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Fleurs et jardins de poésie

Fleurs et jardins de poésie. Les anthologies poétiques (domaine français, incursions européennes), sous la direction d’Adeline Lionetto et Jean-Charles Monferran, Paris, Classiques Garnier, 2021, 408 p.

 

En prolongement du colloque organisé par Adeline Lionetto et Jean-Charles Monferran, le présent ouvrage se propose ici d’exposer les différentes réflexions menées autour de la constitution des anthologies poétiques au XVIe siècle, de l’auctorialité collective et des stratégies éditoriales mises en œuvre, nécessaires à leur éclosion. En effet, comme le notent les auteurs de l’introduction, la prépondérance accordée à la figure de l’auteur et à l’œuvre qui y est rattachée a entraîné une certaine lacune critique en la matière. Pour la combler, le recueil offre une synthèse, jamais encore réalisée, sur le cheminement de ces anthologies, de leur transformation et de leur influence sur la production poétique d’alors. Suivant la métaphore horticole, emblématique des miscellanées poétiques, les contributions, apparemment labyrinthiques, s’agencent de manière à permettre au lecteur de trouver, à partir de chaque unité, un ordre réflexif qui répond à la cohérence des « grandes allées » tracées par les directeurs de la publication. Ces grandes allées s’architecturent comme suit : la dynamique et la genèse des recueils collectifs ; la tradition manuscrite, clé de compréhension de l’imprimé ; l’organisation, la préservation et la compilation, au service de la consécration poétique ; le geste anthologique, entre création patrimoniale et témoignage du présent ; l’étude et l’analyse des contenus ; la comparaison des anthologies françaises et étrangères. Toute la force du livre est ainsi d’offrir au lecteur une déambulation cadrée par de grandes allées qui encerclent des massifs en mosaïques, permettant à la fois une marche ordonnée et à sauts et à gambades. La flânerie discursive trouve une cohérence dans le déroulé des massifs qui, presque musicalement, s’interrogent les uns les autres et se répondent en écho. De la dynamique de l’écrit découle l’imprimé et ses stratégies éditoriales, elles-mêmes redevables d’un contenu en continuelle évolution selon les modes et les tendances qui tiennent tout autant des influences, de la matière que des auteurs et de leur réception.

Cette logique circulaire est d’autant plus prégnante qu’elle s’appuie sur une microstructure qui, par le parfait assemblage de chacune de ses pièces, constituent la macrostructure, à l’instar de l’arbre, de la plante, et de la fleur qui, réunis, édifient le massif, puis les allées, et enfin le jardin.

Partant de l’article central d’Anne Réâch-Ngô et de l’équipe Joyeuses inventions, la réflexion s’initie sur l’éclosion et la transformation d’ouvrages collectifs que le bibliographe Frédéric Lachèvre (1855-1943) a recensés dans son ouvrage Bibliographie des recueils collectifs de poésie au XVIe siècle, du Jardin de Plaisance (1502) aux Recueils de Toussaint du Bray (1609). Grâce à l’outil numérique, les auteurs de l’article ont pu analyser, en synchronie et en diachronie, les différentes recompositions éditoriales du Trésor des joyeuses inventions du parangon de poésies, paru entre 1544 et 1599, ainsi que la circulation des textes en son sein. Mais la production imprimée des anthologies et leur métamorphose ne peuvent s’envisager sans la prise en compte de la tradition manuscrite. Marco Veneziale démontre, dans cette optique, comment le recueil des Fleurs de poesie françoyse (1534) s’est construit à partir de manuscrits qui étaient héritiers de la pratique des poètes de cours de François Ier. Laëtitia Tabard, pour sa part, propose, en transparence de l’analyse du Jardin de Plaisance et fleur de rhétorique, publié pour la première fois en 1501 par Antoine Vérard, de comprendre comment le passage du manuscrit à l’imprimé s’est opéré et de rendre saillant la préexistence de la sélection textuelle à l’objet édité, puisque le choix des pièces lyriques repose sur une structure narrative spécifique. Dans ce sillage, Hugo Macé et Jean Vignes insistent sur l’essence musicale des anthologies poétiques. L’historicité des Chansons de P. de Ronsard, Ph. Desportes et autres, mises en musique par N. de La Grotte (1569) témoigne de l’interaction entre recueils de pièces musicales et recueils de poésies, et de l’influence de l’architecture des premiers sur les seconds, pour au final transformer l’anthologie musicale en anthologie poétique.

Après ce premier massif consacré à la genèse et au dynamique de constitution des recueils collectifs, le deuxième pointe son attention sur l’entreprise de promotion poétique des anthologies. Jean Balsamo, à la lumière des recueils italiens de rime (1545-1560) édités par Giolito et d’autres libraires, souligne la complexité des recueils, cumulatifs et extensifs, et non pas sélectifs. Il s’agit, en effet, de recueillir et non d’élire afin d’opérer un choix qualitatif qui unifie les lettres italiennes et les honore d’un titre de noblesse par l’autorité donnée aux auteurs choisis. L’article de Jean Balsamo entre alors en résonnance avec la réflexion menée par Miriam Speyer. Son étude porte sur les recueils français de poésie produits entre 1597 et 1607 et se focalise ensuite sur L’Academie des modernes poëtes françois d’Antoine du Breuil. En témoigne le titre de l’ouvrage plus finement analysé, une vraie entreprise de canonisation des poètes voit le jour et trouve son plein épanouissement au sein du type éditorial spécifique de l’anthologie qui, tout en se décomposant en sections monographiques, devient une particularité de certains imprimeurs pour répondre au goût du public. De manière rétrospective, Ellen Delvallée établit qu’un projet comme les Rondeaulx en nombre de trois cens cinquante (1527) annonce, par sa composition dynamique en sections, l’élaboration d’un patrimoine français riche et en mouvement. En effet, il est précurseur de la collection des poètes français publiée par Galliot du Pré (1528-1533), ainsi que des ouvrages de consécration évoqués par Myriam Speyer. Néanmoins, il apparaît en filigrane de ces articles que ces anthologies, bien plus que de canoniser des auteurs, ont pour but de promouvoir la poésie en langue vernaculaire et de s’ancrer dans le présent. En se fondant sur l’exemple de la Departie d’Amour (1509), attribuée à Blaise d’Auriol et publié par Vérard, Jean-Claude Mühlethaler met en lumière que ses recueils se confondent avec d’autres genres et s’apparentent à un art de la seconde rhétorique et à un art d’aimer. Ces expérimentations permettent non seulement une variété des formes poétiques, mais encore de faire une publicité larvée pour les poésies d’alors composées en français et éditées par Antoine Vérard.

Le troisième massif s’éloigne du conditionnement et de la promotion de l’écrit par la forme éditoriale pour s’intéresser au contenu lui-même et à son influence sur l’objet imprimé. Il apparaît dès lors que les anthologies privilégient la lyrique amoureuse, ainsi que les sujets spirituels. En effet, comme le démontre Véronique Ferrer, à partir de la fin du XVIe siècle, la poésie religieuse, en réaction à la poésie profane, s’empare de l’anthologie et la fait sienne. Elle expérimente ainsi diverses formes littéraires (chanson, sonnet, ode, mélodie psalmodique, vers militant, contrafactum, prière). Semble-t-il destinée à deux thématiques centrales (l’amour et le religieux) et aux types de poésie qui y sont rattachées (formes brèves ou amples), l’anthologie, comme les arts poétiques, est-elle limitée à un champ spécifique de production ? Les contributions de Nathalie Dauvois et Antonin Godin viennent nuancer le propos. L’analyse de recueils collectifs comme le Parnasse des poètes françois contemporains de Corrozet révèle la porosité entre l’anthologie, le florilège et le recueil de lieux communs. Ces objets imprimés partagent souvent leurs organisations et leurs usages jusqu’à se confondre. C’est ainsi que les poètes peuvent puiser dans les anthologies des modèles à imiter. Enrica Zanin, au travers du cas de La Fleur de toutes nouvelles, tempère, elle aussi, le propos. L’anthologie n’est pas uniquement poétique, mais aussi narrative. D’ailleurs, elle ne cesse de rappeler le dialogue constant entre florilèges de nouvelles et de poèmes. Les deux types d’anthologie suivent le même cheminement. Originellement, ils s’organisent autour d’un cadre narratif fort avant de peu à peu s’en abstraire pour préférer un ordre thématique. Les florilèges de nouvelles, à l’instar des loci, précèdent cependant les recueils de poésie à cause de la réception du genre en France. Il n’en reste pas moins que ces deux modèles vont durablement bouleverser, par leur exemple,  l’organisation des recueils poétiques et permettent le passage d’une lecture cursive à une lecture discontinue.

