Archives de catégorie : Comptes rendus

Hearing the City in Early Modern Europe

Tess Knighton – Ascension Mazuela-Anguita (ed.), Hearing the City in Early Modern Europe, Turnhout, Brepols, coll. « Épitome musical », 2018, 428 p., ISBN 978-2-503-57959-7.

Ce volume s’inscrit dans les recherches qui, cette dernière décennie, ont privilégié une lecture de l’expérience musicale intégrée au contexte plus général des cultures urbaines de la fin du Moyen Âge et de l’époque moderne. La musicologie urbaine, associée aux Sound Studies anglo-saxonnes, s’intéresse à la performance musicale urbaine, et plus particulièrement à la qualité sonore des mondes urbains. Ce champ de recherche a donc pour objet les pratiques acoustiques et les imaginaires sonores, aussi bien des pouvoirs politiques que des individus et des communautés. Des travaux nombreux ont permis de reconsidérer à la fois l’histoire urbaine et la musicologie. En témoigne la publication en 2017 de l’ouvrage de Niall Atkinson, The Noisy Renaissance. Sound, Architecture and Florentine Urban Life. On pourra trouver curieux que l’auteur n’ait pas participé à cet ouvrage collectif et ne soit pas non plus cité, alors que son travail nous a permis de regarder les villes de la Renaissance comme des espaces marqués par des signes sonores : les tours dont s’échappent les sons des cloches, qui se répondent entre elles et qui rythment la vie aussi bien civique qu’économique et sociale des citadins ; les places et les rues qui bruissent des sons des marchés mais aussi des chanteurs, récitants et bonimenteurs dont on sait qu’ils occupaient une grande partie de ces espaces. Mais c’est bien dans cette perspective que s’inscrit le présent volume.

L’ouvrage s’organise autour de quatre questions. Dans son introduction, Tim Carter présente les enjeux épistémologiques et les problèmes méthodologiques auxquels se trouve confrontée la musicologie urbaine : une nouvelle histoire de l’écoute musicale s’impose pour permettre à la musicologie de prendre en compte les apports de l’histoire des sensibilités. Une première partie insiste sur la nécessité de « traverser les frontières », qu’elles soient disciplinaires (Dinko Fabris, Bruce R. Smith, Helen Hills) ou géographiques (David R. M. Irving, Juan José Carreras). La deuxième partie s’intéresse au répertoire musical dans des situations urbaines de contestation : Jan-Friedrich Missfelder montre ainsi que la Réforme à Zurich n’a pas tenté de museler l’expression sonore de la culture flamboyante de la fin du xve siècle, mais a réorganisé le paysage sonore de la ville en l’inféodant au pouvoir sonore du Verbe. La troisième partie analyse « les mondes sonores et les stratégies spatiales des élites » : il s’agit de distinguer les effets de distinction sociale dans les pratiques sonores des élites. La quatrième partie est consacrée à quelques études de cas de paysages sonores urbains : Vienne au xve siècle, Barcelone au xvie, Palerme aux XVIe et XVIIe siècles, les villes de la Navarre du XVIe au XVIIIe siècle, Londres au XVIIIe siècle. Tous ces environnements sonores témoignent à la fois de pratiques acoustiques variées et de sources complexes, qui nécessitent encore la mise en œuvre de méthodes éprouvées dans les différents champs disciplinaires sollicités par la question sonore.

Florence Alazard.

Recueil général de moralités d’expression française, sous la direction de Jonathan Beck, Estelle Doudet et Alan Hindley, tome II, Paris, Classiques Garnier, 2019, 593 p., 59 €.

Le Recueil général de moralités d’expression française réunit des moralités du début du xve siècle jusqu’au seuil du xviie siècle. Il devrait comporter à terme une centaine de moralités réparties en dix-huit tomes : t. 1-9 « Les premiers témoins » ; t. 10 « Moralités de parodie et de pastiche » ; t. 11-15 « Moralités pour et contre la Réforme » ; t. 16-17 « Satire et critique sociale » ; t. 18 « Moralités tardives ».

Le tome I (2012) était consacré aux prédécesseurs de la moralité « proprement dite ». Le tome II édite cinq moralités du xve siècle, toutes accompagnées d’une introduction substantielle. La Moralité du Jour Saint Antoine (éd. E. Doudet) et La Moralité du Chastiement du Monde (éd. J. Beck) ont toutes les deux été jouées dans le prestigieux collège de Navarre, sur la Montagne Sainte-Geneviève. La Moralité du Jour Saint Antoine, représentée en janvier 1427 (n.s.), à l’occasion de la Saint Antoine, est la première pièce en français à porter le titre de « moralité », dans la rubrique introductive de l’unique codex qui l’a conservée. Et elle se révèle précieuse pour la définition d’un théâtre didactique qui entend intégrer et adapter à un public imparfait ces autres formes de communication contemporaines que sont les écrits chrétiens, les images édifiantes et les sermons. La Moralité du Chastiement du monde, jouée l’année suivante (1428 n.s.), est qualifiée de « moralité faicte en foulois », ce qui s’explique par la présence de quatre fous-prophètes qui dénoncent les troubles politiques contemporains.

La Moralité de la Croix Faubin [1488 ?] (éd. A. Hindley) dénonce les abus socio-politiques en mettant en scène le Pain et le Vin exploités par le prince Tout et ses ministres l’Un et l’Autre, et consolés par dame Patience. Le Jeu d’Argent [c. 1470] (éd. A. Hindley), moralité attribuée à Jazme Oliou et jouée par sa troupe ambulante devant des publics divers, décrit le parcours de l’Homme, tiraillé entre les forces du bien et son amour pour l’argent qui le mène au péché. La pièce, riche en didascalies qui reflètent les préoccupations scéniques de l’auteur, est conservée dans un livret de scène d’un grand intérêt : il permet en effet d’observer de près les modifications réalisées pour s’adapter à de nouveaux publics.

