Archives de catégorie : Livres reçus

From Art to Science. Experiencing Nature in the European Garden 1500-1700

From Art to Science. Experiencing Nature in the European Garden 1500-1700, edited by Juliette Ferdinand, Treviso, ZeL Edizioni, 2016, 127 p.

Cet ouvrage de belle facture (notamment par les illustrations qui viennent étayer le propos) s’ouvre sur une introduction de Juliette Ferdinand (« In the ‘Hortus universalis’ : science, technique, and delight in gardens », p. 8-17) et comporte six études de spécialistes qui examinent la rencontre et l’émulation entre l’art et la science dans le contexte semi-naturel des jardins (le terme de « jardin » renvoyant au XVIe siècle, comme le note l’éditrice, tout aussi bien à la nature sauvage qu’à la nature ordonnée).

Florike Egmond (« The garden of nature : visualizing botanical research in Northern and Southern Europe in the 16th century », p. 18-33) met en rapport l’horticulture du XVIe siècle et l’approche visuelle des plantes et de quelques animaux dans l’Italie du Nord et le Sud des Pays-Bas; s’accentue à cette période une représentation extrêmement réaliste et détaillée de la nature vivante qui devient alors la norme en Europe et s’exprime dans les aquarelles et les dessins, les tapis, les arts décoratifs et la peinture à l’huile.

Luca Ciancio (« The Many Gardens – Real, Symbolic, Visual – of Pietro Andrea Mattioli », p. 34-45) constate le lien entre le développement des jardins à la Renaissance et la renaissance de la botanique comme science de l’observation ; la carrière du botaniste siennois Pietro Andrea Mattioli (1501-1578) illustre la conscience progressive d’une distinction entre deux types de jardins : le jardin botanique dont la fonction est cognitive et thérapeutique, le jardin aristocratique qui a pour but le divertissement et la représentation sociale.

Alette Fleischer (« Hydraulics in Horto : levelling between water and power in seventeenth-century gardens in France and Holland », p. 46-61) analyse la compétition, pour la conception d’un instrument de nivellement automatique capable de mesurer l’élévation de terrains, entre deux ingénieurs hollandais, le mathématicien Christian Huygens (1629-1695), au service du roi Louis XIV, et Willem Meester (1653-1701), ingénieur hydraulicien du prince hollandais Willem III.

Sara Taglialagamba (« Facciasi fonti in ciascuna piazza. Congegni idraulici e fontane di Leonardo per I committenti francese », p. 62-77) étudie les divers projets hydrauliques (fontaines, instruments de musique, systèmes pneumatiques et hydrauliques) imaginés par Léonard de Vinci pour le roi Louis XII et pour Charles d’Amboise, seigneur de Chaumont, maréchal de France et gouverneur de Milan.

Michael Simonsen (« Geometry and botany artistically united at Wollaton Hall at the end of the 16th century », p. 78-91) analyse le développement des jardins en Angleterre à la Renaissance à partir de l’exemple de Wollaton Hall, construit entre 1580 et 1588 à Nottingham, unique exemple d’une demeure élizabéthaine à la campagne. Il examine l’évolution du jardin dans ses différentes phases, depuis l’arrangement géométrique et artistique initial des plantations (sous la houlette de Francis Willoughby) vers un lieu destiné à l’observation des plantes et des oiseaux à l’époque de son arrière-petit-fils, Francis Willughby (1635-1672).

Juliette Ferdinand (« Placere et docere : le jardin minéral de Bernard Palissy », p. 92-109) étudie le projet de jardin minéral que Bernard Palissy expose dans la Recepte véritable publiée en 1563 à La Rochelle ; elle montre à partir de cet exemple comment « la pensée de philosophe naturel de Palissy trouve son fondement dans sa pratique artistique ».

L’ouvrage est pourvu de deux index, « Index of Names ands Works », « Index of Places ».

Quentin SKINNER, Visions politiques. Volume 1 : Sur la méthode

Quentin SKINNER, Visions politiques. Volume 1 : Sur la méthode, traduit de l’anglais par Christopher Hamel, collection « Titre courant » n° 65, Genève, Droz, 2018, 273 pages.

