développement s’est heurté aux intérêts divergents de ses deux grands voisins, la France et l’Espagne. En 1512, la monarchie espagnole prend possession de l’essentiel de la Navarre, ne laissant à ses maîtres légitimes qu’un mince lambeau de terre montagneuse au Nord de la ligne de crête.

Dès lors, de part et d’autre des Pyrénées, la réorganisation de ces territoires se poursuit selon des modèles différents, soumis à des influences contrastées. Tandis que la Haute-Navarre devient une vice-royauté espagnole, la Basse-Navarre constitue avec la vicomté souveraine de Béarn la nouvelle assise du pouvoir des Albret, préservant une certaine forme d’indépendance vis-à-vis de la couronne de France jusqu’en 1620. Au cours de cette période mouvementée, les souverains s’attachent à moderniser les structures et les pratiques administratives, dans l’esprit de la Renaissance.

Catherine de Foix et Jean d’Albret, puis Henri d’Albret et Marguerite d’Angoulême, leur fille Jeanne d’Albret, qui épouse en 1548 Antoine de Bourbon, enfin, à partir de 1572, Henri III de Navarre, le futur et fameux Henri IV de France, sous l’œil attentif des Valois, se montrent actifs dans le gouvernement de leurs états.

UNE EXPOSITION QUI FAIT LA PART BELLE AUX ARCHIVES

Cet effort a laissé des traces dans les arts, dont ces princes ont été de fins amateurs et de sûrs protecteurs, comme le montrent les portraits peints, médailles et sculptures réunis qui figurent dans l’exposition. Mais il s’exprime surtout à travers les archives de la «maison de Navarre», témoin de première main d’une telle dynamique. Les actes choisis (ils sont une
vingtaine, dressés sur papier ou sur parchemin au XVIe siècle) offrent un éclairage direct sur la perte de la Navarre (1512), la mise en défense des possessions au nord des Pyrénées, la reconstruction des institutions, l’exercice du pouvoir en matière de justice, de finances, de religion et d’éducation. La présentation de ces documents originaux reflète une pratique de l’écrit dont il convient aujourd’hui de retrouver les clés, invitant à une réflexion tant patrimoniale que culturelle ou politique, à placer sous le signe de l’authenticité.

Cette exposition s’inscrit dans le cadre du projet AcRoNavarre (Actes royaux des souverains de Navarre) soutenu par l’Agence nationale de la Recherche (2016-2022) ; elle a été réalisée par le Musée national et domaine du château de Pau, l’Université de Pau et des Pays de l’Adour – ANR AcRoNavarre et le Département des Pyrénées-Atlantiques – Archives départementales, en collaboration avec la Casa de Velázquez.

 

COMMISSAIRES D’EXPOSITION :

Isabelle Pébay-Clottes
Conservatrice générale au Musée national et domaine du château de Pau
Claude Menges-Mironneau
Conservatrice des Antiquités et Objets d’art des Pyrénées-Atlantiques, chargée de mission au Musée national et domaine du château de Pau
Philippe Chareyre
Professeur d’histoire moderne à l’Université de Pau et des Pays de l’Adour
Jacques Pons
Directeur des Archives départementales des Pyrénées-Atlantiques
Paul Mironneau
Directeur du Musée national et domaine du château de Pau

CONSEILLERS SCIENTIFIQUES :

Álvaro Adot Lerga, Casa de Velázquez et Université de Pau et des Pays de l’Adour/ITEM EA 3002

Denès Harai, Université de Pau et des Pays de l’Adour/ITEM EA 3002

 

Renseignements sur le site du musée.

Un siècle d’excellence typographique : Christophe Plantin & son officine (1555-1655)

Un siècle d’excellence typographique : Christophe Plantin & son officine (1555-1655)

 

 

19 novembre 2021 – 19 février 2022

Bibliothèque Mazarine (Paris)

Le monde du livre célèbre le 5e centenaire de la naissance de Christophe Plantin (vers 1520-1589). Originaire de Touraine, formé à la reliure, il s’installe vers 1549 à Anvers, qui est déjà une plaque tournante du commerce international. Il y établit en 1555 les fondements de la plus vaste entreprise d’imprimerie que l’Europe d’Ancien Régime ait connue.

Génie des affaires et typographe de talent, Plantin acquiert une position officielle avec sa nomination, en 1570, en qualité d’architypographe du roi d’Espagne Philippe II, qui règne alors sur l’ensemble des Pays-Bas. Son officine, qui a pris pour enseigne « le Compas d’Or », devient l’un des plus importants soutiens éditoriaux de la Contre-Réforme, ce qui ne l’empêche pas de se livrer à quelques activités clandestines. À sa mort, elle passe à son gendre Jan I Moretus, et reste entre les mains de la famille jusqu’au XIXe siècle.

Dès l’origine la production de Plantin se signale par son élégance. Sa correspondance, comme les archives de l’entreprise, exceptionnellement conservées, témoignent d’amples ambitions commerciales et d’une grande attention accordée aux attentes des publics et des marchés. Elles documentent aussi un soin extrême apporté à la conception des livres.

Le premier siècle d’activité de la maison Plantin Moretus, particulièrement brillant, ses stratégies éditoriales et les exigences de sa production sont au cœur de cette exposition. Elle montre comment Christophe Plantin et ses successeurs ont transformé l’esthétique du livre de la Renaissance et inauguré l’ère baroque de la mise en page, en mobilisant un matériel typographique et ornemental nouveau, en promouvant la gravure sur cuivre, en sollicitant de manière privilégiée le peintre Pierre Paul Rubens ou des illustrateurs et graveurs de talent (Pieter van der Borcht et les frères Wierix, Charles de Mallery ou Cornelis Galle). Dans ce siècle d’or, l’officine plantinienne conçoit plus de 5 000 éditions, où la séduction visuelle rejoint la recherche de lisibilité et d’efficacité.