L’Aveugle et le Boiteux (éd. E. Doudet), dernier épisode du Mystère de saint Martin d’André de la Vigne joué à Seurre en 1496, est généralement considéré comme une moralité depuis l’édition de Francisque Michel en 1831. Mais en 1997, André Tissier choisit d’intégrer la pièce à son Recueil de farces (1450-1550) (Genève, Droz, 1997, t. XI, p. 291-342). L’objectif de la nouvelle éditrice n’est pas de trancher entre la farce et la moralité mais plutôt « d’approcher à travers un objet atypique les relations entre moralités, farces et mystères aux xve et xvie siècles ».

Voir la table des matières sur le site de l’éditeur.

Nicolas Le Cadet.

Estelle Doudet, Moralités et jeux moraux, le théâtre allégorique en français, XVe-XVIe siècles, Paris, Classiques Garnier, 2018, 690 p., 48 €.

Le livre offre la première étude d’ensemble sur le théâtre allégorique en français du « long xve siècle », c’est-à-dire de la fin du xive siècle jusqu’au milieu du xvie siècle. Le corpus porte sur une cinquantaine d’œuvres présentées comme des moralités et sur un nombre équivalent de farces morales, moralités joyeuses, bergeries et histoires morales, soit en tout quelque cent vingt-cinq œuvres et fragments en moyen français, éclairés par environ trois cents documents d’archive. Plutôt qu’une sélection d’œuvres exemplaires, Estelle Doudet a fait en effet le choix d’une appréhension globale du corpus, de manière à accompagner la publication en cours (2012-) du Recueil général de moralités d’expression française (dix-huit volumes prévus rassemblant plus de cent pièces). Les thèmes très variés de ces moralités et jeux moraux semblent défier toute entreprise de catégorisation, même s’ils s’inscrivent tous dans un dispositif allégorique. Face à ce « continuum discontinu », l’ouvrage renonce donc à une approche essentialiste et téléologique et se conçoit au contraire comme une « cartographie » et une « archéologie », organisées en quatre parcours.

Le premier parcours (« Théories d’un genre, pratiques d’un art ») entreprend de revoir à nouveaux frais la question du « genre » de la moralité, à partir d’une enquête lexicale sur les mots « moralité », « moral » et « moralisé ». Il replace ce théâtre dans un champ de pratiques, se situant tour à tour du point de vue des écrivains, des copistes, des imprimeurs, des spectateurs et des lecteurs, et montrant comment le format moyen, à mi-chemin de la brièveté des farces et des sotties et de la longueur des mystères, a pu favoriser l’interaction avec des pièces d’ampleur complémentaire, à la fois sur la scène et dans les livres.

Le second parcours (« Rhétorique de l’autorité ») s’intéresse à la dimension didactique et autoritaire des moralités, dont l’auteur est assez souvent identifié, à la différence des rédacteurs de farce. Le théâtre moral, qui transporte parfois sur scène l’éloquence de la chaire, est placé sous le signe de la démonstration, comme le montrent les paratextes, les personnages de démonstrateurs et les abondantes références et citations. Il se présente comme un art d’instruction publique qui entend « faire école », « faire apprendre » et « faire mémoire ».

Le troisième parcours (« Dramaturgies du dévoilement »), centré sur la dramaturgie du dévoilement de la vérité, met à l’essai ces deux dispositifs que sont le théâtre et l’allégorie. Il s’interroge sur le fonctionnement des corps allégoriques (à travers leurs apparences, leurs gestes, leurs costumes et accessoires) et réfléchit sur « le statut du visible dans le théâtre allégorique ».

Le quatrième parcours (« Poétiques de l’occasion ») analyse « les rapports que le théâtre allégorique a entretenus avec le temps présent », traversé par de nombreuses « fractures politiques, sociales, culturelles ». Théâtre d’actualité placé sous « la lumière de l’inactuel », il se montre volontiers satirique et polémique, tout particulièrement pendant les conflits entre catholiques et protestants.

Voir la table des matières sur le site de l’éditeur.

Nicolas Le Cadet.

European Drama and Performance Studies, « Le Théâtre au collège », n° 11, 2018, dir. M. Demeilliez, E. Doudet, M. Ferrand et É. Syssau.

Le nouveau numéro thématique de la revue European Drama and Performance Studies porte sur les pratiques théâtrales en milieu scolaire, du Moyen Âge à nos jours.

L’essentiel du volume – quatre des cinq sections – concerne la période du xve siècle au xviiie siècle. Marie Demeilliez, Estelle Doudet, Mathieu Ferrand et Éric Syssau s’appuient sur le cas exemplaire du collège de Navarre sur la Montagne Sainte-Geneviève dont on a conservé quatre jeux en français composés entre 1402 et 1510-1530 ; vingt-quatre textes dialogués en latin rédigés au début du xvie siècle ; trois pièces écrites au milieu du siècle, six comédies et tragédies du xviie siècle et trente-quatre programmes qui résument les intrigues de spectacles des xviie et xviiie siècles. Le volume s’intéresse tout d’abord à l’histoire du collège de Navarre, aux « temps, lieux et occasions des spectacles scolaires », aux « auteurs, acteurs et spectateurs » et à la place du théâtre dans le processus d’apprentissage des élèves. Il se concentre dans un deuxième temps sur les poétiques théâtrales qui sont nées dans ce contexte particulier, au xve siècle où Navarre se révèle un véritable « laboratoire théâtral », au début du xvie siècle avec les Dialogi de Joannes Ravisius Textor, dans la deuxième partie du xvie siècle avec la tragédie néo-latine et enfin aux xviie et xviiie siècles avec des spectacles aux formes complexes. Ce théâtre est en prise directe avec l’actualité, comme le soulignent dans une troisième section différents témoignages relatifs à deux pièces non conservées jouées au collège de Navarre en 1533 (contre les sympathies réformées de Marguerite de Navarre, la sœur du roi) et en 1572 (pour justifier les massacres de la Saint-Barthélemy). En fin de volume, dans une cinquième et dernière section, une anthologie commentée fournit dix extraits de pièces ou de programmes du xve au xviiie siècle issus du collège de Navarre. Le texte originel des pièces des xve et xvie siècles est suivi d’une traduction en français.