            Traduction d’un ouvrage paru à Cambridge en 2002, Visions politiques est un recueil d’articles déjà publiés, nouvellement révisés. En trois volumes, dont celui-ci est le premier, l’auteur propose de comparer la vision politique faisant de la souveraineté la propriété du peuple à celle qui en fait la propriété de l’état. Dans ce premier volume, « sur la méthode », Quentin Skinner défend l’idée selon laquelle les différentes transformations conceptuelles que l’historien des idées peut espérer identifier ne sont pas des changements de concepts mais des changements dans l’usage des termes avec lesquels nous exprimons ces concepts. C’est pourquoi il étudie et remet en question l’exclusivité de la méthode empirique comme source des connaissances, puis analyse la théorie post-empirique en montrant que l’approche qui consiste à rassembler tous les faits pour en faire le récit est également intenable pour les historiens des idées.

            Au fil des dix chapitres de l’ouvrage, Quentin Skinner analyse la méthode de l’historien des idées, s’appuyant sur des exemples issus de textes du XVIe siècle (Machiavel, Bodin…). Il commence ainsi par analyser la philosophie de Sir Geoffrey Elton (auteur de The Practice of History, 1967) et remet en question la méthode que ce dernier propose aux « apprentis » historiens avant de montrer que l’approche qui consiste à s’appuyer sur la vérité de nos connaissances est également erronée : le concept de vérité n’est pas pertinent pour l’entreprise qui vise à explorer les croyances. Dans le chapitre V, Quentin Skinner discrédite l’affirmation selon laquelle la tâche de l’historien est d’étudier et d’interpréter un canon de textes classiques, puis, dans les chapitres suivants, il s’attache à l’étude de la signification des textes, qu’il distingue des intentions de l’auteur, lesquelles doivent être étudiées seulement après l’étude du sens. Quentin Skinner s’appuie sur les travaux de L. Wittgenstein et J. L. Austin pour étayer sa thèse.

            Les trois derniers chapitres sont consacrés respectivement à la signification sociale, à l’idée d’un « lexique culturel » – l’auteur s’y attache à étudier le lien entre l’étude du vocabulaire que nous utilisons pour décrire et évaluer et l’interprétation des textes –, et enfin à la rhétorique et au changement conceptuel. Dans un dernier chapitre également conclusif, l’auteur affine les idées précédentes et répond à ses critiques. 

The Ark of studies, Thomas Harrison

The Ark of studies, Thomas Harrison, éd. Alberto Cevolini, De Diversis Artibus, tome 102, Brepols, 2017, 142 pages.

L’auteur propose une édition critique et une traduction en anglais de l’ouvrage Arca Studiorum, rédigé en latin par Thomas Harrison et édité par Vincent Placcius en 1689 dans l’ouvrage De arte excerpendi. Vom gelehrten Bucchalten liber singularis (Holmiae / Hamburgi : Apud Gottfried Liebezeit, 1689). Cette édition critique débute par une introduction détaillée présentant Thomas Harrison, son ouvrage et son projet, l’ark of studies, une machine permettant de recopier et de classer les passages les plus intéressants des livres lus. Selon Alberto Cevolini, le classement mécanique des citations par thème et par ordre alphabétique en fait une invention surprenante et essentielle au XVIIe siècle. L’objectif de l’édition critique de Cevolini est, d’une part, de faire connaître Thomas Harrison, né à Londres dans une famille de marchand en 1595, diplômé en théologie puis arrêté au motif qu’il aurait corrompu la cour, et enfin, inventeur de l’ark of studies (1640) développé avec l’aide financière de Samuel Hatlib ; puis, dans un second temps, de démontrer l’importance de cette invention dans l’histoire du XVIIe siècle. Pour ce faire, Cevolini propose au lecteur une histoire de la tradition scolastique et des moyens à la disposition des exégètes souhaitant conserver des notes, de l’Antiquité au XVIIe siècle. Si la machine de Thomas Harrison est si importante, c’est aussi parce que la naissance de l’imprimerie a bouleversé les habitudes des lecteurs : ces derniers ne sont pas préparés à annoter et critiquer l’énorme masse de littérature qui devient soudainement accessible à un plus grand nombre. Comment donc garder en mémoire ces ouvrages essentiels ?