Si cette tendance est en partie redevable d’une réception d’un genre étranger, elle l’est aussi d’un mouvement plus général et d’une réelle transformation du mode de lecture, plus rapide et ciblé. Le quatrième massif, dédié à l’étude comparatiste des anthologies françaises et européennes, s’en fait l’écho. Luigi-Alberti Sanchi, qui se penche sur la transmission et la réception italiennes et françaises de l’anthologie grecque de Planude, constate de la sorte, en héritage de l’ère byzantine, la reprise du classement en sections génériques, puis en sous-sections thématiques chez les éditeurs italiens, puis français (Josse Bade en 1531 et Henri Estienne en 1566). À son tour, João Aidar, par l’étude des publications en Espagne et en France du Cancionero General (1511), du Jardin de Plaisance et Fleur de Rhétorique (vers 1501), observe une logique éditoriale générico-thématique qui répond à une lecture dynamique et discursive. Cette étude comparatiste de ces anthologies publiées dans l’Ouest de l’Europe pointe encore les différentes rivalités entre langues vernaculaires, mais aussi avec le latin et le grec, dont il s’agit d’égaler ou de dépasser le corpus poétique. Grâce à son analyse des anthologies de poètes latins (anthologies de lieux communs ; anthologies de lieux poétiques ; anthologies de traductions d’auteurs antiques grecs ; anthologies d’auteurs néo-latins), Virgine Leroux démontre la volonté des poètes de l’hexagone de se mesurer aux anciens et à leurs contemporains transalpins en voulant concurrencer leur poésie publiée dans ces recueils. Rémi Vuillemin et Laetitia Sansonetti constatent eux-aussi ce phénomène outre-manche. En effet, Tottel’s Miscellany ou Songes and Sonettes (1557) est une affirmation de la poésie anglaise face à l’affluence et l’influence des autres poésies européennes (italienne, française et espagnole), tandis que Belvedere, Englands Helicon et England Parnassus, édités en 1600, construisent un canon élisabéthain et contribuent à donner sa grandeur à la poésie de langue anglaise.

Au seuil de ce parcours horticole, le lecteur embrasse toute la complexité de l’anthologie qui est un objet polymorphe, dont le rôle descriptif et prescriptif est bien plus performatif qu’il n’y paraît au premier abord. Si bien sûr elle a le pouvoir de se faire le relaie des tendances, et même de les créer, il n’en reste pas moins que l’anthologie peut aussi être un puissant objet de promotion des langues, des modes de lecture et de contenus, et encore de distorsion et de restriction. Ce très bel ouvrage, proposé par Adeline Lionetto et Jean-Charles Monferran, tout en étudiant avec minutie le rôle central de l’anthologie dans la consécration de la poésie et de ses auteurs à la Renaissance, a l’immense mérite de nous interroger sur la difficulté de l’entreprise éditoriale et des choix qui en découlent. Un tel constat ouvre la voie à des réflexions sur les textes, leurs transmissions, leurs réceptions et leurs herméneutiques, certes toujours tributaires d’un contexte (auteur, époque et lieu), mais surtout et encore de leurs éditions et des enjeux pluriels qui y concourent.

Alexandra Gorichon-Herren

Éloges collectifs de femmes à la Renaissance française

Éloges collectifs de femmes à la Renaissance française, textes réunis et édités par Renée-Claude Breitenstein, Saint-Étienne, Presses Universitaires de Saint-Étienne, coll. « La cité des dames », 2021, 374 p.

 À la suite des trois volumes du Théâtre de femmes de l’Ancien Régime, la collection « La cité des dames » poursuit son travail d’anthologies avec ce recueil d’éloges de femmes édité par Renée-Claude Breitenstein. Sont réunis ici des textes qui louent les femmes en général, c’est-à-dire les recueils de femmes illustres et les apologies du sexe féminin. Ne rassemblant que des textes intégraux, cette anthologie ne prétend pas à l’exhaustivité mais entend donner un aperçu général des éloges de femmes, sans tenir compte du sexe de l’auteur, de la forme du texte, de son support (manuscrit ou imprimé) ou de son succès. Sur ces critères, l’anthologiste a réuni dix textes, écrits ou imprimés entre 1506 et 1622, de Jean Marot à Marie de Gournay.

Le volume présente une introduction générale, les textes livrés avec une brève introduction, puis un utile glossaire, un complément bibliographique, un index des personnages féminins (nous pourrions regretter l’absence d’un index des auteurs cités, masculins comme féminins ainsi que des personnages masculins, même s’ils sont moins nombreux), une notice sur les contributeur et contributrices ainsi qu’une table des matières. Les textes sont édités selon une orthographe modernisée, et la lecture est facilitée par l’ajout de blancs typographiques, de parenthèses, ou de guillemets délimitant les discours directs – notons également la présence de chiffres permettant de repérer les diérèses dans les textes en vers. L’annotation est légère, se limitant à une paraphrase explicative et à une élucidation des allusions intertextuelles ou culturelles. Les introductions présentent rapidement la vie de l’auteur, le contexte, l’histoire matérielle, la forme, le succès du texte et en livrent quelques éléments d’interprétation.

L’introduction générale présente les différentes strates du contexte qui a favorisé l’émergence de ces discours d’éloge des femmes, depuis les écrits humanistes jusqu’au développement de l’imprimerie, en passant par la présence de femmes dans les cercles du pouvoir, à qui certains des textes sont dédiés. Elle revient encore sur les sources, invoquées ou tues par les auteurs, antiques, bibliques ou contemporaines. Elle insiste enfin sur la manière dont les textes, qui s’insèrent d’une manière ou d’une autre dans la Querelle des Femmes, relèvent de la littérature de combat, voulant « revenger » l’honneur des femmes.

Le premier texte, La Vrai-disant Avocate des Dames de Jean Marot (1506), composé de 750 vers dédiés à Anne de Bretagne, est singulier puisque Marot cède fictivement sa plume à une femme, par le procédé de la prosopopée. Celle-ci s’en prend aux détracteurs des femmes (premier rondeau), invoque des exemples de mauvais comportements masculins (« Équivoques »), et procède à l’éloge des vertus féminines, dont la Vierge est une preuve infaillible (second Rondeau). Le chant royal glorifie l’immaculée conception de Notre-Dame ainsi que l’ensemble des femmes, puis un nouveau rondeau condamne la Jalousie qui conduit les hommes à blâmer les femmes. La ballade procède à l’éloge de la dédicataire tandis que le rondeau final assure que les femmes vaincront les critiques.

Le texte suivant est la traduction du traité de Henri Corneille Agrippa, initialement imprimé en latin en 1529, intitulé en français De la noblesse et préexcellence du sexe féminin (1530), et également dédié à une femme, Marguerite d’Autriche. Les arguments logiques se mêlent à l’invocation d’exemples, et la conclusion est sans appel : l’infériorité des femmes provient non d’une différence de nature mais d’une coutume, si bien que la « domination tyrannique des hommes » n’a aucune légitimité. Ce texte puissant, qui a eu de nombreux échos à l’époque, est ici pour la première fois publié en français dans une édition moderne.

Dans « La Quatrième épître invective » (1539), Hélisenne de Crenne s’adresse à Élénot, contempteur des femmes, pour condamner sa présomption et lui opposer plusieurs exemples de femmes illustres par leur savoir, issues de l’Antiquité mais aussi du temps présent.

Le texte « Que l’excellence de la femme est plus grande que celle de l’homme » de Charles Estienne (1553) est d’un autre genre, puisqu’il relève du jeu rhétorique du « paradoxe », ce qui ne signifie pas qu’il ne faille lui accorder aucun sérieux. Mêlant arguments d’autorité et exemples de femmes illustres, Estienne insiste sur les vertus féminines, sur les responsabilités masculines ou encore sur l’excellence littéraire de certaines femmes de son temps.

Le Recueil des dames illustres en vertu d’Alexandre Van den Bussche (1575-1576), dont nous trouvons ici la première édition moderne, est, comme son auteur, moins connu et moins étudié. L’auteur s’inscrit dans la lignée des champions des femmes – et de fait, comme l’indique l’introduction, ce texte compile plusieurs sources antiques et contemporaines –, et présente ses exemples en les regroupant sous la vertu qu’ils démontrent : la chasteté, l’amour conjugal, le savoir, la charité et la valeur guerrière se succèdent, illustrées par des exemples organisés chronologiquement, et louées par un sonnet final.

Avec la troisième ode de Madeleine des Roches et « L’agnodice » de sa fille Catherine (1578), nous revenons aux écrits de femmes. La troisième ode de Madeleine est un poème heptasyllabique qui refuse que les femmes soient cantonnées à l’espace domestique et les incite à se saisir de l’encre et de la plume. L’« Agnodice » de Catherine, poème en alexandrins, met en scène une femme qui se déguise en homme pour exercer la médecine et sauver les femmes abandonnées par leurs époux. Condamnée à mort, Agnodice révèle son identité et obtient la pitié des hommes, à qui elle demande de laisser les femmes étudier.

Le « Bref discours que l’excellence de la femme surpasse celle de l’homme, autant récréatif que plein de beaux exemples » de Marie de Romieu (1581) est une réponse à un texte misogyne de son frère Jacques, inspiré du texte de Charles Estienne, mais réinvesti par la locutrice. Ainsi, Marie de Romieu ajoute aux figures bibliques ou antiques dix exemples contemporains, parmi lesquelles les dames des Roches, Hélisenne de Crenne ou Catherine de Médicis.

