Archives de catégorie : Livres reçus

Vices de style et défauts esthétiques XVIe-XVIIIe siècle

Vices de style et défauts esthétiques XVIe-XVIIIe siècle, sous la direction de Carine Barbafieri et Jean-Yves Vialleton, Paris, Classiques Garnier, 2017, 605 pages.

Sontici réunis les actes du colloque « Vices de style et défauts esthétiques.XVIe– XVIIIe siècle » organisé du 5 au 7 juin 2014 àl’université Paris-Sorbonne en collaboration avec l’université Grenoble-Alpes, l’université de Valenciennes et du Hainaut-Cambrésis et l’Institut universitaire de France. Après une introduction, proposée par les organisateursdu colloque, Carine Barbafieri et Jean-Yves Vialleton, l’ouvrage regroupetrente-quatre contributions réparties en cinq ensembles, « Rhétorique vs esthétique », « fautes de goût », « classicisme et esthétique nationale », « esthétique(s) du laid »,« Désordre, folie et grandeur ». La démarche est originale,  qui consiste à interroger et tenter de définir l’esthétique classique par la négative, non plus à partir de ce qui la fonde(ses règles, ses principes), mais en examinant ce qu’elle condamne. Mise en lumière, cette dialectique du bon et du mauvais goût (« le goût n’existe qu’en se doublant d’un dégoût », lit-on dans l’introduction, p. 7 etMichel Jeanneret analyse comme un mécanisme la « nécessité organique du laid, du grotesque, du malséant », p 432), porte des fruits copieux et variés : l’approche est très riche car elle se déploie sur un large empan chronologique (depuis l’Antiquité dans laquelle la doctrine classique puise ses racines jusqu’aux Lumières qui la remettent en question) et engage une réflexion à la fois philosophique, esthétique, littéraire et rhétorique. Le champ d’investigation n’est pas limité à la seule littérature (qui occupe toutefois la plus large part, dans desgenres très variés, poésie, écrits polémiques, tragédie, comédie, genre épistolaire, énigme, idylles héroïques, essais, sermons, et d’autres, auxquels il faut ajouter la traduction), il concerne également la musique, l’art culinaire, la peinture ou la performance théâtrale. Le bouquet d’articles ici proposé offre une interrogation stimulante sur le goût et ses perceptions (quand y a-t-il « faute de goût » ?), sur les vices et défauts de style qui occupent, comme cela est rappelé en introduction, une place importante dans les traités de rhétorique ; parmi les défauts ou vices examinés, la froideur, la langueur, l’ingéniosité, le bouffi, le décousu, le galimatias, le rude, les grossièretés ou encore les bouffonneries. D’être ainsi examinée en creux, à travers le jeu des auteurs avec les règles et les codes du style et du goût, la question du classicisme gagne en dynamisme.

Pierre Chiron, « Echec éthique, échec esthétique selon la théorie grecque des caractères (Ps.-Démétrios de Phalère) ou de sformes (Hermogène) du style » ; Giovanni Lombardo, « Le manque de goût et les grâces effrayantes dans la rhétorique ancienne » ; Charles Guérin, « Regula incerta. Les déclamateurs impériaux et la critique du défaut stylistique chez Sénèque lePère » ; Gilles Siouffi, « Le problème du « froid » au XVIIe siècle. Sentiment terminologique, sentiment stylistique et sentiment linguistique » ; Delphine Denis, « Les grâces languissantes du style » ; Carole Talon-Hugon, « Pourquoi le goût ? Généalogie d’un concept moderne » ; Baldine Saint Girons, « Du mauvais goût comme risque du sublime » ; Florent Quellier, « Barbarismes et gueuseries.  Faute de goût et codification de l’art de la bonne chère dans la France du XVIIe siècle » ; Anne-Pascale Pouey-Mounou, « L’épithète est-elle un vilain défaut ? Les superfluités du style dans quelques caricatures de la poésie du XVIe siècle » ; Cécile Lignereux, « Les mises en garde des manuels d’art épistolaire contre les fautes de goût » ; François-Ronan Dubois, « Beautés et défauts de Voiture. La Défense des ouvrages de Monsieur de Voiture de Pierre Costar » ; Elsa Veret-Basty,« ‘Fuyez comme un écueil le style énigmatique !’ Les vices de l’ingéniosité » ; Lucie Desjardins, « Bonnes et mauvaises larmes. De l’art de pleurer » ;  Catherine Ébert-Zeminovà,« Phénoménologie du défectueux selon le Père Bouhours. Avoir du goût, c’est ne point en avoir » ; Benjamin Bouchard, « Idylles héroïques italiennes et françaises au début du XVIIesiècle » ; Záviš Suman, « La Mesnardière contre Castelvetro. Polémique sur les mœurs du personnage tragique » ; Suzanne Duval,« Traduire les fictions « estrangères » en France à l’âge baroque. Un vice « desguisé » » ; Sandra Costa, « Goût et mauvais goût des collectionneurs d’art en Italie au XVIIe siècle » ; Sophie Hache, « Musique française vs musique italienne. Bon et mauvais goût d’après le Discours sur la musique d’Eglise (1706) de Lecerf de la Viéville » ; ChristelleBahier-Porte « « Quel jargon recherché ! » : Antoine Houdar de La Motte corrupteur du goût ? » ; Marek Očenáš, «Faute de goût et jugement esthétique selon l’abbé Dubos » ; Ouafae ElMansouri, « La défense du modèle tragique français dans la critique de L’Année littéraire (1770-1789) » ; HughRoberts, « Capitaine Galimatias, homme obscur, et né de la lie dupeuple » (Furetière). Le galimatias vice de style et genre littéraire  (fin XVIe-première moitié du XVIIe siècle) ;Jean-Marc Civardi, « Cartographie du galimatias au XVIIesiècle » ; Audrey Gilles-Chikhaoui, « Grossièretés de Marc Papillon de Lasphrise » ; Dominique Chaigne, « Les sonnets satiriques et burlesques au XVIIe siècle : « un miroir de vices et de difformités » » ; Michel Jeanneret, « Avatars du bouffon » ; Françoise Rubellin, « Marivaux et le mauvais goût : L’Homère travesti » ; Violaine Géraud, « De la faute de goût au trait d’esprit à l’aube des Lumières » ; Jean-Eudes Girot,« Du goût et de la faute de goût comme connaissance de soi chez Montaigne » ; Christiane Deloince-Louette, « Archéologie du rude. Les enjeux esthétiques et éthiques de la critique d’Homère par Scaliger » ; Christabelle Thouin-Dieuaide, « De quelques sermons protestants français au début du XVIIe siècle. « Herbes amères »contre « style bouffi » » ; Christine Noille, « « De tant d’objets divers le bizarre assemblage… ». Rhétorique desdispositifs décousus » ; Sabine Chaouche, « L’acteur de mauvais goût, acteur des avant‑gardes scéniques ? ».