L’ouvrage de Thomas Harrison est ensuite donné à lire au lecteur dans la version originale en latin et dans la traduction anglaise qui se trouve en regard. Cette édition s’appuie sur les trois manuscrits de Thomas Harrison qui existent encore, à Londres et Hambourg. �

Langues imaginaires et imaginaire de la langue

Langues imaginaires et imaginaire de la langue, études réunies par Olivier Pot, Cahiers d’Humanisme et Renaissance n° 148, Genève, Droz, 2018, 840 pages.

  

Langues imaginaires et imaginaires de la langue, recueil des actes d’un colloque tenu à l’Université de Genève en 2008, est le prolongement d’un précédent volume consacré à la question des langages. Les vingt-six études réunies placées sous le signe de l’historiographie linguistique et de la diversité – du sanskrit aux langues imaginaires –, ainsi que sous celui du voyage – aussi bien spatial que temporel –, visent à montrer que « tout locuteur est un barbare au regard de son propre idiome ».

La première partie du recueil, « Sous le signe de l’Utopia de Thomas More : Pour un anniversaire des langues imaginaires (1517-2017) », s’intéresse au paratexte de l’Utopie, cherchant à placer dans le récit l’existence réelle de l’île et de sa langue (Pierre Swiggers).

La deuxième partie, intitulée « Des chiffres et des lettres : de la cryptographie à la langue universelle » étudie d’abord le mythe de la langue originelle chez Claude Duret (Gisèle Mathieu-Castellani), les pratiques étymologiques de Blaise de Vigenère (Paul-Victor Desarbres) et son Traicté des chiffres (Jean-Raymond Fanlo) avant de s’intéresser à l’alphabet des pensées de Leibniz (Curzio Chiesa).

La troisième partie du recueil – « Langues hybrides ou hyperlangues ? » – propose des études sur le franco-italien médiéval (Peter Wunderli), l’allemand tel qu’on l’imagine au XVIe siècle (Daniel Ménager) ou l’italien imaginaire (Paolo Albani) tandis que la quatrième, « Éthnographies linguistiques ou la Pentecôte aux Amériques », emmène le lecteur dans les écrits jésuites aux Indes Amériques (Marie-Christine Gomez-Géraud), dans les œuvres de Georg Horn (Daniel Droixhe) et celles de saint Augustin (Maurice Olender).

Les articles réunis sous les titres « La linguistique des vaincus : un orientalisme à l’envers » (cinquième partie) et « Les deux scènes du langage ou la langue sous la langue », proposent de revenir aux origines du langage, mythes linguistiques dans les pays baltiques aux XVIe et XVIIe siècles (Pietro U. Dini), « Nouveau paradigme » (Patrick Seriot) et « mythe de la langue-mère » (Sylvain Auroux) avant d’étudier des langues et littératures moins connues des lecteurs européens : le théâtre sanskrit classique (Charles Malamoud), ou encore la phonétique antique (sanskrit, grec et latin) (Daniel Heller-Roazen). Cette sixième partie se termine par un article de Gilles Siouffi analysant l’imaginaire du discours grammatical à l’âge classique.

Les quatre dernières parties de l’ouvrage quittent le domaine de la linguistique. La septième analyse les « Incarnation(s) de la langue et [les] modernes diglossies ». Les auteurs y étudient les liens entre médecine et langage au XIXe siècle (Gabriel Bergounioux), ou encore ceux que la littérature entretient avec le sens du toucher (Jean-Claude Mathieu). Deux articles donnent à lire une réflexion sur le langage chez Artaud (Natacha Allet) et Michaux (Vincent Capt),  La septième partie de l’ouvrage est consacrée à Valère Novarina, poète et dramaturge ayant clos le colloque de 2008 par une lecture publique de ses textes, à qui les auteurs ont voulu rendre hommage (Patrick Suter, Marco Baschera) tandis que la huitième s’intéresse aux « Fantasmagories sonores. La musicienne du silence ». Les deux articles proposés visent à montrer que la musique est par essence un langage sensible et intelligible et analysent le lien entre musique et représentation au XVIIe siècle (Laurence Wuidar) avant d’étudier l’esthétique du « stylus fantasticus » dans la musique baroque (Brenno Boccadoro).