Le « Discours » de Marguerite de Valois (1614) est une autre parole de femme, mais insérée dans un dispositif énonciatif singulier, puisqu’il est préfacé et commenté par le Jésuite François Loryot. Marguerite de Valois présente, en les numérotant, arguments et exemples qui prouvent l’excellence des femmes. François Loryot propose, en commentaire, une énumération de femmes illustres, dont Marguerite fait partie, mais conclut quant à lui au caractère exceptionnel de ces exemples, expliqué par leur statut social.

Enfin, l’Égalité des hommes et des femmes de Marie de Gournay (1622), entend apporter une perspective nouvelle, en ne défendant plus la supériorité des femmes, mais l’égalité des deux sexes. S’appuyant essentiellement sur des autorités antiques et contemporaines, Marie de Gournay discute elle aussi de l’accès des femmes à la culture et au pouvoir ou encore de leurs prédispositions aux vertus.

             Si la plupart de ces textes bénéficient déjà d’une édition moderne, à laquelle l’éditrice renvoie pour plus d’informations, il n’en reste pas moins que leur mise en série présente plusieurs intérêts indéniables, d’abord la mise en place d’un jeu de ressemblances et différences. Ainsi, la place de l’épisode de la Genèse, ou encore celle d’Aristote, pour statuer sur la question du féminin apparaissent nettement à la lecture de cette anthologie. On observe encore que lorsque les femmes prennent la parole, c’est prioritairement pour défendre leur droit – et leur capacité – à accéder à la culture, prémices indispensables à leur prise de parole elle-même. Les textes peuvent également se faire écho : par exemple, l’importance du texte de Corneille Agrippa est rendue sensible par ses mentions dans les textes suivants. Ainsi, cette anthologie, soignée et agréablement présentée, pourra constituer un important outil pédagogique ainsi qu’un support pour des chercheurs et chercheuses qui s’intéressent à ces questions. Enfin, elle pourra être le lieu d’une découverte, déjà éclairée et éclairante, de textes consacrés à la question, aujourd’hui non résolue et toujours brûlante, des rapports d’inégalités entre les sexes.

Nina Hugot

Rabelais et le théâtre

Nicolas Le Cadet, Rabelais et le théâtre, Paris, Classiques Garnier, 2020, 467 p.

Autant le titre de l’ouvrage, Rabelais et le théâtre, peut déconcerter à première vue, autant son objet s’impose rapidement comme une évidence. Non, pas de scoop à attendre, Nicolas Le Cadet n’exhume pas une pièce de théâtre de Rabelais jusqu’alors inconnue. Il démontre en revanche, avec la rigueur et la précision qui caractérisent ses travaux, à quel point le théâtre infuse l’œuvre de Rabelais, en particulier fictionnelle. Les chroniques pantagruélines doivent beaucoup au théâtre qui en est à la fois une source textuelle, un objet et un mode de représentation. Il suffit de penser au personnage de Triboulet dans le Tiers livre, aux moutons de Panurge du Quart livre, ou encore à tel dialogue fortement dramatisé de Pantagruel ou de Gargantua, si bien qu’on s’étonne a posteriori qu’une telle étude systématique n’ait pas été menée auparavant. Rabelais et le théâtre : la conjonction invite le chercheur, et avec lui son lecteur, à s’interroger sur les différents liens que Rabelais a pu entretenir avec l’art dramatique. Rien n’est exclu du champ d’étude de Nicolas Le Cadet : Rabelais dramaturge, Rabelais comédien, Rabelais lecteur de pièces de théâtre, Rabelais mis en scène. Deux lieux du théâtre s’imposent comme étant les plus féconds : les sources théâtrales du texte rabelaisien d’une part, et l’esthétique dramatique de l’autre. Ils forment les deux parties de l’ouvrage.

Encore faut-il savoir de quel « théâtre » on parle. Dans la première partie de l’ouvrage, Nicolas Le Cadet s’attelle à un patient travail de reconstitution et de distinction des sources dramatiques : théâtre antique, mystères, farces, sotties, monologues et sermons joyeux. On savait Rabelais influencé par l’humanisme, les textes antiques, la Bible, les chroniques médiévales ; Nicolas Le Cadet démontre avec sa pédagogie et sa clarté habituelles tout ce que les romans rabelaisiens doivent au théâtre antique, et surtout médiéval et contemporain. L’influence du théâtre passe par l’allusion à certaines pièces, en premier lieu la Farce de maître Pathelin, mentionnée dans les cinq livres, dont Rabelais pourrait avoir possédé un exemplaire imprimé. Elle passe aussi, implicitement, par la reprise de certains thèmes, de certaines intrigues, voire par un certain esprit commun. Prenons comme seul exemple celui des diableries des mystères, dont s’inspire le récit des aventures de Panurge en Turquie, et de nombreux autres épisodes, même si on peut se demander par endroits si le diable fait toujours la diablerie. Au gré de cette première partie, le lecteur se promène d’une forme théâtrale à l’autre, et d’un livre rabelaisien à l’autre. L’itinéraire met en évidence la contamination des sources, voire des « mélanges esthétiques surprenants » (p. 233) qu’il reste encore à expliquer.

Nicolas Le Cadet s’attache à cette question de l’esthétique dans la seconde partie de l’ouvrage : fiction narrative, chronique, dialogue, récit de voyage, la geste pantagruéline est aussi, d’une certaine manière, théâtre. Les différents chapitres prennent le théâtre tantôt comme objet, tantôt comme forme esthétique. D’un côté, Nicolas Le Cadet s’intéresse aux passages qui présentent une dimension spectaculaire, lorsque Rabelais introduit dans son récit déclamateur et public, ou détaille les costumes de ses personnages. De tels épisodes sont nombreux, à l’image de la harangue de Janotus : la représentation de cette scène, qui renvoie aussi au discours scolastique universitaire, apparaît ainsi médiée par le théâtre, au sens de spectacle. D’un autre côté, Nicolas Le Cadet étudie la forme même prise par le texte, et en particulier la prédilection de Rabelais pour les discours directs et les dialogues, dont la présentation typographique rappelle, par endroits, celle des pièces imprimées. Le narrateur s’efface derrière la voix de ses personnages, comme le roman derrière le théâtre.

Comment faut-il comprendre cette place du théâtre ? La conclusion ouvre à ce sujet plusieurs pistes qu’on aimerait suivre plus longtemps avec l’auteur. Il y a d’une part, chez Rabelais, un art consommé de la contamination, qui invite à s’interroger sur l’articulation du dramatique et du narratif, sur la place d’autres modèles accordant une place à l’oralité (dialogues, discours), et plus généralement sur le rôle relatif de chacun des genres dans l’élaboration de la fiction rabelaisienne. La place du théâtre, d’autre part, invite à réévaluer les modes de réception du texte rabelaisien, et en particulier les modes de lecture oraux dont se sont emparés certains metteurs en scène contemporains. L’omniprésence de la référence théâtrale s’explique-t-elle par la destination orale première de l’œuvre ?

Ce pourrait être là la matière d’un autre livre. Celui-ci a déjà amplement atteint ses objectifs : éclairer sous un autre jour de nombreux épisodes des cinq livres dans autant de précises et minutieuses explications de texte, redonner au théâtre sa juste place aux côtés des autres genres contaminant la geste pantagruéline, et enfin documenter les relations entre œuvre dramatique et œuvre narrative, entre Moyen Âge et Renaissance, au-delà des ruptures traditionnelles. Saluons, pour terminer, la qualité des index (des noms, des notions, et des chapitres analysés) qui font de Rabelais et le théâtre un ouvrage aussi commode qu’utile.

Adeline Desbois-Ientile

La Quinzaine dU bartas

L’œuvre de Guillaume de Salluste, sieur Du Bartas (1544-1590), constitue un jalon essentiel de l’histoire de la poésie d’expression française. Le poète gascon a fait en particulier du genre de l’hexaméron une des matrices littéraires les plus fécondes de la charnière des XVIe et XVIIe siècles. Sa (première) Sepmaine, qui prend comme argument la création du monde et de l’homme, puis sa Seconde Semaine, qui entendait pour sa part retracer l’histoire de l’humanité, depuis Adam et Ève au jardin d’Éden jusqu’à l’Apocalypse et au Jugement dernier, ont été d’immenses succès de librairie. Elles ont été commentées, traduites et même parfois imitées en France et dans toute l’Europe et elles ont de fait longtemps occupé une place de choix dans beaucoup de bibliothèques privées, où elles jouaient le rôle d’une sorte d’« encyclopédie universalis » cautionnée par la Bible et agrémentée du charme propre à la poésie. Qu’on les ait lues in extenso ou pas, peu importe, elles constituaient un marqueur social, un gage de savoir pour un lectorat lettré en pleine expansion. Après avoir connu un purgatoire critique depuis la fin du XVIIIe siècle, les Semaines de Du Bartas ont suscité un nouvel intérêt dans la seconde moitié du XXe et les premières années du XXIe siècle, les entreprises éditoriales successivement dirigées par Yvonne Bellenger et par Jean Céard ayant joué un rôle capital dans cette redécouverte essentiellement universitaire. Il faut aussitôt ajouter que la « re-canonisation » tardive de La (première) Sepmaine (1578), s’est en partie faite aux dépens d’une seconde Semaine (1584), dont seuls les deux premiers jours étaient parus du vivant de Du Bartas, plus tard complétés de quelques « suites », offrant deux nouvelles journées publiées entre 1588 et 1603 à partir de différents manuscrits en circulation. Deux semaines donc, mais neuf jours entièrement rédigés et publiés, deux autres largement ébauchés et laissés manuscrits, et quatre autres laissés à l’imagination des lecteurs, soit une « quinzaine » inachevée, qui constitue une des œuvres poétiques en français les plus ambitieuses de son époque, une œuvre-monde, qui mérite à ce titre d’être envisagée comme le tout qu’elle aurait dû constituer sans la mort précoce de son auteur.