Marie-Claire Thomine.

Miroirs de Charles IX. Images, imaginaires, symbolique.

Miroirs de Charles IX. Images, imaginaires, symbolique, sous la direction de Luisa Capodieci, Estelle Leutrat, Rebecca Zorach, Genève, Droz, Travaux d’Humanisme et Renaissance n° DLXXXIV, 2018, 284 p., 73 ill. n/b.

Le volume réunit les actes d’un colloque international organisé en 2011 par l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne et l’Université Rennes 2 en collaboration avec l’Université de Chicago et le Centre Allemand d’Histoire de l’Art de Paris. Dans une démarche qui s’inspire de celle d’Anne-Marie Lecoq, dans son François Ier imaginaire. Symbolique et politique à l’aube de la Renaissance française (Paris, Macula, 1987), l’ouvrage s’intéresse à une figure de souverain qui n’avait pas bénéficié jusqu’alors d’une telle approche pluridisciplinaire ; sont interrogées ici les images – littéraires et artistiques – que les contemporains de Charles IX, partisans ou ennemis, membres ou non du cercle intime, ont façonnées de lui (bien éloignées de celles qu’ont construites les siècles suivants, forgeant un imaginaire collectif que les lecteurs d’aujourd’hui ont souvent à l’esprit). Dix-huit auteurs (littéraires, historiens, historiens d’art, musicologues) étudient les multiples représentations, réelles, symboliques, allégoriques, imaginaires du jeune roi (il meurt en 1574, à l’âge de 24 ans), qui se sont développées pendant son règne, images dont certaines seulement sont contrôlées et officielles, fabriquant sa gloire. Cette rencontre entre les arts (poésie, écrits polémiques, peinture, dessin, architecture, musique, médailles, estampes) fait la richesse d’un volume qui renouvelle et approfondit la figure de Charles IX, dont l’image royale est un « miroir magique aux multiples visages ».

Luisa Capodieci, Estelle Leutrat, « Introduction. Charles IX dans le prisme royal » ; Henri Zerner, « Métamorphoses d’un enfant roi » ; Bruno Petey-Girard, « Le roi de France et les Lettres : quels modèles pour Charles IX », Gaylord Brouhot, « Corps paré et parure du pouvoir dans un portrait de Charles IX avec la famille royale » ; Jean-Eudes Girot, « L’ »autheur » et l’escrivain » : Charles IX dans l’oeuvre de Ronsard » ; Valérie Auclair, « Mises à jour et obsolescence d’un programme iconographique. Charles IX ultime destinataire de l’Histoire françoyse de nostre temps de Nicolas Houel » ; Nicole Bensoussan, « Les médailles officielles au temps de Charles IX » ; Yves Pauwels, « L’architecture et ses représentations : miroirs de Charles IX ? » ; Hugues Daussy, « De Josias à Hérode : l’image de Charles IX dans la littérature réformée » ; John Nassichuk, « L’Image de Charles IX dans l’oeuvre d’Arnaud Sorbin de Saincte-Foy » ; Ariane Boltanski, « Charles IX ou le glaive contre l’hérésie. Les représentations du militantisme catholique à la fin des années 1560 et au début des années 1570 » ; Vanessa Selbach, « Le Pourtrait des enfans jumeaux envoyés au Roy. Prodiges de la nature et luttes confessionnelles au moment de la Paix de Saint-Germain (1570) » ; Jean Vignes, « Images de Charles IX dans la poésie de Jean-Antoine de Baïf (1532-1589) » ; Isabelle His, « Charles IX et la musique » ; Patrica Zalamea, « Charles IX et la tradition cynégétique dans les livres de vénerie et leurs paratextes » ; Sigrid Ruby, « Charles IX : un chasseur d’amour ? » ; Rebecca Zorach, « Conclusion. Au-delà des deux corps du roi ».

Marie-Claire Thomine.