Pour ce qui est du « théâtre à l’école aujourd’hui », la quatrième section du volume propose une série de trois entretiens avec des spécialistes de l’enseignement du théâtre – une inspectrice d’académie, une didacticienne et un enseignant. Ils témoignent des profondes mutations institutionnelles engagées depuis les années 1980.

Nicolas Le Cadet.

Janus Cornarius et la redécouverte d’Hippocrate à la Renaissance

Marie-Laure Monfort, Janus Cornarius et la redécouverte d’Hippocrate à la Renaissance, Textes de Janus Cornarius édités et traduits. Bibliographie des éditions cornariennes, « De Diversis Artibus », tome 95, Turnhout, Brepols, 2017, 516 pages.

Grâce à son organisation en diptyque, l’analyse (des pages 21 à 266) venant éclairer un choix de textes édités et traduits (pages 267 à 462), l’ouvrage permet la véritable redécouverte d’un érudit discret,impliqué dans les rénovations scientifiques de son temps ; il propose en effet  une étude fouillée des apports de Johann Haynpol de Zwickau, dit Janus Cornarius (ca. 1500-1558) à la diffusion et à la connaissance du corpus hippocratique à la Renaissance. Cornarius publie en 1546 la première traduction latine de l’œuvre intégrale d’Hippocrate, ouvrage imprimé par Froben à Bâle dont le succès, dû à la qualité exceptionnelle de la traduction, à la fois littérale et limpide, est immédiate et durable (cette traduction sera réimprimée jusqu’au XVIIIe siècle).Marie-Laure Monfort montre comment Cornarius (en qui elle voit un des modèles possibles du Panurge de Rabelais, les deux humanistes s’étant probablementrencontrés vers la fin des années 1520), a paradoxalement contribué, par le biais d’un imposant travail de traduction des écrits du Père de la médecine, à l’édification de la médecine moderne ; le retour aux sources grecques permet en effet un dépassement de la théorie humorale héritée de Galien et la construction du modèle infectieux, fondé sur l’intuition, que Marie-Laure Monfort fait remonter aux premiers textes médicaux conservés, à savoir Hippocrate, d’un agent pathogène extérieur. Pour Cornarius, « la médecine du futur serait celle d’Hippocrate », le médecin grec permettant de simplifier la médecine. « Bon nombre d’écrits attribués au Père de la médecine contredisent ouvertement la doctrine aristotélo-galénique des humeurs et des qualités » et « par conséquent remettent radicalement en cause le dogme médical véhiculé par Avicenne, concevant la maladie comme une altération dans l’équilibre des humeurs, et supposant par exemple que la pituite se transforme en bile noire. » (p. 169-170). Le recours à Hippocrate sert d’autre part d’argument d’autorité contre l’astrologie médicale et Janus Cornarius s’inscrit dans le courant anti-astrologique qu’ont illustré Picde la Mirandole (qui laisse à sa mort en 1494 le traité In astrologiam divinatricem), Manardi, son éditeur Rabelais, ainsique d’autres érudits médecins contemporains. Marie-Laure Monfort repère d’autrepart dans plusieurs discours de Cornarius des thèmes qui circulaient, sans êtreimprimés, et que l’on retrouvera dans le Derevolutionibus orbium coelestium de Copernic (1543).

L’ouvrage est complété par une riche annexe comportantla publication en latin et en traduction française d’un choix de discours etpréfaces de Janus Cornarius (textes dont la qualité pédagogique est liée à leurcaractère oral, les praefationes étantà l’origine des discours proférés devant un auditoire universitaire) ; s’yajoutent le traité Medicina sive medicus de1556 (qui a été analysé dans les chapitres III et IV de la troisième partie, p.219-262) et le discours In dictumHippocratis. Vita brevis, ars vero longa est (1557), qui a également fait l’objet de belles analyses dans les premières parties du volume. Est proposée in fine une bibliographie des éditions cornariennes, qui répertorie non seulement les éditions publiant les textes de Janus Cornarius, mais également celles auxquelles il a contribué soit comme correcteur d’un texte grec ou latin, soit comme traducteur latin d’un texte grec.

Marie-Claire Thomine.

Vices de style et défauts esthétiques XVIe-XVIIIe siècle

Vices de style et défauts esthétiques XVIe-XVIIIe siècle, sous la direction de Carine Barbafieri et Jean-Yves Vialleton, Paris, Classiques Garnier, 2017, 605 pages.

Sontici réunis les actes du colloque « Vices de style et défauts esthétiques.XVIe– XVIIIe siècle » organisé du 5 au 7 juin 2014 àl’université Paris-Sorbonne en collaboration avec l’université Grenoble-Alpes, l’université de Valenciennes et du Hainaut-Cambrésis et l’Institut universitaire de France. Après une introduction, proposée par les organisateursdu colloque, Carine Barbafieri et Jean-Yves Vialleton, l’ouvrage regroupetrente-quatre contributions réparties en cinq ensembles, « Rhétorique vs esthétique », « fautes de goût », « classicisme et esthétique nationale », « esthétique(s) du laid »,« Désordre, folie et grandeur ». La démarche est originale,  qui consiste à interroger et tenter de définir l’esthétique classique par la négative, non plus à partir de ce qui la fonde(ses règles, ses principes), mais en examinant ce qu’elle condamne. Mise en lumière, cette dialectique du bon et du mauvais goût (« le goût n’existe qu’en se doublant d’un dégoût », lit-on dans l’introduction, p. 7 etMichel Jeanneret analyse comme un mécanisme la « nécessité organique du laid, du grotesque, du malséant », p 432), porte des fruits copieux et variés : l’approche est très riche car elle se déploie sur un large empan chronologique (depuis l’Antiquité dans laquelle la doctrine classique puise ses racines jusqu’aux Lumières qui la remettent en question) et engage une réflexion à la fois philosophique, esthétique, littéraire et rhétorique. Le champ d’investigation n’est pas limité à la seule littérature (qui occupe toutefois la plus large part, dans desgenres très variés, poésie, écrits polémiques, tragédie, comédie, genre épistolaire, énigme, idylles héroïques, essais, sermons, et d’autres, auxquels il faut ajouter la traduction), il concerne également la musique, l’art culinaire, la peinture ou la performance théâtrale. Le bouquet d’articles ici proposé offre une interrogation stimulante sur le goût et ses perceptions (quand y a-t-il « faute de goût » ?), sur les vices et défauts de style qui occupent, comme cela est rappelé en introduction, une place importante dans les traités de rhétorique ; parmi les défauts ou vices examinés, la froideur, la langueur, l’ingéniosité, le bouffi, le décousu, le galimatias, le rude, les grossièretés ou encore les bouffonneries. D’être ainsi examinée en creux, à travers le jeu des auteurs avec les règles et les codes du style et du goût, la question du classicisme gagne en dynamisme.