C’est le pari ambitieux que fait Frank Lestringant dans ce livre au titre-programme, La Quinzaine Du Bartas, qui est le premier depuis très longtemps (Y. Bellenger, Du Bartas et ses divines Semaines, 1993) à être consacré à cet ensemble monumental (La Sepmaine, La Seconde Semaine, Les Suittes). Reprenant en partie la méthode qui lui avait permis d’éclairer la composition d’ensemble des Tragiques dans un précédent essai (L’Architecture des Tragiques d’Agrippa d’Aubigné, 2013), il fait ici le choix d’une lecture analytique, se poursuivant en quelques sortes « au jour le jour », non sans avoir, dans un souci de cohérence méthodologique, borné son propos d’une mise en contexte historique et historiographique, qui éclaire d’abord la situation du poème, ainsi que d’une ouverture finale, où il met en regard une série d’imitateurs du poète gascon aussi passionnants que méconnus (Guillaume de Chevalier, Augier Gaillard, Michel Quillian et Jude Serclier). Avec un véritable bonheur d’écriture, que traduisent titres et sous-titres (« Campagne et salade », « monde resserré, monde lessivé », « tétralogie bancale », etc.), Frank Lestringant entraîne le lecteur avec lui dans une lecture, ou bien une relecture, de cette œuvre qu’on conseillera d’avoir à portée de main, de façon à progresser au même rythme que le commentateur, en passant d’un livre à l’autre. Une œuvre encyclopédique comme celle-là exige certes une compétence encyclopédique, et Frank Lestringant mobilise avec talent toutes sortes d’écrivains (théologiens, cosmographes, philosophes, etc.) pour étayer ses commentaires, mais il ne cherche pas à jouer les Simon Goulart ou les Pantaléon Thévenin (la place est déjà prise) ou bien à rivaliser avec les éditeurs savants qui le précèdent. Il ne s’agit pas en effet pour lui de s’enfermer dans une lecture de détail, de scruter le texte, mais plutôt de signaler des lignes de force, de mettre l’accent sur des passages méconnus, et surtout d’interroger sans relâche le projet d’ensemble de Du Bartas, en faisant valoir aussi bien ses réussites que ses échecs, ses débouchés que ses impasses, ses banalités que ses hardiesses. Et de ce point de vue, ce livre manifeste bien la situation actuelle des Semaines de Du Bartas au sein des études littéraires : elles sont bien présentes, mais plus comme une de ces curiosités qu’on observait de loin avec un peu de crainte (devant son érudition écrasante) ou de condescendance (face à cette muse didactique souvent reléguée au second plan), parce qu’elles nous resteraient foncièrement étrangères, mais comme un de ses grands textes générant de nouvelles lectures. C’est aussi en cela qu’il s’agit d’un « organisme vivant » pour reprendre la formule de Frank Lestringant, c’est-à-dire d’un poème, tout simplement. Gageons que tous les chemins frayés dans cet ouvrage d’une grande générosité intellectuelle seront bientôt empruntés par une nouvelle génération de chercheuses et de chercheurs. Ce ne sera pas sa moindre utilité.

Julien Goeury

Diane en son paradis d’Anet

Diane en son paradis d’Anet. Tapisseries et vitraux de l’Histoire de Diane du château d’Anet, programme et dessins, sous la direction de Dominique Cordellier, Luisa Capodieci, Paul-Victor Desarbres, Françoise Gatouillat, Cécile Scailliérez, avec la collaboration de Clara Marsal, Paris, Le Passage, 2021, 253 pages.

C’est un très beau livre, magnifiquement illustré, que les éditions Le Passage offrent à leurs lecteurs avec cette « Diane en son paradis d’Anet ». Ce titre souligne avec subtilité et précision la thématique de cet ouvrage qui ne souhaite pas écrire une nouvelle biographie de Diane de Poitiers ni retracer l’histoire de l’édifice du château d’Anet, blotti entre la forêt de Dreux et la vallée de l’Eure. Cet ouvrage cherche plutôt à interroger à nouveaux frais la personnalité de Diane qui habitait ce château au temps de la Renaissance. Était-ce Diane de Poitiers, veuve de Louis de Brézé depuis 1531 et favorite d’Henri II, qui était la maîtresse de ce lieu idyllique ? Ce fut elle en effet qui fit édifier, à partir de 1547, ce château hors du commun qui donnait, entre autres caractères, du relief à l’apparat de son deuil. À moins que ce soit une autre Diane, la chasseresse des Anciens, dont la superbe figure, coïncidait bien avec celle de la favorite ? C’est cette déesse vive et farouche qui apparait en tout cas, comme le soulignent bien les auteurs de ce livre, dans les deux grands cycles narratifs du château : celui de la Tenture de Diane et celui, depuis trop longtemps négligé et méconnu, des vitraux en émail blanc des salles et chambres du premier étage du château d’Anet.

De manière inédite, ce bel ouvrage, qui conjugue les recherches d’historiens du dessin, de la littérature, de la peinture et du vitrail, s’attache à ces deux ensembles. Au fil de trois parties très bien équilibrées, il les reconstitue, en examine les sources et en évalue la portée. Les auteurs exposent par exemple avec soin le programme des tapisseries et dévoilent le nom de l’auteur, le poète Jacques de Vintimille, précurseur de la Pléiade. Le livre montre également que Charles Carmoy, peintre cité par Rabelais dans son Pantagruel, a sans nul doute donné des dessins et des cartons à Anet. Il a également secondé le plus grand peintre de l’école de Fontainebleau, Francesco Primaticcio, dit Primatice, pour établir les patrons des vitraux.

Avec une régularité tout à fait remarquable, les illustrations ponctuent le texte et aident le lecteur à déchiffrer les œuvres du château d’Anet. Surtout, l’ouvrage offre une lecture neuve et passionnante du mythe de Diane à Anet, en démontrant qu’il prend place au cœur d’un dispositif chiffré, héraldique, emblématique et poétique qui permet à Diane de Poitiers de revêtir, au bénéfice de son roi, la panoplie esthétique et symbolique de la déesse.

Marie Barral-Baron

Université de Franche-Comté

« Le Mariage de l’estude du droict avec les lettres humaines ». L’œuvre de Louis Le Caron Charondas

Stéphan Geonget, « Le Mariage de l’estude du droict avec les lettres humaines ». L’œuvre de Louis Le Caron Charondas, « Travaux d’Humanisme et Renaissance » n° 617, Genève, Droz, 2021, 557 p.

Louis Le Caron, alias Charondas (il prit ce surnom en référence à l’antique législateur de Sicile) est né entre 1534 et 1536, et mort en 1613. Les occasions de le croiser sont nombreuses pour les seiziémistes, qu’ils s’intéressent à la littérature, au droit, au dialogue philosophique, ou encore à la poésie. Mais il manquait jusqu’ici une étude globale qui fasse le point sur les différentes dimensions de cette œuvre abondante et diverse, et qui en révèle la cohérence profonde. C’est chose faite avec le livre très riche de Stéphan Geonget, dont le titre (une formule empruntée à Estienne Pasquier, qui fut son ami) indique le projet : montrer que Le Caron ne fut pas un simple polygraphe qui se serait contenté d’accumuler les ouvrages, mais bien un humaniste original dont la pensée est cohérente. Louis Le Caron a voulu en effet réaliser le « mariage » intime du droit et de la littérature, dans une œuvre aux multiples facettes. Sa connaissance du droit irrigue ainsi sa création littéraire et sa philosophie, et elle étaye aussi son engagement politique, aux côtés des catholiques royalistes et gallicans. Chez Le Caron se rejoignent l’ambition encyclopédique d’un Budé ou d’un Rabelais, et le désir d’illustrer la langue française professé par un Du Bellay. Le Caron participe en outre du zèle antiquaire et patriotique d’un Fauchet ou d’un Pasquier en s’attachant à mieux faire connaître le patrimoine immatériel de la France, à travers la recension de sa jurisprudence et de ses coutumes.