Enfin, la dixième et dernière partie, intitulée « Bouts de langues et bouts de peuples. Utopies et uglossies. Pour une conclusion imaginaire en mode de fiction voyageuse » est rédigée par Olivier Pot qui propose une conclusion générale de ces articles si variés en réfléchissant sur le couple « langage / voyage », des œuvres de Rabelais à Michaux en passant par celles de Dante et Beckett, et qui justifie ce parcours en écrivant, entre bien d’autres affirmations, que « les observations sur la langue tiennent prioritairement lieu d’observatoire de l’imaginaire ».

Daniel MAIRA, Renaissance romantique. Mises en fiction du XVIe siècle (1814-1848)

Daniel MAIRA, Renaissance romantique. Mises en fiction du xvie siècle (1814-1848),Genève, Droz, coll. « Histoire des idées et critiquelittéraire », n° 492, 2018, 648 p., 49 €.

 Bien avant la publication du tome VII de l’Histoire de France deMichelet consacré à la Renaissance (1855) puis de Die Kultur derRenaissance in Italien de Jacob Burckhardt (1860), le xixe siècle s’est passionnépour la Renaissance française et l’a mise en fiction. Sous la Restauration etla Monarchie de Juillet, écrivains et historiens fabriquent une Renaissance imaginaire,reflétant leurs valeurs et leurs idéaux. À travers un imposant corpuscomprenant des pièces de théâtre, des textes narratifs, des poèmes, des opéraset des drames lyriques, mais aussi des essais historiques issus de toutes lessensibilités politiques, Daniel Maira propose une vision globale de cette« Renaissance romantique ». La première partie de l’ouvrage (« Lafabrique romantique des temps modernes ») s’intéresse aux différentespériodisations de la Renaissance et à leurs mises en intrigue. La deuxièmepartie (« Légitimer le pouvoir : instrumentalisations idéologiquesdes guerres de religion ») aborde la légende du « bon Henri » etla mise en fiction des guerres de religion. La troisième partie (« Desrévoltes et des libertés ») s’attache à l’image d’une Renaissance transgressive et révolutionnaire.

Estelle Lingo, Mochi’s Edge and Bernini’s Baroque

Estelle Lingo, Mochi’s Edge and Bernini’s Baroque, 328 p., 6 ill. n/B+244 ill., couleur, Turnhout, Brepols, 2017.

Spécialiste de sculpture du XVIe et du XVIIe siècle, Estelle Lingo étudie dans ce livre l’œuvre du sculpteur toscan Francesco Mochi (1580-1654) considéré comme l’un des précurseurs du Baroque et, avec le Bernin, l’un des plus grands sculpteurs italiens du début du XVIIe siècle. C’est justement cette réputation qu’Estelle Lingo examine en resituant les sculptures de Mochi dans leur contexte artistique et culturel. Cet élève de Giambologna voulait avant tout s’inscrire dans la manière florentine et poursuivre la quête formelle de Michel-Ange. Les temps avaient pourtant changé. En raison du nouveau climat religieux post-tridentin et de la consolidation du pouvoir absolutiste, la sculpture fut chargée d’enjeux expressifs différents. Dans ce contexte mouvant, Mochi tenta de concilier le michélangelisme avec ces nouveaux impératifs. En résulte une extrême tension dans ses œuvres dont Estelle Lingo offre une interprétation nouvelle fondée sur une solide recherche historique et sur l’analyse attentive des suggestions diverses, aussi bien florentines que romaines, qui façonnèrent les sculptures de Mochi. Un bel exemple est offert par la célèbre Sainte Véronique de Saint-Pierre au Vatican. Tout en suivant la tradition iconographique, Mochi dynamise la posture de la sainte qui semble faire irruption dans l’espace du spectateur en s’élançant de sa niche. Estelle Lingo souligne à juste titre la dette de l’artiste à l’égard de figure florentine de la « Nimpha », étudiée par Warburg, et met en évidence les affinités entre la statue et les figures de Botticelli et Ghirlandaio, que le sculpteur avait pu admirer à Florence, ainsi que celles de Salviati,  de Jacopino del Conte et d’Ammannati qu’il avait vues à Rome et à Pise. Estelle Lingo tisse ainsi l’ample réseau des suggestions qui ont contribué à la genèse de cette statue et des autres sculptures de Mochi avec un véritable esprit de détective perceptible tout au long de ce livre.