From Art to Science. Experiencing Nature in the European Garden 1500-1700

From Art to Science. Experiencing Nature in the European Garden 1500-1700, edited by Juliette Ferdinand, Treviso, ZeL Edizioni, 2016, 127 p.

Cet ouvrage de belle facture (notamment par les illustrations qui viennent étayer le propos) s’ouvre sur une introduction de Juliette Ferdinand (« In the ‘Hortus universalis’ : science, technique, and delight in gardens », p. 8-17) et comporte six études de spécialistes qui examinent la rencontre et l’émulation entre l’art et la science dans le contexte semi-naturel des jardins (le terme de « jardin » renvoyant au XVIe siècle, comme le note l’éditrice, tout aussi bien à la nature sauvage qu’à la nature ordonnée).

Florike Egmond (« The garden of nature : visualizing botanical research in Northern and Southern Europe in the 16th century », p. 18-33) met en rapport l’horticulture du XVIe siècle et l’approche visuelle des plantes et de quelques animaux dans l’Italie du Nord et le Sud des Pays-Bas; s’accentue à cette période une représentation extrêmement réaliste et détaillée de la nature vivante qui devient alors la norme en Europe et s’exprime dans les aquarelles et les dessins, les tapis, les arts décoratifs et la peinture à l’huile.

Luca Ciancio (« The Many Gardens – Real, Symbolic, Visual – of Pietro Andrea Mattioli », p. 34-45) constate le lien entre le développement des jardins à la Renaissance et la renaissance de la botanique comme science de l’observation ; la carrière du botaniste siennois Pietro Andrea Mattioli (1501-1578) illustre la conscience progressive d’une distinction entre deux types de jardins : le jardin botanique dont la fonction est cognitive et thérapeutique, le jardin aristocratique qui a pour but le divertissement et la représentation sociale.

Alette Fleischer (« Hydraulics in Horto : levelling between water and power in seventeenth-century gardens in France and Holland », p. 46-61) analyse la compétition, pour la conception d’un instrument de nivellement automatique capable de mesurer l’élévation de terrains, entre deux ingénieurs hollandais, le mathématicien Christian Huygens (1629-1695), au service du roi Louis XIV, et Willem Meester (1653-1701), ingénieur hydraulicien du prince hollandais Willem III.

Sara Taglialagamba (« Facciasi fonti in ciascuna piazza. Congegni idraulici e fontane di Leonardo per I committenti francese », p. 62-77) étudie les divers projets hydrauliques (fontaines, instruments de musique, systèmes pneumatiques et hydrauliques) imaginés par Léonard de Vinci pour le roi Louis XII et pour Charles d’Amboise, seigneur de Chaumont, maréchal de France et gouverneur de Milan.

Michael Simonsen (« Geometry and botany artistically united at Wollaton Hall at the end of the 16th century », p. 78-91) analyse le développement des jardins en Angleterre à la Renaissance à partir de l’exemple de Wollaton Hall, construit entre 1580 et 1588 à Nottingham, unique exemple d’une demeure élizabéthaine à la campagne. Il examine l’évolution du jardin dans ses différentes phases, depuis l’arrangement géométrique et artistique initial des plantations (sous la houlette de Francis Willoughby) vers un lieu destiné à l’observation des plantes et des oiseaux à l’époque de son arrière-petit-fils, Francis Willughby (1635-1672).

Juliette Ferdinand (« Placere et docere : le jardin minéral de Bernard Palissy », p. 92-109) étudie le projet de jardin minéral que Bernard Palissy expose dans la Recepte véritable publiée en 1563 à La Rochelle ; elle montre à partir de cet exemple comment « la pensée de philosophe naturel de Palissy trouve son fondement dans sa pratique artistique ».

L’ouvrage est pourvu de deux index, « Index of Names ands Works », « Index of Places ».

Marie-Claire Thomine.

Quentin SKINNER, Visions politiques. Volume 1 : Sur la méthode

Quentin SKINNER, Visions politiques. Volume 1 : Sur la méthode, traduit de l’anglais par Christopher Hamel, collection « Titre courant » n° 65, Genève, Droz, 2018, 273 pages.

            Traduction d’un ouvrage paru à Cambridge en 2002, Visions politiques est un recueil d’articles déjà publiés, nouvellement révisés. En trois volumes, dont celui-ci est le premier, l’auteur propose de comparer la vision politique faisant de la souveraineté la propriété du peuple à celle qui en fait la propriété de l’état. Dans ce premier volume, « sur la méthode », Quentin Skinner défend l’idée selon laquelle les différentes transformations conceptuelles que l’historien des idées peut espérer identifier ne sont pas des changements de concepts mais des changements dans l’usage des termes avec lesquels nous exprimons ces concepts. C’est pourquoi il étudie et remet en question l’exclusivité de la méthode empirique comme source des connaissances, puis analyse la théorie post-empirique en montrant que l’approche qui consiste à rassembler tous les faits pour en faire le récit est également intenable pour les historiens des idées.

            Au fil des dix chapitres de l’ouvrage, Quentin Skinner analyse la méthode de l’historien des idées, s’appuyant sur des exemples issus de textes du XVIe siècle (Machiavel, Bodin…). Il commence ainsi par analyser la philosophie de Sir Geoffrey Elton (auteur de The Practice of History, 1967) et remet en question la méthode que ce dernier propose aux « apprentis » historiens avant de montrer que l’approche qui consiste à s’appuyer sur la vérité de nos connaissances est également erronée : le concept de vérité n’est pas pertinent pour l’entreprise qui vise à explorer les croyances. Dans le chapitre V, Quentin Skinner discrédite l’affirmation selon laquelle la tâche de l’historien est d’étudier et d’interpréter un canon de textes classiques, puis, dans les chapitres suivants, il s’attache à l’étude de la signification des textes, qu’il distingue des intentions de l’auteur, lesquelles doivent être étudiées seulement après l’étude du sens. Quentin Skinner s’appuie sur les travaux de L. Wittgenstein et J. L. Austin pour étayer sa thèse.