Pierre Chiron, « Echec éthique, échec esthétique selon la théorie grecque des caractères (Ps.-Démétrios de Phalère) ou de sformes (Hermogène) du style » ; Giovanni Lombardo, « Le manque de goût et les grâces effrayantes dans la rhétorique ancienne » ; Charles Guérin, « Regula incerta. Les déclamateurs impériaux et la critique du défaut stylistique chez Sénèque lePère » ; Gilles Siouffi, « Le problème du “froid” au XVIIe siècle. Sentiment terminologique, sentiment stylistique et sentiment linguistique » ; Delphine Denis, « Les grâces languissantes du style » ; Carole Talon-Hugon, « Pourquoi le goût ? Généalogie d’un concept moderne » ; Baldine Saint Girons, « Du mauvais goût comme risque du sublime » ; Florent Quellier, « Barbarismes et gueuseries.  Faute de goût et codification de l’art de la bonne chère dans la France du XVIIe siècle » ; Anne-Pascale Pouey-Mounou, « L’épithète est-elle un vilain défaut ? Les superfluités du style dans quelques caricatures de la poésie du XVIe siècle » ; Cécile Lignereux, « Les mises en garde des manuels d’art épistolaire contre les fautes de goût » ; François-Ronan Dubois, « Beautés et défauts de Voiture. La Défense des ouvrages de Monsieur de Voiture de Pierre Costar » ; Elsa Veret-Basty,« ‘Fuyez comme un écueil le style énigmatique !’ Les vices de l’ingéniosité » ; Lucie Desjardins, « Bonnes et mauvaises larmes. De l’art de pleurer » ;  Catherine Ébert-Zeminovà,« Phénoménologie du défectueux selon le Père Bouhours. Avoir du goût, c’est ne point en avoir » ; Benjamin Bouchard, « Idylles héroïques italiennes et françaises au début du XVIIesiècle » ; Záviš Suman, « La Mesnardière contre Castelvetro. Polémique sur les mœurs du personnage tragique » ; Suzanne Duval,« Traduire les fictions “estrangères” en France à l’âge baroque. Un vice “desguisé” » ; Sandra Costa, « Goût et mauvais goût des collectionneurs d’art en Italie au XVIIe siècle » ; Sophie Hache, « Musique française vs musique italienne. Bon et mauvais goût d’après le Discours sur la musique d’Eglise (1706) de Lecerf de la Viéville » ; ChristelleBahier-Porte « “Quel jargon recherché !” : Antoine Houdar de La Motte corrupteur du goût ? » ; Marek Očenáš, «Faute de goût et jugement esthétique selon l’abbé Dubos » ; Ouafae ElMansouri, « La défense du modèle tragique français dans la critique de L’Année littéraire (1770-1789) » ; HughRoberts, « Capitaine Galimatias, homme obscur, et né de la lie dupeuple » (Furetière). Le galimatias vice de style et genre littéraire  (fin XVIe-première moitié du XVIIe siècle) ;Jean-Marc Civardi, « Cartographie du galimatias au XVIIesiècle » ; Audrey Gilles-Chikhaoui, « Grossièretés de Marc Papillon de Lasphrise » ; Dominique Chaigne, « Les sonnets satiriques et burlesques au XVIIe siècle : “un miroir de vices et de difformités” » ; Michel Jeanneret, « Avatars du bouffon » ; Françoise Rubellin, « Marivaux et le mauvais goût : L’Homère travesti » ; Violaine Géraud, « De la faute de goût au trait d’esprit à l’aube des Lumières » ; Jean-Eudes Girot,« Du goût et de la faute de goût comme connaissance de soi chez Montaigne » ; Christiane Deloince-Louette, « Archéologie du rude. Les enjeux esthétiques et éthiques de la critique d’Homère par Scaliger » ; Christabelle Thouin-Dieuaide, « De quelques sermons protestants français au début du XVIIe siècle. “Herbes amères”contre “style bouffi” » ; Christine Noille, « “De tant d’objets divers le bizarre assemblage…”. Rhétorique desdispositifs décousus » ; Sabine Chaouche, « L’acteur de mauvais goût, acteur des avant‑gardes scéniques ? ».

Marie-Claire Thomine.

Miroirs de Charles IX. Images, imaginaires, symbolique.

Miroirs de Charles IX. Images, imaginaires, symbolique, sous la direction de Luisa Capodieci, Estelle Leutrat, Rebecca Zorach, Genève, Droz, Travaux d’Humanisme et Renaissance n° DLXXXIV, 2018, 284 p., 73 ill. n/b.

Le volume réunit les actes d’un colloque international organisé en 2011 par l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne et l’Université Rennes 2 en collaboration avec l’Université de Chicago et le Centre Allemand d’Histoire de l’Art de Paris. Dans une démarche qui s’inspire de celle d’Anne-Marie Lecoq, dans son François Ier imaginaire. Symbolique et politique à l’aube de la Renaissance française (Paris, Macula, 1987), l’ouvrage s’intéresse à une figure de souverain qui n’avait pas bénéficié jusqu’alors d’une telle approche pluridisciplinaire ; sont interrogées ici les images – littéraires et artistiques – que les contemporains de Charles IX, partisans ou ennemis, membres ou non du cercle intime, ont façonnées de lui (bien éloignées de celles qu’ont construites les siècles suivants, forgeant un imaginaire collectif que les lecteurs d’aujourd’hui ont souvent à l’esprit). Dix-huit auteurs (littéraires, historiens, historiens d’art, musicologues) étudient les multiples représentations, réelles, symboliques, allégoriques, imaginaires du jeune roi (il meurt en 1574, à l’âge de 24 ans), qui se sont développées pendant son règne, images dont certaines seulement sont contrôlées et officielles, fabriquant sa gloire. Cette rencontre entre les arts (poésie, écrits polémiques, peinture, dessin, architecture, musique, médailles, estampes) fait la richesse d’un volume qui renouvelle et approfondit la figure de Charles IX, dont l’image royale est un « miroir magique aux multiples visages ».