On connaissait déjà le talent de Stéphan Geonget pour rendre accessibles les écrivains-juristes de la Renaissance, de Jean de Coras à Jean Papon ou André Tiraqueau. Ces qualités se retrouvent dans ce livre imposant, qui malgré son érudition n’a rien de rébarbatif tant son écriture est vivante et ses angles d’attaques variés. La composition du livre est dynamique et attrayante. La première partie expose d’abord les choix esthétiques et idéologiques de Louis Le Caron, et elle s’attache à dégager ce qui fait la spécificité de son humanisme : un certain féminisme, des préoccupations sociales, le choix de l’engagement civique, un souci de la pédagogie et de la diffusion des disciplines, tout autant que l’adhésion au mouvement plus général de l’humanisme juridique et littéraire en faveur de la restitution des disciplines et des textes antiques dans leur pureté. Après cette ouverture programmatique, nous sommes conduits vers les positions plus techniques adoptées par Le Caron juriste, dont l’auteur nous expose les subtilités avec pédagogie. Influencé par François Le Douaren et François Baudouin, Le Caron se rattache à l’école de Bourges, où le mos gallicus se distinguait par un souci de clarté, de méthode, par l’ouverture aux lettres humaines tout autant qu’aux sources proprement juridiques, et par la croyance à la raison et au progrès. Au cours de sa vie, Le Caron participe à tous les mouvements intellectuels ou artistiques de la France du XVIe siècle, que l’on a plaisir à revivre en suivant son itinéraire : le néo-platonisme des années 1550, lancé par l’Olive de Du Bellay, s’exprime dans sa Poésie (1554), alors qu’il s’inscrit pleinement dans la poétique de la jeune Pléiade. Après cette redécouverte de l’Antiquité païenne viendra toutefois le retour vers le christianisme, sous le règne d’Henri III. C’est alors aussi que Le Caron se place à l’avant-garde du stoïcisme chrétien, à l’unisson d’un Du Vair ou d’un Lipse (plusieurs éditions récentes des œuvres de ces philosophes pourraient d’ailleurs permettre de préciser les influences croisées qui s’établissent alors entre les œuvres de ces différents « néostoïciens »). Le Caron participe enfin à l’essor de la chasse aux sorcières qui s’intensifie à la fin du siècle, se révélant, malheureusement, plus proche des magistrats inquisiteurs jadis étudiés par Robert Mandrou, que des positions plus modernes d’un Jean Wier ou d’un Montaigne (que le Caron prend un malin plaisir à ne jamais citer, même s’il est probable qu’il l’ait lu).

La deuxième partie envisage Le Caron dans ses rapports avec la littérature. L’histoire de son nom de plume (« Charondas ») est lié à une légende familiale (l’un de ses ancêtres serait venu de Grèce avec Bessarion, lors de l’arrivée décisive des hellénistes de la première Renaissance).  Mais la création d’un nom de plume symbolique exprimerait aussi la volonté d’effacer par la célébrité une origine roturière que sa carrière de magistrat ne parvenait pas assez à rendre assez illustre. Le Caron met donc un point d’honneur à se faire connaître par une abondance production, à la fois dans la jurisprudence et dans la littérature, dans la prose et dans la poésie. Il multiplie les œuvres et son ambition outrepasse même de beaucoup les livres effectivement retrouvés, comme l’auteur nous le montre avec humour dans un merveilleux catalogue des « livres perdus ou références fictives ». Le Caron, au même titre que Pasquier, fait assurément partie des grands auteurs de dialogues du XVIe siècle français. Sa tentative la plus originale pour marier droit et lettres s’exprime dans un dialogue étonnant, La Claire ou de la prudence de droit (1554). Contemporain de Ramus, de Bodin et de Du Vair, Le Caron est comme eux l’un des pionniers de la philosophie en langue française. La Philosophie (1555), les Dialogues (1556) et les Questions diverses et discours (1583) sont ici envisagés sous le signe de la recherche d’une littérature vertueuse et exemplaire, dans la veine d’un Pibrac. C’est ensuite au cœur même du corpus juridique, en particulier dans les arrêts mémorables, que Stéphan Geonget nous fait goûter le plaisir de la narration qui emporte souvent la plume de Le Caron.

La troisième partie du livre revient à la chronologie avec les années de la Ligue, où Le Caron embrasse résolument la cause des « Politiques », défendant un pouvoir royal fort, le respect de la loi salique, mais aussi le rôle du Parlement de Paris, et les libertés de l’Église gallicane, à l’instar de son ami Pasquier, dont il partage la défiance envers les jésuites. La défense et illustration de la langue nationale, notamment par la création de nombreux néologismes, s’inscrit dans ce projet patriote, et Le Caron marche jusqu’à la fin de sa vie dans les pas de Tory, Rabelais et Du Bellay.

Cette vaste étude redonne vie à l’œuvre foisonnante de Louis Charondas Le Caron, dont elle donne à lire de nombreux extraits en les contextualisant et en les expliquant. La lecture en est instructive, claire, et souvent facilitée par un humour bienvenu dans ces matières érudites, et que n’aurait sans doute pas renié ce digne représentant de la basoche. La bibliographie recense pour la première fois une centaine d’éditions de ses différentes œuvres, entre 1553 et 1638, ainsi que les études critiques qui lui ont été consacrées.

Alexandre Tarrête

Formes, emplois et évolution du livret de ballet de la Renaissance à nos jours

Formes, emplois et évolution du livret de ballet de la Renaissance à nos jours

Sous la direction de Marie Cléren, Caroline Mounier-Vehier, Laura Soudy-Quazuguel et Céline Torrent.

Paris, Classiques Garnier, coll. Rencontres n° 521, octobre 2021, 268 pages.

Après une élégante préface de J. Guizérix, l’ouvrage aborde l’évolution du livret de ballet dans le contexte culturel et politique où il s’insère et dans son rapport à la création chorégraphique. Cinq parties sont censées en déployer les avatars chronologiques.

Le balletomane averti pourra aisément se dispenser de lire la première. Non seulement elle aboutit à une aporie de la définition du livret mais elle fait fi de ses origines. Les textes versifiés de la Renaissance ne font l’objet d’aucune étude spécifique, pas même les plus exceptionnels d’entre eux : le livret de Magnificentissimi spectaculi composé par Dorat où le latin joue un rôle diplomatique, ni celui que Marcellin Allard rédige en patois forézien, soucieux d’en fixer l’orthographe pour l’élever au rang de langue poétique. Par ailleurs, si les auteurs s’accordent à reconnaître aux livrets une valeur esthétique, aucun ne leur applique les techniques d’analyse littéraire. S’agissant notamment de Don Juan, nulle comparaison n’est établie entre la tragi-comédie de Molière, le livret d’opéra signé Da Ponte, le livret de ballet conçu par Angiolini et sa réécriture par M.-G. Massé.

Au contraire, la deuxième partie vaut qu’on lui prête attention, qui traite des XVIIe et XVIIIe siècles. À elle seule, elle pourrait justifier l’achat de cet ouvrage. M.-C. Canova-Green envisage l’impact du livret de ballet dans et hors de l’espace curial comme support de la propagande monarchique. C. Nédelec interroge les registres d’écriture qui donnent au livret des tonalités tour à tour grotesques ou burlesques. M. Demeilliez évoque la mutation des livrets en programmes présentant les ballets dansés dans les collèges jésuites. M.-Th. Mourey, spécialiste de l’espace germanique, étudie les formes et les fonctions que revêtent les livrets comme traces écrites de performances éphémères. Si ces articles offrent toute la rigueur d’une recherche universitaire, précise et documentée, on regrette toutefois qu’une place plus importante n’ait été faite à Bensérade dont les textes ont servi de trame aux ballets commandités par Louis xiv pendant vingt-cinq ans.

La troisième partie retrace les tribulations du livret au XIXe siècle et au début du XXe. Après un article fort intéressant de V. Olivesi consacré à Pierre Gardel, concepteur du programme de Psyché en 1790 (est-on déjà au XIXe siècle ?), le travail d’É. Fissier sur les livrets de ballets du Théâtre Impérial soulève plus de questions qu’il n’en résout : ainsi l’auteur qui s’interroge sur leur genre littéraire oublie de vérifier si leur vocabulaire appartient au champ lexical du théâtre ou à celui de la danse. Quant à S. Jacq-Mioche, elle s’évertue à démontrer que les ballets blancs de Fokine, Lifar et Balanchine ne correspondent à aucun livret, ce que tout le monde savait depuis longtemps. En revanche, personne ne se penche sur les livrets de ballets symphoniques, comme celui de la Belle au Bois Dormant dans lequel Petipa, à l’adresse de Tchaïkovski, précise (en français) le nombre de mesures à prévoir pour chaque variation et développe une maquette du spectacle en gestation…

Originales sont les courtes monographies qui composent la quatrième partie. Elles retracent la manière dont les chorégraphes contemporaines Pina Bausch et Maguy Marin introduisent le livret dans leur processus de création artistique. La plus surprenante est signée de M. Cléren qui fait découvrir au lecteur les livrets dessinés par André Hellé.

La cinquième partie est un pêle-mêle. S’y trouvent consignés des entretiens avec des danseurs-chorégraphes reconnus pour leur compétence, Jean Guizérix, Nicolas Le Riche et Ingrid Thobois. Pour intéressants que soient leurs témoignages, ils auraient dû figurer en annexes afin de préserver l’unité du propos. Car s’ils étoffent la thématique, ils se dérobent à la problématique au point que l’épilogue qui tient lieu de conclusion n’en fait même pas état.

Alors que l’empan chronologique tel qu’annoncé dans le titre n’a pas toujours été respecté par les auteurs, que dire de l’espace géographique ? C’est juste avant le point final qu’apparaît le mot « France » sans que l’on sache s’il renvoie à des limites territoriales ou linguistiques. Dans un cas comme dans l’autre, il invalide les incursions italiennes d’A. Fabbricatore et disqualifie de facto l’article de M.-Th. Mourey en le plaçant hors sujet. Quel dommage !