            Les trois derniers chapitres sont consacrés respectivement à la signification sociale, à l’idée d’un « lexique culturel » – l’auteur s’y attache à étudier le lien entre l’étude du vocabulaire que nous utilisons pour décrire et évaluer et l’interprétation des textes –, et enfin à la rhétorique et au changement conceptuel. Dans un dernier chapitre également conclusif, l’auteur affine les idées précédentes et répond à ses critiques. 

Rebecca Legrand.

The Ark of studies, Thomas Harrison

The Ark of studies, Thomas Harrison, éd. Alberto Cevolini, De Diversis Artibus, tome 102, Brepols, 2017, 142 pages.

L’auteur propose une édition critique et une traduction en anglais de l’ouvrage Arca Studiorum, rédigé en latin par Thomas Harrison et édité par Vincent Placcius en 1689 dans l’ouvrage De arte excerpendi. Vom gelehrten Bucchalten liber singularis (Holmiae / Hamburgi : Apud Gottfried Liebezeit, 1689). Cette édition critique débute par une introduction détaillée présentant Thomas Harrison, son ouvrage et son projet, l’ark of studies, une machine permettant de recopier et de classer les passages les plus intéressants des livres lus. Selon Alberto Cevolini, le classement mécanique des citations par thème et par ordre alphabétique en fait une invention surprenante et essentielle au XVIIe siècle. L’objectif de l’édition critique de Cevolini est, d’une part, de faire connaître Thomas Harrison, né à Londres dans une famille de marchand en 1595, diplômé en théologie puis arrêté au motif qu’il aurait corrompu la cour, et enfin, inventeur de l’ark of studies (1640) développé avec l’aide financière de Samuel Hatlib ; puis, dans un second temps, de démontrer l’importance de cette invention dans l’histoire du XVIIe siècle. Pour ce faire, Cevolini propose au lecteur une histoire de la tradition scolastique et des moyens à la disposition des exégètes souhaitant conserver des notes, de l’Antiquité au XVIIe siècle. Si la machine de Thomas Harrison est si importante, c’est aussi parce que la naissance de l’imprimerie a bouleversé les habitudes des lecteurs : ces derniers ne sont pas préparés à annoter et critiquer l’énorme masse de littérature qui devient soudainement accessible à un plus grand nombre. Comment donc garder en mémoire ces ouvrages essentiels ?

L’ouvrage de Thomas Harrison est ensuite donné à lire au lecteur dans la version originale en latin et dans la traduction anglaise qui se trouve en regard. Cette édition s’appuie sur les trois manuscrits de Thomas Harrison qui existent encore, à Londres et Hambourg.

Rebecca Legrand.

Langues imaginaires et imaginaire de la langue

Langues imaginaires et imaginaire de la langue, études réunies par Olivier Pot, Cahiers d’Humanisme et Renaissance n° 148, Genève, Droz, 2018, 840 pages.

  

Langues imaginaires et imaginaires de la langue, recueil des actes d’un colloque tenu à l’Université de Genève en 2008, est le prolongement d’un précédent volume consacré à la question des langages. Les vingt-six études réunies placées sous le signe de l’historiographie linguistique et de la diversité – du sanskrit aux langues imaginaires –, ainsi que sous celui du voyage – aussi bien spatial que temporel –, visent à montrer que « tout locuteur est un barbare au regard de son propre idiome ».

La première partie du recueil, « Sous le signe de l’Utopia de Thomas More : Pour un anniversaire des langues imaginaires (1517-2017) », s’intéresse au paratexte de l’Utopie, cherchant à placer dans le récit l’existence réelle de l’île et de sa langue (Pierre Swiggers).

La deuxième partie, intitulée « Des chiffres et des lettres : de la cryptographie à la langue universelle » étudie d’abord le mythe de la langue originelle chez Claude Duret (Gisèle Mathieu-Castellani), les pratiques étymologiques de Blaise de Vigenère (Paul-Victor Desarbres) et son Traicté des chiffres (Jean-Raymond Fanlo) avant de s’intéresser à l’alphabet des pensées de Leibniz (Curzio Chiesa).

La troisième partie du recueil – « Langues hybrides ou hyperlangues ? » – propose des études sur le franco-italien médiéval (Peter Wunderli), l’allemand tel qu’on l’imagine au XVIe siècle (Daniel Ménager) ou l’italien imaginaire (Paolo Albani) tandis que la quatrième, « Éthnographies linguistiques ou la Pentecôte aux Amériques », emmène le lecteur dans les écrits jésuites aux Indes Amériques (Marie-Christine Gomez-Géraud), dans les œuvres de Georg Horn (Daniel Droixhe) et celles de saint Augustin (Maurice Olender).