Rubens and the Human Body

Rubens and the Human Body, C. van Wyhe (ed.),  366 p., 3 ill. n/b + 166 ill couleur, Turnhout, Brepols, 2018.

Rubens est l’un des peintres les plus sensuels du XVIIe siècle et le corps humain, notamment féminin, occupe une place essentielle dans ses œuvres. Ses beautés charnelles, qui ne sont pas dépourvues d’une audacieuse insolence, ont marqué les esprits avec leur carnation nacrée et leurs chairs pleines et quelque peu étouffantes. Les études réunies dans ce volume se démarquent par l’originalité des thématiques abordées. Treize spécialistes mènent une enquête approfondie sur le statut du corps dans l’œuvre du peintre, sur ses modèles et ses enjeux esthétiques, rhétoriques, théoriques par rapport à la « culture du corps » de son époque dans une perspective médicale, philosophique ou littéraire.

Cordula van Wyhe, Introduction. Getting under the Skin of the Imaged Body ; Andreas Thielemann, Stone to Flesh: Rubens’s Treatise De imitatione statuarum; Jørgen Wadum and Anne Haack Christensen, Painting human flesh: Theory compared to Jacob Jordaens’ practice ; Joost Vander Auwera, Size Matters! On the importance and significance of life-size figures in Rubens’ paintings ; Suzanne J. Walker, Rubens’s Victims. Images of the Assaulted Male Body ; Margit Thøfner, Milky Bosoms. Rubens, Breasts and Maternity ; Karolien de Clippel, Vibrant Veils and Daring Draperies. On Rubens’ clothing of nymphs and goddesses ; Jacques Bos, Rubens and early modern psychology ; Lucy Davis, ‘On feet made unsteady by age and wine’: Rubens’ Silenus and Human Aging ; Katerina Georgoulia, Rubens and Early Modern Dietary Science ; Elizabeth McGrath, Black Bodies and Dionysiac Revels: Rubens’ Bacchic  Ethiopians ; Irene Schaudies, ‘Boistrous druncken headed imaginary gods’: Bacchic bodies of Rubens and Jordaens ; Joanna Wooddall, Afterword.

Rogier van der Weyden y España

Rogier van der Weyden y España,L. Campbell, J. J. Perez Preciado (eds.), 200 p., 100 ill. n/b + 36 ill.couleur (Museo Nacional del Prado, 2016), Turnhout, Brepols, 2017.

L’un des artistes les plus célèbres du XVe siècle flamand est le protagoniste de ce volume qui réunit les études présentées lors du colloque organisé à l’occasion de l’exposition Rogier van der Weyden y España présentée au Prado en 2015. Dix-huit spécialistes examinent l’œuvre du maître en Espagne en prenant en compte, d’une part, le processus créatif, la commande, la réception et l’influence. D’autre part, les problèmes techniques posés par les restaurations de œuvres de l’artiste conservées au Prado comme la Descente de Croix et le Calvaire.