Marie-Joëlle Louison-Lassablière

La musica nel mecenatismo di Ippolito II d’Este

Giuliano Danieli, La musica nel mecenatismo di Ippolito II d’Este, Lucques, De Sono-LIM, 2018.

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Le livre de Giuliano Danieli, La musique dans le mécénat d’Hippolyte II d’Este, est le remaniement d’un brillant mémoire de laurea magistrale préparé à l’Université de Rome La Sapienza sous la direction du professeur Franco Piperno. Cet ouvrage, fruit de longues recherches sur les documents comptables du cardinal de Ferrare Hippolyte II d’Este (1509-1572), conservés dans les Archives d’État de Modène[1], enrichit notablement l’étude des rapports des cardinaux de la Renaissance avec l’art musical[2], en particulier concernant l’un des plus éminent membres de la famille d’Este[3]. Hippolyte, fils du duc de Ferrare Alphonse Ier, frère du duc Hercule II et oncle du cardinal Luigi d’Este, reçoit le chapeau cardinalice en 1539 des mains du pape Paul III Farnèse et devient protecteur de France en 1548. Pendant la même période, le prélat devient gouverneur de Tivoli grâce au pape Jules III et joue en 1561 un rôle de médiateur, sans succès, entre les princes catholiques européens et la couronne de France à la veille de la première guerre de Religion.

Giuliano Danieli a une approche interdisciplinaire de l’histoire de la musique qui combine histoire sociale et histoire économique des musiciens. Cette perspective conjugue, d’une part, synthèse biographique et étude des lieux (palais, jardins, villégiatures) et de la mobilité (du mécène, des musiciens, des instruments de musique et des répertoires musicaux) et, d’autre part, examen des pratiques socio-politiques (fêtes publiques et privées, banquets, dîners, spectacles, entrées, divertissements) et analyse des musiques dédiées au cardinal (un livre de motets, un recueil de madrigaux ainsi que cinq motets encomiastiques).

Cette méthode lui permet de reconstituer les réseaux qui se forment autour du cardinal et d’établir une typologie des musiciens de son entourage : salariés, occasionnels, « spisanti » (défrayés avec logement et nourriture) ou simples dédicateurs de recueils de musique comme l’espagnol Cristóbal de Morales (1500-1553). Se dévoile alors l’hétérogénéité des fonctions et des dynamiques de recrutement des musiciens qui bénéficiaient de la protection de ce patron. D’où l’importance d’étudier précisément les paiements qui leur étaient adressés. En effet, le prélat recrute, recommande ou « prête » des musiciens à d’autres princes et fait office d’intermédiaire pour des affaires personnelles. Le mécénat permet donc la circulation des musiciens et la diffusion des répertoires musicaux, lesquelles favorisent les échanges culturels entre les villes et les nations : le voyage devient ainsi le moteur de la transformation sociale.

L’étude du mécénat de la cour du cardinal Hippolyte II montre aussi le polycentrisme de la famille d’Este où s’insèrent les stratégies d’autopromotion du prélat. Les logiques familiales se superposent aux logiques politiques et créent des espaces spécifiques pour la production musicale. C’est ici que la musique joue un rôle majeur en tant qu’élément principal de la magnificence du prince, c’est-à-dire de l’art de savoir dépenser et se distinguer dans le but de construire une image de soi splendide et singulière permettant d’affirmer sa position politique dans une situation déterminée. Cette volonté de renforcer l’esthétisation du quotidien par le biais d’objets sonores est particulière chez les cardinaux-princes. Le cas de figure présenté par Giuliano Danieli permet de brosser un modèle plus complet de ce type de cardinal pour la période moderne.

L’objet sonore est donc une composante essentielle dans la construction de l’identité nobiliaire. La francisation de la cour du cardinal Hippolyte entre 1540 et 1551, avec la présence de « cantorini francesi », puis sa romanisation à partir de 1564, peuvent être comprises comme des signes politiques et culturels ; le déclin politique du prélat à partir de 1555 étant inversement proportionnel à sa volonté d’accroître le prestige de sa cour à Tivoli à la fin de sa vie.

L’examen de l’évolution de l’entourage musical du cardinal est également l’un des points forts de cet ouvrage. Apparaissent alors quelques noms célèbres comme Adriano Willaert (1490-1562), « cantore » salarié entre 1524 et 1525, Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1595), maître de chapelle du cardinal Hippolyte entre 1567 et 1572, Nicola Vicentino « Cromatico » (1511-1576), qui dédie au prélat son Antica musica ridotta alla moderna prattica de 1555 ou Lorenzo Tracetti (c. 1551-1608), l’un des plus importants joueurs de luth de son temps, salarié de 1570 à 1572[4].

Outre les musiciens, l’auteur nous donne de précieuses informations sur les pratiques musicales de la cour de ce cardinal mélomane (intermezzi, madrigaux, musiques pour luth, flûte, cornet à bouquin ou viole de gambe) et l’acquisition par ce dernier d’instruments de musique (plusieurs clavecins en 1535 et 1549 ainsi que des luths en 1561). L’auteur montre par-là les particularités culturelles et les singularités structurelles de ce type de cour.

Le livre de Giuliano Danieli révèle ainsi le lien entre mécénat, politique et culture. Il inscrit les parcours individuels des musiciens avec les évolutions sociopolitiques qui ont marqué la vie de l’un des mécènes les plus intéressants du xvie siècle.

Jorge Morales

Centre d’études supérieures de la Renaissance


[1] Archives « sans doute parmi les plus riches et les mieux conservées d’Italie » selon Olivier Poncet, La France et le pouvoir pontifical (15911661). L’esprit des institutions, Rome, École française de Rome, 2011, p. 860.

[2] Voir en particulier L. Loockwood, « Adrian Willaert and Cardinal Ippolito I d’Este : New Light on Willaert’s Early Career in Italy, 1515-1521 », Early Music History, n° 5, 1985, p. 85-112 ; A. Pugliese, « Dizionario dei musicisti alla corte del cardinale Ippolito II d’Este negli anni 1565-1572 », in Palestrina e l’Europa, éd. G. Rostirolla, S. Soldati, E. Zomparelli, Palestrina, Fondazione Pierluigi da Palestrina, 2006, p. 81-114 ; Ph. Canghilhelm, « Cardinaux musiciens, cardinaux mélomanes, entre France et Italie », in Les cardinaux de la Renaissance et la modernité artistique, éd. F. Lemerle, Y. Pauwels, G. Toscano, Lille, CEGES, 2009, p. 277-288, G. Filocamo ; « Bambino “in quella maledetta Ungaria” : Ippolito I d’Este e la musica strumentale », Studi musicali. Nuova serie, n° 2/1, 2011, p. 7-24 et A. Pugliese, « Musica e musicisti alla corte di Ippolito II d’Este », in Ippolito II d’Este : cardinale, principe, mecenate, éd. M. Cogotti, F. P. Fiore, Rome, De Luca, 2013, p. 475-490.

[3] Voir G. Moroni, « Este (d’) Ippolito, Cardinale detto II », Dizionario di erudizione storico-ecclesiastica, Venise, Emiliana, 1843, vol. XXII, p. 105-106 ; M. Hollingsworth, « A Cardinal in Rome : Ippolito d’Este in 1560 », in Art and Identity in Early Modern Rome, éd. J. Burke, M. Bury, Aldershot, Ashgate, 2008, p. 81-94 ; G. Ricci, « Cardinaux de famille et État seigneurial en Italie entre xve et xvie siècle : Hippolyte Ier et Louis d’Este », in Église et État. Évêques et cardinaux princiers et curiaux (xive-début xvie siècle) : des acteurs du pouvoir, éd. M. Maillard-Luypaert, A. Marchandisse, B. Schnerb, Turnhout, Brepols, 2017, p. 227-236 et Jean Sénié, « Une affaire de famille : les enjeux politiques des héritages de la maison d’Este »,Mélanges de l’École française de Rome, n° 131/1, 2019, p. 357-370.

[4] L’engouement pour la musique pour luth ainsi que pour les luthistes sera conservé au xviie siècle, ainsi que le montre le patronage musical du cardinal Alessandro d’Este de Modène (1568-1624), neveu d’Hippolyte II. Voir J. Morales, « Entre Ferrare, Modène et Rome. Musique, sociabilité et politique dans le patronage du cardinal Alessandro d’Este », Dix-septième siècle, 2021 (sous presse).

Sous la leçon des vents. Le monde d’André Thevet

 

Frank Lestringant, Sous la leçon des vents. Le monde d’André Thevet, cosmographe de la Renaissance, Paris, Classiques Garnier, « Géographies du monde », 2ème édition mise à jour et augmentée, 2021. Un vol. in-8° de 642 p. 33 illustrations.

 

Consacré au cosmographe André Thevet (1516-1592), ce volume s’ordonne selon les quatre vents de la mappemonde. La première partie replace Thevet en son siècle, à l’ombre des derniers Valois et sous la protection des Guises, qui favorisèrent ce franciscain autodidacte. Le deuxième volet concerne l’Orient méditerranéen, de Zante ou Zakynthos jusqu’à La Soltane de Gabriel Bounin et à la Cornélie de Robert Garnier ; le troisième explore le monde des grandes navigations, de Ca’ da Mosto à Villegagnon et de Cartier à Champlain ; le quatrième dégage des « leçons de plein vent », qui nous conduisent à l’éparpillement des îles sur la mer : tel est le Grand Insulaire ou atlas des îles du monde, auquel aboutit l’œuvre.