Les articles réunis sous les titres « La linguistique des vaincus : un orientalisme à l’envers » (cinquième partie) et « Les deux scènes du langage ou la langue sous la langue », proposent de revenir aux origines du langage, mythes linguistiques dans les pays baltiques aux XVIe et XVIIe siècles (Pietro U. Dini), « Nouveau paradigme » (Patrick Seriot) et « mythe de la langue-mère » (Sylvain Auroux) avant d’étudier des langues et littératures moins connues des lecteurs européens : le théâtre sanskrit classique (Charles Malamoud), ou encore la phonétique antique (sanskrit, grec et latin) (Daniel Heller-Roazen). Cette sixième partie se termine par un article de Gilles Siouffi analysant l’imaginaire du discours grammatical à l’âge classique.

Les quatre dernières parties de l’ouvrage quittent le domaine de la linguistique. La septième analyse les « Incarnation(s) de la langue et [les] modernes diglossies ». Les auteurs y étudient les liens entre médecine et langage au XIXe siècle (Gabriel Bergounioux), ou encore ceux que la littérature entretient avec le sens du toucher (Jean-Claude Mathieu). Deux articles donnent à lire une réflexion sur le langage chez Artaud (Natacha Allet) et Michaux (Vincent Capt),  La septième partie de l’ouvrage est consacrée à Valère Novarina, poète et dramaturge ayant clos le colloque de 2008 par une lecture publique de ses textes, à qui les auteurs ont voulu rendre hommage (Patrick Suter, Marco Baschera) tandis que la huitième s’intéresse aux « Fantasmagories sonores. La musicienne du silence ». Les deux articles proposés visent à montrer que la musique est par essence un langage sensible et intelligible et analysent le lien entre musique et représentation au XVIIe siècle (Laurence Wuidar) avant d’étudier l’esthétique du « stylus fantasticus » dans la musique baroque (Brenno Boccadoro).

Enfin, la dixième et dernière partie, intitulée « Bouts de langues et bouts de peuples. Utopies et uglossies. Pour une conclusion imaginaire en mode de fiction voyageuse » est rédigée par Olivier Pot qui propose une conclusion générale de ces articles si variés en réfléchissant sur le couple « langage / voyage », des œuvres de Rabelais à Michaux en passant par celles de Dante et Beckett, et qui justifie ce parcours en écrivant, entre bien d’autres affirmations, que « les observations sur la langue tiennent prioritairement lieu d’observatoire de l’imaginaire ».

Rebecca Legrand.

Daniel MAIRA, Renaissance romantique. Mises en fiction du XVIe siècle (1814-1848)

Daniel MAIRA, Renaissance romantique. Mises en fiction du xvie siècle (1814-1848),Genève, Droz, coll. « Histoire des idées et critiquelittéraire », n° 492, 2018, 648 p., 49 €.

 Bien avant la publication du tome VII de l’Histoire de France deMichelet consacré à la Renaissance (1855) puis de Die Kultur derRenaissance in Italien de Jacob Burckhardt (1860), le xixe siècle s’est passionnépour la Renaissance française et l’a mise en fiction. Sous la Restauration etla Monarchie de Juillet, écrivains et historiens fabriquent une Renaissance imaginaire,reflétant leurs valeurs et leurs idéaux. À travers un imposant corpuscomprenant des pièces de théâtre, des textes narratifs, des poèmes, des opéraset des drames lyriques, mais aussi des essais historiques issus de toutes lessensibilités politiques, Daniel Maira propose une vision globale de cette« Renaissance romantique ». La première partie de l’ouvrage (« Lafabrique romantique des temps modernes ») s’intéresse aux différentespériodisations de la Renaissance et à leurs mises en intrigue. La deuxièmepartie (« Légitimer le pouvoir : instrumentalisations idéologiquesdes guerres de religion ») aborde la légende du « bon Henri » etla mise en fiction des guerres de religion. La troisième partie (« Desrévoltes et des libertés ») s’attache à l’image d’une Renaissance transgressive et révolutionnaire.

Nicolas Le Cadet.

Estelle Lingo, Mochi’s Edge and Bernini’s Baroque

Estelle Lingo, Mochi’s Edge and Bernini’s Baroque, 328 p., 6 ill. n/B+244 ill., couleur, Turnhout, Brepols, 2017.

Spécialiste de sculpture du XVIe et du XVIIe siècle, Estelle Lingo étudie dans ce livre l’œuvre du sculpteur toscan Francesco Mochi (1580-1654) considéré comme l’un des précurseurs du Baroque et, avec le Bernin, l’un des plus grands sculpteurs italiens du début du XVIIe siècle. C’est justement cette réputation qu’Estelle Lingo examine en resituant les sculptures de Mochi dans leur contexte artistique et culturel. Cet élève de Giambologna voulait avant tout s’inscrire dans la manière florentine et poursuivre la quête formelle de Michel-Ange. Les temps avaient pourtant changé. En raison du nouveau climat religieux post-tridentin et de la consolidation du pouvoir absolutiste, la sculpture fut chargée d’enjeux expressifs différents. Dans ce contexte mouvant, Mochi tenta de concilier le michélangelisme avec ces nouveaux impératifs. En résulte une extrême tension dans ses œuvres dont Estelle Lingo offre une interprétation nouvelle fondée sur une solide recherche historique et sur l’analyse attentive des suggestions diverses, aussi bien florentines que romaines, qui façonnèrent les sculptures de Mochi. Un bel exemple est offert par la célèbre Sainte Véronique de Saint-Pierre au Vatican. Tout en suivant la tradition iconographique, Mochi dynamise la posture de la sainte qui semble faire irruption dans l’espace du spectateur en s’élançant de sa niche. Estelle Lingo souligne à juste titre la dette de l’artiste à l’égard de figure florentine de la « Nimpha », étudiée par Warburg, et met en évidence les affinités entre la statue et les figures de Botticelli et Ghirlandaio, que le sculpteur avait pu admirer à Florence, ainsi que celles de Salviati,  de Jacopino del Conte et d’Ammannati qu’il avait vues à Rome et à Pise. Estelle Lingo tisse ainsi l’ample réseau des suggestions qui ont contribué à la genèse de cette statue et des autres sculptures de Mochi avec un véritable esprit de détective perceptible tout au long de ce livre.