Lorne Campbell, The Late Style of Rogier van der Weyden ;Francisco de Paula Cañas Gálvez, Juan II de Castilla y el Tríptico de Miraflores: marco espiritual, proyección política y propaganda regia en torno a una donación real (1445) ;Stephan Kemperdick, The Miraflores Triptych and the Issue of Rogier van der Weyden’s “authenticated” Paintings ; David Chao Castro, Egas Cueman en Castilla y el desarrollo de la tipología sepulcral con imagen orante ;Griet Steyaert, “A Deposition including two Men on two Ladders”, Carel van Mander’s Description of Rogier’s Deposition and the Deposition by the Master of the Legend of Saint Catherine ;Bart Fransen, One Altarpiece, one Way: From Brussels to Laredo ;Yao Fen-You, Another Piece of the Rogerian Puzzle: Recent Findings on the Arenberg Lamentation ; Catherine Reynolds, Evolution or Derivation: The Prado Descent from the Cross and the lost Carrying of Christ’s Body to the Tomb ; José Juan Pérez Preciado, En torno al Tríptico de la Redención del Museo del Prado ; Lisa Monnas, Textiles in the Paintings of Rogier van der Weyden ;Maite Jover, Laura Alba, Maria Dolores Gayo, Maistros viajerosm obras importadas. Las tablas del Maestro de Sopretán ;Laura Alba, El Descendimiento de Rogier Van der Weyden. Aspectos técnicos de sus copias más fieles ;Maria Antonia López de Asiaín, La restauración de La Crucifixión del Maestro de la Leyenda de santa Catalina en el Prado ;Maria Dolores Gayo, Maite Jover de Celis, El Calvario de Rogier van der Weyden: los materiales del soporte y de la pintura ;Loreto Arranz Gozalo, La restauración de la capa pictórica del Calvario de Rogier van der Weyden ;José de la Fuente, La restauración del soporte  del Calvario de Rogier van der Weyden.

Daniele Barbaro 1514-1570. Vénitien, patricien, humaniste

Daniele Barbaro 1514-1570. Vénitien, patricien, humaniste, F. Lemerle, V. Zara, P. Caye, L. Moretti, (eds.), 590 p., 102 ill. n/b + 61 ill. couleur, Turnhout, Brepols, 2017.

Bien que Daniele Barbaro soit moins connu que son oncle Ermolao ou son frère Marcantonio, qui commandita avec lui à Palladio la célèbre Villa Maser, le centenaire de sa naissance en 2014 a été l’occasion de nombreuses activités scientifiques. Après l’exposition Daniele Barbaro 1514-70. Letteratura, scienza e arti nella Venezia del Rinascimento organisée à la Biblioteca Marciana en 2015-2016, qui a offert un bel aperçu de l’activité d’écrivain de Barbaro, le riche ouvrage collectif publié par le CESR de Tours déploie le large éventail de la carrière de l’humaniste vénitien selon une approche pluridisciplinaire. Trente auteurs étudient les multiples facettes du prisme de la personnalité complexe de Barbaro afin de revisiter sa carrière et son influence sur la production artistique du XVIe siècle – dont les portraits de Titien et de Véronèse constituent un témoignage prestigieux – son retentissement  en Europe et ses échos au XVIIe siècle.