Ce copieux volume distribué en vingt chapitres n’est pas seulement la réédition d’un livre publié en 2003 et depuis longtemps épuisé, mais sa reprise, complétée, corrigée et augmentée de trois nouveaux chapitres, « Le Paris des cosmographes », « Vrai portrait et vie de Jean Clopinel, dit de Meung », « Animaux qui vivent de vent », ample fresque qui s’ouvre par une escale à Socotora et s’achève par le sacre de l’hybride dans La Tentation de saint Antoine de Flaubert, où se glisse le bradype, censé se nourrir de vent. Le livre inclut un parcours chronologique par les documents d’archives et une substantielle bibliographie critique, dûment mise à jour.

En feuilletant ce livre, on apprend tout d’abord que le titre Sous la leçon des vents en est emprunté à Thevet lui-même, qui a tiré cette expression de Fernandez de Oviedo y Valdès, l’auteur de L’Histoire naturelle des Indes. Ensuite, la chronologie est enrichie de faits nouveaux. Les ajouts concernent la vie même d’André Thevet. Par exemple, son protestantisme ou plutôt sa passade protestante ne fait plus guère de doute, dès lors que son amitié avec Jacques Grévin est prouvée, par une déclaration précoce de celui-ci, de même que son désir de passer en Angleterre, désir vite abandonné alors que se dessinait la perspective des guerres de Religion, et un peu plus tard, par le détour du Brésil ou plutôt de la France Antarctique, sa nomination au poste de cosmographe du roi. Le Second discours de Jacques Grévin sur les vertus et facultez de l’Antimoine, qui paraît en 1567, annonce la Cosmographie universelle, « laquelle en bref il doit mettre en lumiere ». Préparé en collaboration avec François de Belleforest, avec lequel Thevet ne tarde pas à se fâcher, cet ouvrage ne sera publié en fait qu’en 1575, c’est-à-dire une dizaine d’années plus tard.

On relira avec plaisir « La flèche du Patagon ou la preuve des lointains », qui rappelle de quelle manière Thevet, pour justifier ses dires, s’appuyait sur un riche cabinet de curiosités, où figuraient aussi bien des monstres horrifiques empaillés que des pierres rares et précieuses, un bec de toucan, une peau de crocodile, des peaux de serpents et diverses plumasseries venues pour la plupart du Brésil. À côté de ces monstres et prodiges, Thevet conservait quelques manuscrits précieux, dont le Codex Mendoza, un manuscrit aztèque à peintures aujourd’hui à la Bodleian Library d’Oxford.

Ensuite les récents sondages dans les principales bibliothèques d’Europe révèlent que cette œuvre s’est mieux diffusée qu’on ne l’a dit. Les « Thevetiana », qui complètent ce volume, chronologie de la réception de Thevet du XVIe au XIXe siècle, ont été substantiellement augmentés, passant de 34 pages dans la première édition à 62 pages, dans un format, il est vrai, légèrement réduit. Non pas que le nombre d’éditions ou de livres consultés ait véritablement doublé, mais la mise en ligne de la plupart des ouvrages anciens permet aujourd’hui de mieux comprendre la réception ancienne d’André Thevet, réception moins hostile qu’il pouvait d’abord sembler.

Au total, un ensemble riche et ouvert, qui appelle de jeunes talents pour reprendre la tâche. Le style de Thevet, en particulier, demande de nouveaux exégètes, et sa propension à satiriser ses concurrents réels ou supposés. Il y a de la verve célinienne dans ces plaintes réitérées qui festonnent ces derniers ouvrages, parmi lesquels Le Grand Insulaire et pilotage en cours de publication, vaste atlas inédit qui aurait dû comprendre toutes les îles du monde connu.

 

Adeline Lionetto

Sorbonne Université

Clément Marot, Les Épîtres

Clément Marot

Les Épîtres

 

éd. Guillaume Berthon et Jean-Charles Monferran

 

 

Ce fort volume met à la disposition d’un public de lecteurs et lectrices de poésie de la Renaissance un choix de poèmes de Clément Marot sans équivalent éditorial. Cette anthologie donne en effet accès à l’œuvre de Marot à partir de l’unité d’un « genre » (p. 10), celle de l’épître en vers, et de l’« histoire » (ibid.) de ses réalisations au fil des contextes de publication, du vivant de Marot ou peu après sa mort. La préface précise de quelle façon, selon les éditeurs G. Berthon et J.-Ch. Monferran, l’épître marotique figure au long du règne de François Ier le « portrait mobile » du poète (p. 25) tandis qu’il se joue des conventions du service de plume. Le titre retenu, Les Épîtres, emprunte la désignation de ces pièces par le poète lui-même dans les tables de ses recueils. Tourné vers un public non nécessairement spécialiste de la poésie de la Renaissance, notamment estudiantin, le volume repose cependant sur une enquête matérielle de première main et la maîtrise de la tradition éditoriale marotique, ce qui en fait en même temps un instrument d’étude savant.

En guise d’introduction à la lecture de Marot, cette édition donne désormais une alternative aux éditions de poche de L’Adolescence clémentine (éd. Fr. Roudaut, L.G.F. « Le Livre de poche », 2005, ou éd. Fr. Lestringant, nrf Poésie / Gallimard, 1987). Dans la tradition philologique, elle se situe à un carrefour critique des entreprises des soixante dernières années. En dépit du choix de l’unité générique, la présente édition repose sur un programme, des principes, une liste des pièces retenues, des états textuels qui la distinguent du volume publié sous le même titre par C. A. Mayer en 1958 dans le cadre de la publication des œuvres complètes de Marot en quatre volumes. Le présent ouvrage, concerté dans ses moindres détails, se montre en revanche fidèle à certains gestes de Marot éditeur de ses Œuvres en 1538, ainsi qu’à l’option d’une édition bi-partite dans la lignée des Œuvres poétiques par G. Defaux (1990-1993), tout en renouvelant l’agencement, certaines leçons textuelles et en partie l’annotation érudite. Les interventions des éditeurs prennent ainsi davantage le risque de l’actualisation, au bénéfice du public de 2021, que dans les Œuvres complètes par Fr. Rigolot (2007-2009).

L’édition conjoint lisibilité pédagogique et engagement philologique. Les choix sont explicités avec minutie dans une « note sur l’édition » (p. 29-38) ainsi que par l’architecture ordonnant les poèmes et qui détermine les titres courants. La première section comprend les quarante-et-une épîtres parues sous ce terme en 1538, dans la dernière édition que le poète supervise de ses Œuvres, distribuées entre L’Adolescence clémentine et la Suite de l’Adolescence clémentine. Une seconde section de vingt-huit pièces, intitulée « Autres épîtres (1534-1548) », rassemble des épîtres dispersées dans des manuscrits et des imprimés, eux-mêmes parfois posthumes (notamment les éditions lyonnaises de 1549 et 1550), l’ensemble participant du corpus marotique élaboré au XVIe siècle. À l’imitation de l’ordre chronologique suivi par le poète en 1538, les éditeurs proposent un classement par date supposée de composition, en quatre contextes : Ferrare (1534-1536), Venise (1536), France (1536-1542), Genève, Savoie, Piémont (1542-1544). La définition du corpus des épîtres a été reprise à nouveaux frais : G. Berthon et J.-Ch. Monferran explicitent les critères génériques qui ont guidé l’élaboration de cette seconde section, justifiant leur choix de retenir ou non des pièces proches de l’épître en vers telle qu’ils la caractérisent. Enfin, une annexe donne trois pièces d’attribution incertaine que les éditeurs du volume ont des raisons d’attribuer à Marot. Ce faisant, ils retranchent neuf épîtres de la tradition marotique, arguments à l’appui.

Suivant les principes de la collection nrf Poésie / Gallimard, la graphie est modernisée et le texte est suivi par un dossier. Ce dernier comprend une bibliographie primaire et secondaire (p. 479-497), un glossaire, une brève note sur la versification mais un copieux appareil de notes interprétatives (p. 277-478). L’annotation de chaque pièce s’ouvre sur les informations philologiques (date de première attestation manuscrite ou imprimée, établissement du texte, contexte de composition et de diffusion), fournit les éléments d’intelligibilité contextuelle, établit la bibliographie des commentaires existants. Elle se poursuit par des commentaires au fil des vers qui s’efforcent de lever les difficultés de sens littéral sur lesquelles peut buter le lecteur ou la lectrice de notre temps : ils associent de fréquentes paraphrases pédagogiques à des analyses de la langue et à l’explicitation des références culturelles. Sur cet aspect, l’édition offre un appareil de notes amplifié par rapport à celle de Fr. Rigolot, ce qui la rend plus accessible à un étudiant de licence de Lettres ou à tout non spécialiste de la poésie de la Renaissance.