Luisa Capodieci.

Rubens and the Human Body

Rubens and the Human Body, C. van Wyhe (ed.),  366 p., 3 ill. n/b + 166 ill couleur, Turnhout, Brepols, 2018.

Rubens est l’un des peintres les plus sensuels du XVIIe siècle et le corps humain, notamment féminin, occupe une place essentielle dans ses œuvres. Ses beautés charnelles, qui ne sont pas dépourvues d’une audacieuse insolence, ont marqué les esprits avec leur carnation nacrée et leurs chairs pleines et quelque peu étouffantes. Les études réunies dans ce volume se démarquent par l’originalité des thématiques abordées. Treize spécialistes mènent une enquête approfondie sur le statut du corps dans l’œuvre du peintre, sur ses modèles et ses enjeux esthétiques, rhétoriques, théoriques par rapport à la « culture du corps » de son époque dans une perspective médicale, philosophique ou littéraire.

Cordula van Wyhe, Introduction. Getting under the Skin of the Imaged Body ; Andreas Thielemann, Stone to Flesh: Rubens’s Treatise De imitatione statuarum; Jørgen Wadum and Anne Haack Christensen, Painting human flesh: Theory compared to Jacob Jordaens’ practice ; Joost Vander Auwera, Size Matters! On the importance and significance of life-size figures in Rubens’ paintings ; Suzanne J. Walker, Rubens’s Victims. Images of the Assaulted Male Body ; Margit Thøfner, Milky Bosoms. Rubens, Breasts and Maternity ; Karolien de Clippel, Vibrant Veils and Daring Draperies. On Rubens’ clothing of nymphs and goddesses ; Jacques Bos, Rubens and early modern psychology ; Lucy Davis, ‘On feet made unsteady by age and wine’: Rubens’ Silenus and Human Aging ; Katerina Georgoulia, Rubens and Early Modern Dietary Science ; Elizabeth McGrath, Black Bodies and Dionysiac Revels: Rubens’ Bacchic  Ethiopians ; Irene Schaudies, ‘Boistrous druncken headed imaginary gods’: Bacchic bodies of Rubens and Jordaens ; Joanna Wooddall, Afterword.

Luisa Capodieci.

Rogier van der Weyden y España

Rogier van der Weyden y España,L. Campbell, J. J. Perez Preciado (eds.), 200 p., 100 ill. n/b + 36 ill.couleur (Museo Nacional del Prado, 2016), Turnhout, Brepols, 2017.

L’un des artistes les plus célèbres du XVe siècle flamand est le protagoniste de ce volume qui réunit les études présentées lors du colloque organisé à l’occasion de l’exposition Rogier van der Weyden y España présentée au Prado en 2015. Dix-huit spécialistes examinent l’œuvre du maître en Espagne en prenant en compte, d’une part, le processus créatif, la commande, la réception et l’influence. D’autre part, les problèmes techniques posés par les restaurations de œuvres de l’artiste conservées au Prado comme la Descente de Croix et le Calvaire.

Lorne Campbell, The Late Style of Rogier van der Weyden ;Francisco de Paula Cañas Gálvez, Juan II de Castilla y el Tríptico de Miraflores: marco espiritual, proyección política y propaganda regia en torno a una donación real (1445) ;Stephan Kemperdick, The Miraflores Triptych and the Issue of Rogier van der Weyden’s “authenticated” Paintings ; David Chao Castro, Egas Cueman en Castilla y el desarrollo de la tipología sepulcral con imagen orante ;Griet Steyaert, « A Deposition including two Men on two Ladders », Carel van Mander’s Description of Rogier’s Deposition and the Deposition by the Master of the Legend of Saint Catherine ;Bart Fransen, One Altarpiece, one Way: From Brussels to Laredo ;Yao Fen-You, Another Piece of the Rogerian Puzzle: Recent Findings on the Arenberg Lamentation ; Catherine Reynolds, Evolution or Derivation: The Prado Descent from the Cross and the lost Carrying of Christ’s Body to the Tomb ; José Juan Pérez Preciado, En torno al Tríptico de la Redención del Museo del Prado ; Lisa Monnas, Textiles in the Paintings of Rogier van der Weyden ;Maite Jover, Laura Alba, Maria Dolores Gayo, Maistros viajerosm obras importadas. Las tablas del Maestro de Sopretán ;Laura Alba, El Descendimiento de Rogier Van der Weyden. Aspectos técnicos de sus copias más fieles ;Maria Antonia López de Asiaín, La restauración de La Crucifixión del Maestro de la Leyenda de santa Catalina en el Prado ;Maria Dolores Gayo, Maite Jover de Celis, El Calvario de Rogier van der Weyden: los materiales del soporte y de la pintura ;Loreto Arranz Gozalo, La restauración de la capa pictórica del Calvario de Rogier van der Weyden ;José de la Fuente, La restauración del soporte  del Calvario de Rogier van der Weyden.