Luisa Capodieci, Estelle Leutrat, « Introduction. Charles IX dans le prisme royal » ; Henri Zerner, « Métamorphoses d’un enfant roi » ; Bruno Petey-Girard, « Le roi de France et les Lettres : quels modèles pour Charles IX », Gaylord Brouhot, « Corps paré et parure du pouvoir dans un portrait de Charles IX avec la famille royale » ; Jean-Eudes Girot, « L’”autheur” et l’escrivain » : Charles IX dans l’oeuvre de Ronsard » ; Valérie Auclair, « Mises à jour et obsolescence d’un programme iconographique. Charles IX ultime destinataire de l’Histoire françoyse de nostre temps de Nicolas Houel » ; Nicole Bensoussan, « Les médailles officielles au temps de Charles IX » ; Yves Pauwels, « L’architecture et ses représentations : miroirs de Charles IX ? » ; Hugues Daussy, « De Josias à Hérode : l’image de Charles IX dans la littérature réformée » ; John Nassichuk, « L’Image de Charles IX dans l’oeuvre d’Arnaud Sorbin de Saincte-Foy » ; Ariane Boltanski, « Charles IX ou le glaive contre l’hérésie. Les représentations du militantisme catholique à la fin des années 1560 et au début des années 1570 » ; Vanessa Selbach, « Le Pourtrait des enfans jumeaux envoyés au Roy. Prodiges de la nature et luttes confessionnelles au moment de la Paix de Saint-Germain (1570) » ; Jean Vignes, « Images de Charles IX dans la poésie de Jean-Antoine de Baïf (1532-1589) » ; Isabelle His, « Charles IX et la musique » ; Patrica Zalamea, « Charles IX et la tradition cynégétique dans les livres de vénerie et leurs paratextes » ; Sigrid Ruby, « Charles IX : un chasseur d’amour ? » ; Rebecca Zorach, « Conclusion. Au-delà des deux corps du roi ».

Marie-Claire Thomine.

From Art to Science. Experiencing Nature in the European Garden 1500-1700

From Art to Science. Experiencing Nature in the European Garden 1500-1700, edited by Juliette Ferdinand, Treviso, ZeL Edizioni, 2016, 127 p.

Cet ouvrage de belle facture (notamment par les illustrations qui viennent étayer le propos) s’ouvre sur une introduction de Juliette Ferdinand (« In the ‘Hortus universalis’ : science, technique, and delight in gardens », p. 8-17) et comporte six études de spécialistes qui examinent la rencontre et l’émulation entre l’art et la science dans le contexte semi-naturel des jardins (le terme de « jardin » renvoyant au XVIe siècle, comme le note l’éditrice, tout aussi bien à la nature sauvage qu’à la nature ordonnée).

Florike Egmond (« The garden of nature : visualizing botanical research in Northern and Southern Europe in the 16th century », p. 18-33) met en rapport l’horticulture du XVIe siècle et l’approche visuelle des plantes et de quelques animaux dans l’Italie du Nord et le Sud des Pays-Bas; s’accentue à cette période une représentation extrêmement réaliste et détaillée de la nature vivante qui devient alors la norme en Europe et s’exprime dans les aquarelles et les dessins, les tapis, les arts décoratifs et la peinture à l’huile.

Luca Ciancio (« The Many Gardens – Real, Symbolic, Visual – of Pietro Andrea Mattioli », p. 34-45) constate le lien entre le développement des jardins à la Renaissance et la renaissance de la botanique comme science de l’observation ; la carrière du botaniste siennois Pietro Andrea Mattioli (1501-1578) illustre la conscience progressive d’une distinction entre deux types de jardins : le jardin botanique dont la fonction est cognitive et thérapeutique, le jardin aristocratique qui a pour but le divertissement et la représentation sociale.

Alette Fleischer (« Hydraulics in Horto : levelling between water and power in seventeenth-century gardens in France and Holland », p. 46-61) analyse la compétition, pour la conception d’un instrument de nivellement automatique capable de mesurer l’élévation de terrains, entre deux ingénieurs hollandais, le mathématicien Christian Huygens (1629-1695), au service du roi Louis XIV, et Willem Meester (1653-1701), ingénieur hydraulicien du prince hollandais Willem III.

Sara Taglialagamba (« Facciasi fonti in ciascuna piazza. Congegni idraulici e fontane di Leonardo per I committenti francese », p. 62-77) étudie les divers projets hydrauliques (fontaines, instruments de musique, systèmes pneumatiques et hydrauliques) imaginés par Léonard de Vinci pour le roi Louis XII et pour Charles d’Amboise, seigneur de Chaumont, maréchal de France et gouverneur de Milan.

Michael Simonsen (« Geometry and botany artistically united at Wollaton Hall at the end of the 16th century », p. 78-91) analyse le développement des jardins en Angleterre à la Renaissance à partir de l’exemple de Wollaton Hall, construit entre 1580 et 1588 à Nottingham, unique exemple d’une demeure élizabéthaine à la campagne. Il examine l’évolution du jardin dans ses différentes phases, depuis l’arrangement géométrique et artistique initial des plantations (sous la houlette de Francis Willoughby) vers un lieu destiné à l’observation des plantes et des oiseaux à l’époque de son arrière-petit-fils, Francis Willughby (1635-1672).

Juliette Ferdinand (« Placere et docere : le jardin minéral de Bernard Palissy », p. 92-109) étudie le projet de jardin minéral que Bernard Palissy expose dans la Recepte véritable publiée en 1563 à La Rochelle ; elle montre à partir de cet exemple comment « la pensée de philosophe naturel de Palissy trouve son fondement dans sa pratique artistique ».