Deborah Howard, Daniele Barbaro and Two Ladies named Giulia ; Silvia Scattolin, Vita privata: Il rosion dil re d’Ingiltera di Daniele Barbaro ; Deborah Howard, Barbaro Family Portraits in the Cinquecento: Some Observations ; Tracy E. Cooper, Daniele Barbaro and the Commemoration of a Patriarchal Dynasty ; Ann E. Moyer, Daniele Barbaro and his Dialogue Della eloquenza ; Pierre Caye, Daniele Barbaro ou la veritas græca du De architectura de Vitruve ; Annarita Angelini, Daniele Barbaro: l’architettura come methodus e machina del sapere ; Koji Kuwakino, La varietas in una sylva geometrica che « ricrea la mente stanca dal pensiero delle cose difficili »: Daniele Barbaro e l’Orto botanico di Padova ; Pierre Gros, Forum et basilique dans le Vitruvio de Barbaro ; Frédérique Lemerle,  Barbaro et les Annotationes de Philandrier sur Vitruve ; Manuela Morresi, Fonti bibliche nei Commentari a Vitruvio di Daniele Barbaro ; Antonio Becchi,  I commenti di Daniele Barbaro al Proemio della «terza parte principale dell’Architettura» (1556-1567) ; Werner Oechslin,  „Sciographia“, die vierte Darstellungsform („species dispositionis“): Daniele Barbaro, Andrea Palladio und die Kodifizierung der Architekturzeichnung ; Laura Moretti, Ancora sulla scenographia: i manoscritti preparatori per la parte quarta de La pratica della perspettiva di Daniele Barbaro (1568) ; Margaret M. D’Evelyn, “The most delightful presence of light”: Glimmers of Perspective in Daniele Barbaro’s Manuscript Commentaries on Vitruvius ; Maria Losito, Daniele Barbaro inventore: il De horologis describendis libellus e l’Horario universale nella teoria e nella pratica vitruviana ; Yves Pauwels, Quatre colonnes et un entablement : Palladio et Barbaro à Maser ; Luigi De Poli, Daniele Barbaro: du texte de la Predica aux images de Maser ; Francesco Trentini, Le machinationi etiche di Daniele Barbaro negli affreschi di Veronese a Maser ; Stefano Lorenzetti,  « Quello che è consonanza alle orecchie è bellezza agli occhi ». Figure della musica nel commento a Vitruvio di Daniele Barbaro ; Vasco Zara, « Udire secondo le Idee ». Daniele Barbaro e la musica degli affetti ; Daniel K. S. Walden, Daniele Barbaro, Nicola Vicentino, and Vitruvian Music Theory in Sixteenth-Century Italy ; Daria Perocco, Daniele Barbaro ambasciatore e letterato ; Carlo Alberto Girotto, Les éditeurs de Daniele Barbaro ; Shanti Graheli, Daniele Barbaro e la Repubblica delle Lettere ; Don Giacomo Cardinali, Daniele Barbaro corrispondente del cardinale Guglielmo Sirleto ; Carlo Alberto Girotto, Une lettre de Daniele Barbaro à Charles de Guise (et quelques hypothèses pour la fortune de Barbaro en France) ; Fernando Marías, José Riello,  La fortuna de Daniele Barbaro en la península ibérica ; Frédérique Lemerle, Les Vitruve de Barbaro au XVIIe siècle ; Pierre Caye, Eugène Priadko, Le Barbaro de Vasilij P. Zubov ;   † Vasilij P. Zubov, De la vie et de l’activité scientifique de Daniele Barbaro.

Du Bartas (1578), Rosset (1597), Despuech (1633). Trois mises en scène des lieux et des langues

Du Bartas (1578), Rosset (1597), Despuech (1633). Trois mises en scène des lieux et des langues, édition critique par David Fabié et Philippe Gardy, Paris, Classiques Garnier, coll. « Etudes et textes occitans, 2017, ISBN 978-2-406-06666-8 (livre broché), 978-2-406-06667-5 (livre relié), 176 p.

Ce volume rassemble trois textes mettant en scène la confrontation des langues française et occitane, concurrencées également, dans deux d’entre eux, par la latine. Modèle des deux autres, le premier dialogue édité est le poème composé par Du Bartas à l’occasion de l’entrée de la reine de Navarre à Nérac (1578). Trois nymphes, incarnations des langues française, latine et gasconne, s’y disputent l’honneur de saluer la reine, dans un débat qui voit triompher la nymphe gasconne. Le texte est imité par François de Rosset dans son Chant triomphal : là encore, trois nymphes, la française, la latine et la languedocienne, dialoguent pour déterminer laquelle d’entre elles saluera le duc d’Uzès lors de son entrée dans sa ville, en 1597. Le troisième texte, dû à l’auteur occitan Isaac Despuech, dit Le Sage, est également un Dialogue des Nimphes, représenté devant le maréchal de Schomberg lors de son entrée à Montpellier, en 1633. A la différence de ses prédécesseurs, ce débat ne représente pas le latin, mais augmente la place tenue par l’occitan.