Luisa Capodieci.

Daniele Barbaro 1514-1570. Vénitien, patricien, humaniste

Daniele Barbaro 1514-1570. Vénitien, patricien, humaniste, F. Lemerle, V. Zara, P. Caye, L. Moretti, (eds.), 590 p., 102 ill. n/b + 61 ill. couleur, Turnhout, Brepols, 2017.

Bien que Daniele Barbaro soit moins connu que son oncle Ermolao ou son frère Marcantonio, qui commandita avec lui à Palladio la célèbre Villa Maser, le centenaire de sa naissance en 2014 a été l’occasion de nombreuses activités scientifiques. Après l’exposition Daniele Barbaro 1514-70. Letteratura, scienza e arti nella Venezia del Rinascimento organisée à la Biblioteca Marciana en 2015-2016, qui a offert un bel aperçu de l’activité d’écrivain de Barbaro, le riche ouvrage collectif publié par le CESR de Tours déploie le large éventail de la carrière de l’humaniste vénitien selon une approche pluridisciplinaire. Trente auteurs étudient les multiples facettes du prisme de la personnalité complexe de Barbaro afin de revisiter sa carrière et son influence sur la production artistique du XVIe siècle – dont les portraits de Titien et de Véronèse constituent un témoignage prestigieux – son retentissement  en Europe et ses échos au XVIIe siècle.

Deborah Howard, Daniele Barbaro and Two Ladies named Giulia ; Silvia Scattolin, Vita privata: Il rosion dil re d’Ingiltera di Daniele Barbaro ; Deborah Howard, Barbaro Family Portraits in the Cinquecento: Some Observations ; Tracy E. Cooper, Daniele Barbaro and the Commemoration of a Patriarchal Dynasty ; Ann E. Moyer, Daniele Barbaro and his Dialogue Della eloquenza ; Pierre Caye, Daniele Barbaro ou la veritas græca du De architectura de Vitruve ; Annarita Angelini, Daniele Barbaro: l’architettura come methodus e machina del sapere ; Koji Kuwakino, La varietas in una sylva geometrica che « ricrea la mente stanca dal pensiero delle cose difficili »: Daniele Barbaro e l’Orto botanico di Padova ; Pierre Gros, Forum et basilique dans le Vitruvio de Barbaro ; Frédérique Lemerle,  Barbaro et les Annotationes de Philandrier sur Vitruve ; Manuela Morresi, Fonti bibliche nei Commentari a Vitruvio di Daniele Barbaro ; Antonio Becchi,  I commenti di Daniele Barbaro al Proemio della «terza parte principale dell’Architettura» (1556-1567) ; Werner Oechslin,  „Sciographia“, die vierte Darstellungsform („species dispositionis“): Daniele Barbaro, Andrea Palladio und die Kodifizierung der Architekturzeichnung ; Laura Moretti, Ancora sulla scenographia: i manoscritti preparatori per la parte quarta de La pratica della perspettiva di Daniele Barbaro (1568) ; Margaret M. D’Evelyn, “The most delightful presence of light”: Glimmers of Perspective in Daniele Barbaro’s Manuscript Commentaries on Vitruvius ; Maria Losito, Daniele Barbaro inventore: il De horologis describendis libellus e l’Horario universale nella teoria e nella pratica vitruviana ; Yves Pauwels, Quatre colonnes et un entablement : Palladio et Barbaro à Maser ; Luigi De Poli, Daniele Barbaro: du texte de la Predica aux images de Maser ; Francesco Trentini, Le machinationi etiche di Daniele Barbaro negli affreschi di Veronese a Maser ; Stefano Lorenzetti,  « Quello che è consonanza alle orecchie è bellezza agli occhi ». Figure della musica nel commento a Vitruvio di Daniele Barbaro ; Vasco Zara, « Udire secondo le Idee ». Daniele Barbaro e la musica degli affetti ; Daniel K. S. Walden, Daniele Barbaro, Nicola Vicentino, and Vitruvian Music Theory in Sixteenth-Century Italy ; Daria Perocco, Daniele Barbaro ambasciatore e letterato ; Carlo Alberto Girotto, Les éditeurs de Daniele Barbaro ; Shanti Graheli, Daniele Barbaro e la Repubblica delle Lettere ; Don Giacomo Cardinali, Daniele Barbaro corrispondente del cardinale Guglielmo Sirleto ; Carlo Alberto Girotto, Une lettre de Daniele Barbaro à Charles de Guise (et quelques hypothèses pour la fortune de Barbaro en France) ; Fernando Marías, José Riello,  La fortuna de Daniele Barbaro en la península ibérica ; Frédérique Lemerle, Les Vitruve de Barbaro au XVIIe siècle ; Pierre Caye, Eugène Priadko, Le Barbaro de Vasilij P. Zubov ;   † Vasilij P. Zubov, De la vie et de l’activité scientifique de Daniele Barbaro.

Luisa Capodieci.

Du Bartas (1578), Rosset (1597), Despuech (1633). Trois mises en scène des lieux et des langues

Du Bartas (1578), Rosset (1597), Despuech (1633). Trois mises en scène des lieux et des langues, édition critique par David Fabié et Philippe Gardy, Paris, Classiques Garnier, coll. « Etudes et textes occitans, 2017, ISBN 978-2-406-06666-8 (livre broché), 978-2-406-06667-5 (livre relié), 176 p.