L’ouvrage est pourvu de deux index, « Index of Names ands Works », « Index of Places ».

Marie-Claire Thomine.

Quentin SKINNER, Visions politiques. Volume 1 : Sur la méthode

Quentin SKINNER, Visions politiques. Volume 1 : Sur la méthode, traduit de l’anglais par Christopher Hamel, collection « Titre courant » n° 65, Genève, Droz, 2018, 273 pages.

            Traduction d’un ouvrage paru à Cambridge en 2002, Visions politiques est un recueil d’articles déjà publiés, nouvellement révisés. En trois volumes, dont celui-ci est le premier, l’auteur propose de comparer la vision politique faisant de la souveraineté la propriété du peuple à celle qui en fait la propriété de l’état. Dans ce premier volume, « sur la méthode », Quentin Skinner défend l’idée selon laquelle les différentes transformations conceptuelles que l’historien des idées peut espérer identifier ne sont pas des changements de concepts mais des changements dans l’usage des termes avec lesquels nous exprimons ces concepts. C’est pourquoi il étudie et remet en question l’exclusivité de la méthode empirique comme source des connaissances, puis analyse la théorie post-empirique en montrant que l’approche qui consiste à rassembler tous les faits pour en faire le récit est également intenable pour les historiens des idées.

            Au fil des dix chapitres de l’ouvrage, Quentin Skinner analyse la méthode de l’historien des idées, s’appuyant sur des exemples issus de textes du XVIe siècle (Machiavel, Bodin…). Il commence ainsi par analyser la philosophie de Sir Geoffrey Elton (auteur de The Practice of History, 1967) et remet en question la méthode que ce dernier propose aux « apprentis » historiens avant de montrer que l’approche qui consiste à s’appuyer sur la vérité de nos connaissances est également erronée : le concept de vérité n’est pas pertinent pour l’entreprise qui vise à explorer les croyances. Dans le chapitre V, Quentin Skinner discrédite l’affirmation selon laquelle la tâche de l’historien est d’étudier et d’interpréter un canon de textes classiques, puis, dans les chapitres suivants, il s’attache à l’étude de la signification des textes, qu’il distingue des intentions de l’auteur, lesquelles doivent être étudiées seulement après l’étude du sens. Quentin Skinner s’appuie sur les travaux de L. Wittgenstein et J. L. Austin pour étayer sa thèse.

            Les trois derniers chapitres sont consacrés respectivement à la signification sociale, à l’idée d’un « lexique culturel » – l’auteur s’y attache à étudier le lien entre l’étude du vocabulaire que nous utilisons pour décrire et évaluer et l’interprétation des textes –, et enfin à la rhétorique et au changement conceptuel. Dans un dernier chapitre également conclusif, l’auteur affine les idées précédentes et répond à ses critiques. 

Rebecca Legrand.

The Ark of studies, Thomas Harrison

The Ark of studies, Thomas Harrison, éd. Alberto Cevolini, De Diversis Artibus, tome 102, Brepols, 2017, 142 pages.

L’auteur propose une édition critique et une traduction en anglais de l’ouvrage Arca Studiorum, rédigé en latin par Thomas Harrison et édité par Vincent Placcius en 1689 dans l’ouvrage De arte excerpendi. Vom gelehrten Bucchalten liber singularis (Holmiae / Hamburgi : Apud Gottfried Liebezeit, 1689). Cette édition critique débute par une introduction détaillée présentant Thomas Harrison, son ouvrage et son projet, l’ark of studies, une machine permettant de recopier et de classer les passages les plus intéressants des livres lus. Selon Alberto Cevolini, le classement mécanique des citations par thème et par ordre alphabétique en fait une invention surprenante et essentielle au XVIIe siècle. L’objectif de l’édition critique de Cevolini est, d’une part, de faire connaître Thomas Harrison, né à Londres dans une famille de marchand en 1595, diplômé en théologie puis arrêté au motif qu’il aurait corrompu la cour, et enfin, inventeur de l’ark of studies (1640) développé avec l’aide financière de Samuel Hatlib ; puis, dans un second temps, de démontrer l’importance de cette invention dans l’histoire du XVIIe siècle. Pour ce faire, Cevolini propose au lecteur une histoire de la tradition scolastique et des moyens à la disposition des exégètes souhaitant conserver des notes, de l’Antiquité au XVIIe siècle. Si la machine de Thomas Harrison est si importante, c’est aussi parce que la naissance de l’imprimerie a bouleversé les habitudes des lecteurs : ces derniers ne sont pas préparés à annoter et critiquer l’énorme masse de littérature qui devient soudainement accessible à un plus grand nombre. Comment donc garder en mémoire ces ouvrages essentiels ?

L’ouvrage de Thomas Harrison est ensuite donné à lire au lecteur dans la version originale en latin et dans la traduction anglaise qui se trouve en regard. Cette édition s’appuie sur les trois manuscrits de Thomas Harrison qui existent encore, à Londres et Hambourg.

Rebecca Legrand.

Langues imaginaires et imaginaire de la langue

Langues imaginaires et imaginaire de la langue, études réunies par Olivier Pot, Cahiers d’Humanisme et Renaissance n° 148, Genève, Droz, 2018, 840 pages.

  

Langues imaginaires et imaginaires de la langue, recueil des actes d’un colloque tenu à l’Université de Genève en 2008, est le prolongement d’un précédent volume consacré à la question des langages. Les vingt-six études réunies placées sous le signe de l’historiographie linguistique et de la diversité – du sanskrit aux langues imaginaires –, ainsi que sous celui du voyage – aussi bien spatial que temporel –, visent à montrer que « tout locuteur est un barbare au regard de son propre idiome ».

La première partie du recueil, « Sous le signe de l’Utopia de Thomas More : Pour un anniversaire des langues imaginaires (1517-2017) », s’intéresse au paratexte de l’Utopie, cherchant à placer dans le récit l’existence réelle de l’île et de sa langue (Pierre Swiggers).