L’ensemble est précédé d’une introduction de 27 pages, qui situe les trois textes dans la production de leur auteur : si l’usage de l’occitan est minoritaire dans la production de Du Bartas et de Rosset, il est la langue quasi exclusive de la poésie d’Isaac Despuech. Les éditeurs s’attardent également sur le sens, chez les trois auteurs, de l’usage de l’occitan, langue dont la poéticité est, alors, souvent mise en doute. L’édition critique est rigoureuse, et la traduction des pièces latines et occitanes, élégante et soignée. Chaque texte est précédé d’une courte introduction, qui établit son contexte d’écriture et ses enjeux spécifiques, ainsi que les principes d’édition adoptés. Un glossaire et un index nominum facilitent l’utilisation de l’ouvrage.

Perceval le Galloys en prose (Paris, 1530), chapitres 26-58

Perceval le Galloys en prose (Paris, 1530), chapitres 26-58, édition critique par Maria Colombo Timelli, Paris, Classiques Garnier, coll. « Textes littéraires du Moyen Age », 2017. ISBN 978-2-406-06435-0 (livre broché) / ISBN 978-2-406-06436-7 (livre relié). ISSN 2108-9825, 316 p.

Le présent volume est le premier d’une série de quatre, dont l’ensemble éditera la compilation intitulée Tresplaisante et recreative hystoire du trespreulx et vaillant chevallier Perceval le Galloys, parue à Paris en 1530. Cette dernière regroupe six textes complétant le Perceval de Chrétien de Troyes : deux prologues, le Conte du Graal et trois continuations, compilées sans marquer le passage de l’une à l’autre. Le présent ouvrage édite les branches I à III de la première continuation, centrée sur les aventures de Gauvain.

Perceval est le dernier des romans de Chrétien de Troyes imprimés à la Renaissance, et l’une des dernières adaptations en prose de roman de chevalerie produites à la Renaissance. Il paraît à une époque où, selon l’éditrice, « cette production semble s’essouffler ». Dans l’introduction comme dans les notes, l’éditrice étudie la technique du prosateur, qui « mêle habilement sa propre voix à celle de Chrétien » (introduction, p. 12) et intervient sur le texte-source, notamment pour rendre encore plus exemplaires les personnages féminins positifs et pour supprimer les passages mettant en scène des comportements masculins répréhensibles.

Le Perceval de 1530 se classe malgré tout parmi les « dévers », c’est-à-dire les mises en prose les plus fidèles à l’original versifié : l’auteur conserve non seulement l’intrigue, mais aussi beaucoup de mots-rimes. En partie modernisé pour permettre la compréhension du texte, le lexique contient quelques archaïsmes, souvent glosés par le prosateur, et la syntaxe présente quelques tours d’ancien français. Enfin, le texte en prose comprend nombre d’octosyllabes, dont tous ne sont pas présents dans le texte-source.

L’édition critique de Maria Colombo Timelli offre des notes de bas de pages indiquant les leçons réfutées, des notes finales commentant le travail du prosateur, le lexique et la morpho-syntaxe, et un glossaire.

Nederlandish culture of the Sixteenth Century : Urban Perspectives

Ethan Matt Kavaler et Anne-Laure Van Bruæne (éditeurs), Nederlandish culture of the Sixteenth Century : Urban Perspectives, Turnhout, Brepols, 2017, 388 p.

Le présent ouvrage est la publication d’une sélection des actes du colloque pluridisciplinaire Nederlandish culture of the Sixteenth Century, tenu les 19 et 20 octobre 2012 à l’université de Toronto (p. XVI). Dans une introduction générale, Ethan Matt Kavaler et Anne-Laure Van Bruæne situent le contexte complexe des Pays-Bas méridionaux au XVIe siècle. Des recherches de disciplines diverses (histoire de la ville, histoire du livre, études littéraires, histoire de l’art et anthropologie) sont réunies en sept parties (Space & Time, p. 1-80 ; Guilds & Artistic Identities, p. 81-130 ; Dialogues between City and Court, p. 131-206 ; The poetics of History and Mithology, p. 207-268 ; Literary Practices : Licences and its Limits p. 269-308 ; Cognitive and Affective Strategies, p. 309-352 ; Beyond the Low Countries, p. 353-388).