Exposition organisée par la Bibliothèque Mazarine
et Cultura Fonds Library (De Eik nv, Dilbeek)
en collaboration avec le Musée Plantin-Moretus (Anvers).

Publication : Un siècle d’excellence typographique : Christophe Plantin & son officine (1555-1655)
= A Century of Typographical Excellence: Christophe Plantin and the Officina Plantiniana (1555-1655),
(coédition Bibliothèque Mazarine / De Eik nv / Éditions des Cendres, 2020 : 48 €).

Commissariat de l’exposition : Joran Proot, Yann Sordet & Christophe Vellet

Exposition virtuelle

 

Illustration : Rubens, Christophe Plantin, Anvers, Musée Plantin-Moretus (WGA).

Remember me, octobre – janvier 2022

Remember me

More than 100 Renaissance portraits, from Dürer to Sofonisba

 

Amsterdam, Rijksmuseum

Until 16 january 2022

Do you see me ? And how do you see me ? Powerful emperors, flamboyant aristocrats and well-to-do citizens. Throughout the 15th and 16th centuries, increasing numbers of people had themselves immortalised by the artists of the day. Remember me is about ambition, longing, loss – and how people want to be remembered.
The desire to remember and to be remembered is a very old and human need. Since antiquity men has been making portraits, and the selfie is now an indispensable part of everyday life. Somewhere in between, around 1500, the first blossoming of portraiture in Europe began.

How do you see me ?

Then, as now, the sitters were keen to be presented in the most favourable manner possible. All aspects of the composition – the facial expression, symbolism, pose, background and clothing – were carefully planned out. Where the one prioritised beauty, the other focused on exuding authority. Charles V, Holy Roman Emperor, for example, emphatically highlighted his power around 1553 by having himself immortalised as a Roman Emperor. Remember me sheds light on how people wanted to be seen, in themes such as beauty, authority, ambition, love, family, knowledge and faith. How would you like to be remembered?

International Masterpieces

Remember me brings together portraits from museums all over Europe and the United States. Portrait of a Young Woman is a masterpiece of the Northern Renaissance, painted by Petrus Christus around 1470. This highlight of the Gemäldegalerie collection will be out on loan from the Berlin museum for the first time since 1994.

  • Museo Civico d’Arte Antica, Palazzo Madama in Turin is loaning Antonello da Messina’s 1476 work Portrait of a Man.
  • The funeral monument of Isabella van Bourbon from the Antwerp Cathedral of Our Lady was made by Jan Borman the Younger and Renier van Thienen in 1475-76. This effigy will be reunited with the accompanying Pleurants, or ‘weepers’, in the Rijksmuseum (on loan from the municipality of Amsterdam).
  • Two works by Albrecht Dürer have been loaned for the exhibition: his 1508 work Portrait of an African man from the Albertina in Vienna and Portrait of a Young Woman in Prayer With Her Hair Down (1497) from the Städel Museum in Frankfurt.
  • The Kunstmuseum Basel is loaning several works, including the 1516 Double Portrait of Jakob Meyer zum Hasen and_ Dorothea Kannengießer_ by Hans Holbein the Younger.
  • The National Gallery of Art in Washington has loaned Jan Gossart’s Portrait of Jan Jacobsz Snoeck, painted around 1530.
  • Sofonisba Anguissola’s Self-Portrait (ca. 1556) will be loaned from Muzeum-Zamek w Łańcucie, Łańcut in Poland.
CATALOGUE

The exhibition is accompanied by the catalogue Remember Me, a richly illustrated book written by Rijksmuseum curators Sara van Dijk and Matthias Ubl, with contributions from Friso Lammertse and Ilona van Tuinen.

272 pages, ISBN 9789090326500, €27,50. Available in the Rijksmuseum (web)shop and book shops.

 

Lien vers le site du musée.

Émailler le verre à la Renaissance, du 13 octobre au 14 février 2022, Écouen

EXPOSITION

ÉMAILLER LE VERRE À LA RENAISSANCE
SUR LES TRACES DES ARTISTES VERRIERS ENTRE VENISE ET FRANCE

 

Musée national de la Renaissance, château d’Écouen
DU 13 OCTOBRE 2021 AU 14 FÉVRIER 2022

 

Production aussi précieuse que les verres transparents qui firent la réputation de Venise et de l’île de Murano, les verres émaillés et dorés de la Renaissance sont particulièrement prisés dès la fin du XVe siècle. À telle enseigne que, au début du XVIe siècle, des ateliers de verriers partout en Europe s’emploient à développer leur propre production, notamment en France. Croisant les apports de l’histoire de l’art, de l’archéologie et des analyses scientifiques, l’exposition tâchera ainsi d’éclaircir les attributions (Venise ? Façon de Venise ?) et les datations (entre XVe et XIXe siècles) de ces œuvres que l’on croyait pourtant si bien connaître.

Commissariat :
Aurélie Gerbier, conservatrice du patrimoine au musée national de la Renaissance
Françoise Barbe, conservatrice en chef du patrimoine au musée du Louvre
Isabelle Biron, ingénieure de recherche au c2rmf

Coproduite avec la RMN-GP, en partenariat avec le musée du Louvre et le C2RMF

 

COLLOQUE
Verres émaillés et dorés de la Renaissance. Nouvelles perspectives
22 et 23 mars 2022 (en visio-conférence)

Lien vers le site du musée.