La deuxième partie, intitulée « Des chiffres et des lettres : de la cryptographie à la langue universelle » étudie d’abord le mythe de la langue originelle chez Claude Duret (Gisèle Mathieu-Castellani), les pratiques étymologiques de Blaise de Vigenère (Paul-Victor Desarbres) et son Traicté des chiffres (Jean-Raymond Fanlo) avant de s’intéresser à l’alphabet des pensées de Leibniz (Curzio Chiesa).

La troisième partie du recueil – « Langues hybrides ou hyperlangues ? » – propose des études sur le franco-italien médiéval (Peter Wunderli), l’allemand tel qu’on l’imagine au XVIe siècle (Daniel Ménager) ou l’italien imaginaire (Paolo Albani) tandis que la quatrième, « Éthnographies linguistiques ou la Pentecôte aux Amériques », emmène le lecteur dans les écrits jésuites aux Indes Amériques (Marie-Christine Gomez-Géraud), dans les œuvres de Georg Horn (Daniel Droixhe) et celles de saint Augustin (Maurice Olender).

Les articles réunis sous les titres « La linguistique des vaincus : un orientalisme à l’envers » (cinquième partie) et « Les deux scènes du langage ou la langue sous la langue », proposent de revenir aux origines du langage, mythes linguistiques dans les pays baltiques aux XVIe et XVIIe siècles (Pietro U. Dini), « Nouveau paradigme » (Patrick Seriot) et « mythe de la langue-mère » (Sylvain Auroux) avant d’étudier des langues et littératures moins connues des lecteurs européens : le théâtre sanskrit classique (Charles Malamoud), ou encore la phonétique antique (sanskrit, grec et latin) (Daniel Heller-Roazen). Cette sixième partie se termine par un article de Gilles Siouffi analysant l’imaginaire du discours grammatical à l’âge classique.

Les quatre dernières parties de l’ouvrage quittent le domaine de la linguistique. La septième analyse les « Incarnation(s) de la langue et [les] modernes diglossies ». Les auteurs y étudient les liens entre médecine et langage au XIXe siècle (Gabriel Bergounioux), ou encore ceux que la littérature entretient avec le sens du toucher (Jean-Claude Mathieu). Deux articles donnent à lire une réflexion sur le langage chez Artaud (Natacha Allet) et Michaux (Vincent Capt),  La septième partie de l’ouvrage est consacrée à Valère Novarina, poète et dramaturge ayant clos le colloque de 2008 par une lecture publique de ses textes, à qui les auteurs ont voulu rendre hommage (Patrick Suter, Marco Baschera) tandis que la huitième s’intéresse aux « Fantasmagories sonores. La musicienne du silence ». Les deux articles proposés visent à montrer que la musique est par essence un langage sensible et intelligible et analysent le lien entre musique et représentation au XVIIe siècle (Laurence Wuidar) avant d’étudier l’esthétique du « stylus fantasticus » dans la musique baroque (Brenno Boccadoro).

Enfin, la dixième et dernière partie, intitulée « Bouts de langues et bouts de peuples. Utopies et uglossies. Pour une conclusion imaginaire en mode de fiction voyageuse » est rédigée par Olivier Pot qui propose une conclusion générale de ces articles si variés en réfléchissant sur le couple « langage / voyage », des œuvres de Rabelais à Michaux en passant par celles de Dante et Beckett, et qui justifie ce parcours en écrivant, entre bien d’autres affirmations, que « les observations sur la langue tiennent prioritairement lieu d’observatoire de l’imaginaire ».

Rebecca Legrand.

Daniel MAIRA, Renaissance romantique. Mises en fiction du XVIe siècle (1814-1848)

Daniel MAIRA, Renaissance romantique. Mises en fiction du xvie siècle (1814-1848),Genève, Droz, coll. « Histoire des idées et critiquelittéraire », n° 492, 2018, 648 p., 49 €.

 Bien avant la publication du tome VII de l’Histoire de France deMichelet consacré à la Renaissance (1855) puis de Die Kultur derRenaissance in Italien de Jacob Burckhardt (1860), le xixe siècle s’est passionnépour la Renaissance française et l’a mise en fiction. Sous la Restauration etla Monarchie de Juillet, écrivains et historiens fabriquent une Renaissance imaginaire,reflétant leurs valeurs et leurs idéaux. À travers un imposant corpuscomprenant des pièces de théâtre, des textes narratifs, des poèmes, des opéraset des drames lyriques, mais aussi des essais historiques issus de toutes lessensibilités politiques, Daniel Maira propose une vision globale de cette« Renaissance romantique ». La première partie de l’ouvrage (« Lafabrique romantique des temps modernes ») s’intéresse aux différentespériodisations de la Renaissance et à leurs mises en intrigue. La deuxièmepartie (« Légitimer le pouvoir : instrumentalisations idéologiquesdes guerres de religion ») aborde la légende du « bon Henri » etla mise en fiction des guerres de religion. La troisième partie (« Desrévoltes et des libertés ») s’attache à l’image d’une Renaissance transgressive et révolutionnaire.

Nicolas Le Cadet.

Estelle Lingo, Mochi’s Edge and Bernini’s Baroque

Estelle Lingo, Mochi’s Edge and Bernini’s Baroque, 328 p., 6 ill. n/B+244 ill., couleur, Turnhout, Brepols, 2017.