Ce volume rassemble trois textes mettant en scène la confrontation des langues française et occitane, concurrencées également, dans deux d’entre eux, par la latine. Modèle des deux autres, le premier dialogue édité est le poème composé par Du Bartas à l’occasion de l’entrée de la reine de Navarre à Nérac (1578). Trois nymphes, incarnations des langues française, latine et gasconne, s’y disputent l’honneur de saluer la reine, dans un débat qui voit triompher la nymphe gasconne. Le texte est imité par François de Rosset dans son Chant triomphal : là encore, trois nymphes, la française, la latine et la languedocienne, dialoguent pour déterminer laquelle d’entre elles saluera le duc d’Uzès lors de son entrée dans sa ville, en 1597. Le troisième texte, dû à l’auteur occitan Isaac Despuech, dit Le Sage, est également un Dialogue des Nimphes, représenté devant le maréchal de Schomberg lors de son entrée à Montpellier, en 1633. A la différence de ses prédécesseurs, ce débat ne représente pas le latin, mais augmente la place tenue par l’occitan.

L’ensemble est précédé d’une introduction de 27 pages, qui situe les trois textes dans la production de leur auteur : si l’usage de l’occitan est minoritaire dans la production de Du Bartas et de Rosset, il est la langue quasi exclusive de la poésie d’Isaac Despuech. Les éditeurs s’attardent également sur le sens, chez les trois auteurs, de l’usage de l’occitan, langue dont la poéticité est, alors, souvent mise en doute. L’édition critique est rigoureuse, et la traduction des pièces latines et occitanes, élégante et soignée. Chaque texte est précédé d’une courte introduction, qui établit son contexte d’écriture et ses enjeux spécifiques, ainsi que les principes d’édition adoptés. Un glossaire et un index nominum facilitent l’utilisation de l’ouvrage.

Alice Vintenon.

Perceval le Galloys en prose (Paris, 1530), chapitres 26-58

Perceval le Galloys en prose (Paris, 1530), chapitres 26-58, édition critique par Maria Colombo Timelli, Paris, Classiques Garnier, coll. « Textes littéraires du Moyen Age », 2017. ISBN 978-2-406-06435-0 (livre broché) / ISBN 978-2-406-06436-7 (livre relié). ISSN 2108-9825, 316 p.

Le présent volume est le premier d’une série de quatre, dont l’ensemble éditera la compilation intitulée Tresplaisante et recreative hystoire du trespreulx et vaillant chevallier Perceval le Galloys, parue à Paris en 1530. Cette dernière regroupe six textes complétant le Perceval de Chrétien de Troyes : deux prologues, le Conte du Graal et trois continuations, compilées sans marquer le passage de l’une à l’autre. Le présent ouvrage édite les branches I à III de la première continuation, centrée sur les aventures de Gauvain.

Perceval est le dernier des romans de Chrétien de Troyes imprimés à la Renaissance, et l’une des dernières adaptations en prose de roman de chevalerie produites à la Renaissance. Il paraît à une époque où, selon l’éditrice, « cette production semble s’essouffler ». Dans l’introduction comme dans les notes, l’éditrice étudie la technique du prosateur, qui « mêle habilement sa propre voix à celle de Chrétien » (introduction, p. 12) et intervient sur le texte-source, notamment pour rendre encore plus exemplaires les personnages féminins positifs et pour supprimer les passages mettant en scène des comportements masculins répréhensibles.

Le Perceval de 1530 se classe malgré tout parmi les « dévers », c’est-à-dire les mises en prose les plus fidèles à l’original versifié : l’auteur conserve non seulement l’intrigue, mais aussi beaucoup de mots-rimes. En partie modernisé pour permettre la compréhension du texte, le lexique contient quelques archaïsmes, souvent glosés par le prosateur, et la syntaxe présente quelques tours d’ancien français. Enfin, le texte en prose comprend nombre d’octosyllabes, dont tous ne sont pas présents dans le texte-source.

L’édition critique de Maria Colombo Timelli offre des notes de bas de pages indiquant les leçons réfutées, des notes finales commentant le travail du prosateur, le lexique et la morpho-syntaxe, et un glossaire.

Alice Vintenon.

Nederlandish culture of the Sixteenth Century : Urban Perspectives

Ethan Matt Kavaler et Anne-Laure Van Bruæne (éditeurs), Nederlandish culture of the Sixteenth Century : Urban Perspectives, Turnhout, Brepols, 2017, 388 p.

Le présent ouvrage est la publication d’une sélection des actes du colloque pluridisciplinaire Nederlandish culture of the Sixteenth Century, tenu les 19 et 20 octobre 2012 à l’université de Toronto (p. XVI). Dans une introduction générale, Ethan Matt Kavaler et Anne-Laure Van Bruæne situent le contexte complexe des Pays-Bas méridionaux au XVIe siècle. Des recherches de disciplines diverses (histoire de la ville, histoire du livre, études littéraires, histoire de l’art et anthropologie) sont réunies en sept parties (Space & Time, p. 1-80 ; Guilds & Artistic Identities, p. 81-130 ; Dialogues between City and Court, p. 131-206 ; The poetics of History and Mithology, p. 207-268 ; Literary Practices : Licences and its Limits p. 269-308 ; Cognitive and Affective Strategies, p. 309-352 ; Beyond the Low Countries, p. 353-388).

Charles-Yvan Elissèche.