Spécialiste de sculpture du XVIe et du XVIIe siècle, Estelle Lingo étudie dans ce livre l’œuvre du sculpteur toscan Francesco Mochi (1580-1654) considéré comme l’un des précurseurs du Baroque et, avec le Bernin, l’un des plus grands sculpteurs italiens du début du XVIIe siècle. C’est justement cette réputation qu’Estelle Lingo examine en resituant les sculptures de Mochi dans leur contexte artistique et culturel. Cet élève de Giambologna voulait avant tout s’inscrire dans la manière florentine et poursuivre la quête formelle de Michel-Ange. Les temps avaient pourtant changé. En raison du nouveau climat religieux post-tridentin et de la consolidation du pouvoir absolutiste, la sculpture fut chargée d’enjeux expressifs différents. Dans ce contexte mouvant, Mochi tenta de concilier le michélangelisme avec ces nouveaux impératifs. En résulte une extrême tension dans ses œuvres dont Estelle Lingo offre une interprétation nouvelle fondée sur une solide recherche historique et sur l’analyse attentive des suggestions diverses, aussi bien florentines que romaines, qui façonnèrent les sculptures de Mochi. Un bel exemple est offert par la célèbre Sainte Véronique de Saint-Pierre au Vatican. Tout en suivant la tradition iconographique, Mochi dynamise la posture de la sainte qui semble faire irruption dans l’espace du spectateur en s’élançant de sa niche. Estelle Lingo souligne à juste titre la dette de l’artiste à l’égard de figure florentine de la « Nimpha », étudiée par Warburg, et met en évidence les affinités entre la statue et les figures de Botticelli et Ghirlandaio, que le sculpteur avait pu admirer à Florence, ainsi que celles de Salviati,  de Jacopino del Conte et d’Ammannati qu’il avait vues à Rome et à Pise. Estelle Lingo tisse ainsi l’ample réseau des suggestions qui ont contribué à la genèse de cette statue et des autres sculptures de Mochi avec un véritable esprit de détective perceptible tout au long de ce livre.

Luisa Capodieci.

Rubens and the Human Body

Rubens and the Human Body, C. van Wyhe (ed.),  366 p., 3 ill. n/b + 166 ill couleur, Turnhout, Brepols, 2018.

Rubens est l’un des peintres les plus sensuels du XVIIe siècle et le corps humain, notamment féminin, occupe une place essentielle dans ses œuvres. Ses beautés charnelles, qui ne sont pas dépourvues d’une audacieuse insolence, ont marqué les esprits avec leur carnation nacrée et leurs chairs pleines et quelque peu étouffantes. Les études réunies dans ce volume se démarquent par l’originalité des thématiques abordées. Treize spécialistes mènent une enquête approfondie sur le statut du corps dans l’œuvre du peintre, sur ses modèles et ses enjeux esthétiques, rhétoriques, théoriques par rapport à la « culture du corps » de son époque dans une perspective médicale, philosophique ou littéraire.

Cordula van Wyhe, Introduction. Getting under the Skin of the Imaged Body ; Andreas Thielemann, Stone to Flesh: Rubens’s Treatise De imitatione statuarum; Jørgen Wadum and Anne Haack Christensen, Painting human flesh: Theory compared to Jacob Jordaens’ practice ; Joost Vander Auwera, Size Matters! On the importance and significance of life-size figures in Rubens’ paintings ; Suzanne J. Walker, Rubens’s Victims. Images of the Assaulted Male Body ; Margit Thøfner, Milky Bosoms. Rubens, Breasts and Maternity ; Karolien de Clippel, Vibrant Veils and Daring Draperies. On Rubens’ clothing of nymphs and goddesses ; Jacques Bos, Rubens and early modern psychology ; Lucy Davis, ‘On feet made unsteady by age and wine’: Rubens’ Silenus and Human Aging ; Katerina Georgoulia, Rubens and Early Modern Dietary Science ; Elizabeth McGrath, Black Bodies and Dionysiac Revels: Rubens’ Bacchic  Ethiopians ; Irene Schaudies, ‘Boistrous druncken headed imaginary gods’: Bacchic bodies of Rubens and Jordaens ; Joanna Wooddall, Afterword.

Luisa Capodieci.

Rogier van der Weyden y España

Rogier van der Weyden y España,L. Campbell, J. J. Perez Preciado (eds.), 200 p., 100 ill. n/b + 36 ill.couleur (Museo Nacional del Prado, 2016), Turnhout, Brepols, 2017.

L’un des artistes les plus célèbres du XVe siècle flamand est le protagoniste de ce volume qui réunit les études présentées lors du colloque organisé à l’occasion de l’exposition Rogier van der Weyden y España présentée au Prado en 2015. Dix-huit spécialistes examinent l’œuvre du maître en Espagne en prenant en compte, d’une part, le processus créatif, la commande, la réception et l’influence. D’autre part, les problèmes techniques posés par les restaurations de œuvres de l’artiste conservées au Prado comme la Descente de Croix et le Calvaire.

Lorne Campbell, The Late Style of Rogier van der Weyden ;Francisco de Paula Cañas Gálvez, Juan II de Castilla y el Tríptico de Miraflores: marco espiritual, proyección política y propaganda regia en torno a una donación real (1445) ;Stephan Kemperdick, The Miraflores Triptych and the Issue of Rogier van der Weyden’s “authenticated” Paintings ; David Chao Castro, Egas Cueman en Castilla y el desarrollo de la tipología sepulcral con imagen orante ;Griet Steyaert, “A Deposition including two Men on two Ladders”, Carel van Mander’s Description of Rogier’s Deposition and the Deposition by the Master of the Legend of Saint Catherine ;Bart Fransen, One Altarpiece, one Way: From Brussels to Laredo ;Yao Fen-You, Another Piece of the Rogerian Puzzle: Recent Findings on the Arenberg Lamentation ; Catherine Reynolds, Evolution or Derivation: The Prado Descent from the Cross and the lost Carrying of Christ’s Body to the Tomb ; José Juan Pérez Preciado, En torno al Tríptico de la Redención del Museo del Prado ; Lisa Monnas, Textiles in the Paintings of Rogier van der Weyden ;Maite Jover, Laura Alba, Maria Dolores Gayo, Maistros viajerosm obras importadas. Las tablas del Maestro de Sopretán ;Laura Alba, El Descendimiento de Rogier Van der Weyden. Aspectos técnicos de sus copias más fieles ;Maria Antonia López de Asiaín, La restauración de La Crucifixión del Maestro de la Leyenda de santa Catalina en el Prado ;Maria Dolores Gayo, Maite Jover de Celis, El Calvario de Rogier van der Weyden: los materiales del soporte y de la pintura ;Loreto Arranz Gozalo, La restauración de la capa pictórica del Calvario de Rogier van der Weyden ;José de la Fuente, La restauración del soporte  del Calvario de Rogier van der Weyden.

Luisa Capodieci.