Pour le corpus d’épîtres, le chercheur ou la chercheuse devra désormais travailler à la fois avec les Œuvres poétiques de G. Defaux et la présente édition. Par rapport aux notices établies par G. Defaux, G. Berthon et J.-Ch. Monferran ont fait le choix de rédiger intégralement leurs commentaires, y compris ceux de nature philologique. Dans le détail des notes, le lecteur dispose dans l’ensemble d’une érudition historique et culturelle équivalente dans les deux entreprises. En revanche, l’annotation diffère ponctuellement en matière de remarques intertextuelles et intratextuelles. Avec cette anthologie, certaines hypothèses de datation sont divergentes ; elles gagnent parfois en précision grâce à la maîtrise de la tradition manuscrite, en lien avec le travail de G. Berthon pour la Bibliographie critique des œuvres de Clément Marot (ca. 1521-1550) (Droz, 2019). La compréhension du texte est inscrite dans une connaissance affinée du contexte poétique, poéticien et historique du règne de François Ier, ce qui s’accompagne d’un abandon des connaissances que fournit pour sa part G. Defaux sur la postérité de ces poèmes dans l’histoire littéraire.

Sa typographie en fait un ouvrage d’abord commode pour le lecteur cultivé autant que pour l’étudiant : numérotation continue des épîtres, taille des caractères du dossier, par exemple. Le souci de clarté s’étend aux interventions des éditeurs, toujours précisément justifiées, aussi bien sur le texte, qu’en matière de composition d’ensemble, de choix philologiques et de discours d’accompagnement, ce qui en fait également un nouvel instrument pour la recherche sur Marot, l’épître en vers à la Renaissance ou la poésie de circonstance en général.

Audrey Duru

 

Clément Marot, Les Épîtres, éd. Guillaume Berthon et Jean-Charles Monferran, Paris, nrf Poésie / Gallimard, 2021, 544 p. ISBN 978-2-07-293987-7.

 

La Langue et les langages dans l’œuvre de François Rabelais

La Langue et les langages dans l’œuvre de François Rabelais, dir. Franco Giacone et Paola Cifarelli, Études rabelaisiennes, LIX, Genève, Droz, 2020, 320 p.

Le volume LIX des Études rabelaisiennes regroupe les actes d’un colloque qui s’est tenu en septembre 2015, à Turin et à Torre Pellice, chez les Vaudois du Piémont. Il s’agit du quatrième colloque rabelaisien en Italie, après ceux sur le Tiers livre (Rome, 1996), sur le Cinquiesme livre (Rome, 1998) et sur le Quart livre (Rome, 2011), sans compter celui sur La Langue de Rabelais – La Langue de Montaigne (Rome, 2003). Le choix du Piémont n’est pas fortuit : Rabelais y a séjourné durant les années 1540-1542, au service de Guillaume Du Bellay, nommé gouverneur du Piémont en 1538. De plus, les Vaudois massacrés à Mérindol et Cabrières en 1545 ont souvent été considérés comme une source de l’épisode des Papefigues. Turin est enfin l’université où a exercé pendant quarante ans Lionello Sozzi (†2014), dont l’une des dernières publications est précisément une traduction italienne de l’œuvre de Rabelais : Gargantua e Pantagruele, introduzione e cura di Lionello SozziTraduzioni e note di D. Cecchetti, L. Sozzi, M. Mastroianni, P. Cifarelli, A. AmatuzziTesto francese a fronte a cura di Mireille Huchon, Milano, Bompiani, 2012.

En plus d’une introduction de Franco Giacone – consacrée aux « quatre bastions de Turin » mentionnés dans le Quart livre – et d’une conclusion de Richard Cooper, le volume comporte dix-huit articles portant sur divers aspects de la langue de Rabelais. D’un point de vue lexical, les contributeurs s’interrogent sur le sens de certains mots comme « ἄσβεστος » (Bruno Pinchard), le toponyme Cheli, hébraïsme ou hellénisme au sens particulièrement énigmatique (Raphaël Cappellen), l’adjectif « estrange » tel qu’il est utilisé dans l’épisode des Papimanes (Aya Iwashita), les substantifs « dons », « grâces », « prérogatives » et « plasmateur », premiers mots de la lettre de Gargantua à Pantagruel (François Roudaut), ou encore sur l’italien et les italianismes (Gabriella Macciocca, Franco Giacone) et sur les dialectalismes, si aptes à caractériser les personnages (Maria Proshina).

Des enquêtes sont également menées sur les jargons pédantesques de l’écolier limousin et de la Quinte (Gilles Polizzi), sur les « motz espaves », condamnés à la fin du chapitre vi de Pantagruel mais largement mis à profit tout au long du récit (Marie-Madeleine Fragonard), sur le « langage des mythes » dans le prologue de Gargantua (Heidi Marek) et sur la « renaissance au langage » dans l’épisode du calme plat devant Chaneph (Pierre Johan Laffitte).

La figure d’un Rabelais philologue et « très instruit en l’une et l’autre langue » (« vir utraque lingua doctissimus »), comme le dit son ami Tiraqueau dans le De legibus connubialibus de 1524, apparaît nettement dans les rééditions en 1543 et 1545 du recueil de traités d’Hippocrate et de Galien que Rabelais avait publié en 1532 chez l’imprimeur Sébastien Gryphe (Claude La Charité), mais aussi dans la manière dont il fait son miel des Opera (1544) de Celio Calcagnini, ouvrage d’une infinie érudition et d’une grande variété formelle, écrit dans une prose latine truffée d’insertions grecques (Romain Menini).

Sur un plan syntaxique et stylistique, le volume s’intéresse aux dérivations, recompositions savantes et expansions nominales du Quart livre (Anne-Pascale Pouey-Mounou), puis au et de relance, « marqueur d’oralité » non étudié jusque-là par la critique rabelaisienne et pourtant massivement présent dans les passages narratifs du Pantagruel de 1532 (Claire Badiou-Monferran et Jean-Charles Monferran).

Rabelais, qui a laissé des empreintes profondes chez un auteur comme Goethe (Jacques Berchtold), apparaît sous des masques parfois inattendus : c’est le masque « grimaçant et quelque peu diabolique » de la sibylle de Panzoust (Marianne Closson), ou encore celui de Priapus dans le prologue du Quart livre : les deux longues interventions du dieu donnent en effet à entendre une « langue peu commune » où se dévoilent les réflexions grammaticales et lexicales de l’écrivain (Mireille Huchon).

Près de cent ans après la parution du monumental ouvrage de Lazare Sainéan, La Langue de Rabelais (Paris, E. de Boccard, 1922-1923), ces actes offrent ainsi des perspectives inédites sur la langue de Rabelais. Mais le lecteur y trouvera aussi des informations sur son travail d’éditeur scientifique et sur les sources de son érudition, ainsi que de nouvelles interprétations de passages de son œuvre, avec une prédilection particulière pour les îles du Quart livre, de Cheli à Chaneph, en passant par Papefiguière et Papimanie.

Nicolas Le Cadet

La science prise aux mots

Violaine Giacomotto-Charra et Myriam Marrache-Gouraud (dir.), La Science prise aux mots. Enquête sur le lexique scientifique de la Renaissance, Paris, Classiques Garnier, « Rencontres », 2021, 460 p.

 

Fruit de quatre journées d’études organisées de 2014 à 2016, le présent volume réunit vingt contributions, précédées d’une introduction générale. Le livre se divise en trois parties, chacune d’entre elles s’ouvrant utilement sur un cadrage théorique proposé par les directrices de l’ouvrage. L’objectif de Violaine Giacomotto-Charra et de Myriam Marrache-Gouraud est d’étudier le lexique scientifique de la Renaissance afin d’en saisir les évolutions mais aussi les influences pratiques et conceptuelles dans le domaine savant. Soucieuses d’historiciser les savoirs, toutes deux entendent « examiner un moment de la vie de la terminologie scientifique dans la diversité de ses supports, en tenant compte de la variété des disciplines et des emplois, en mesurant le décalage avec lequel les mots passent du latin au vernaculaire et les effets que ce phénomène induit, en [s’]attachant à mettre en évidence les lieux où se formalise une réflexion sur la langue scientifique » (p. 13-14).

Une première partie, intitulée « Noms et images de la science », examine les mots qui désignent la démarche savante et la soif de savoir à la Renaissance. Tentant de dénouer l’écheveau du lexique scientifique renaissant, V. Giacomotto-Charra et M. Marrache-Gouraud montrent comment il est possible de saisir les choix épistémiques opérés par un savant à partir des mots qu’il emploie. Elles explorent en outre la dimension équivoque de la « curiosité », cette soif de connaissances observée avec suspicion voire condamnée pour son outrecuidance.

Les contributions de Guylaine Pineau (sur Ambroise Paré) et de Nicolas Corréard (sur la métaphore viatique et le désir savant) examinent plus avant les ambiguïtés de la libido sciendi. G. Pineau met au jour le paradoxe en vertu duquel le chirurgien, pourtant animé d’un puissant désir d’apprendre, recourt très peu à la notion de curiosité, sans doute à cause de la saisie négative qu’on pouvait en faire. De son côté, N. Corréard montre que, dans les satires d’inspiration lucianesque, le lexique viatique (comme le terme « pérégrinité », présent chez Rabelais) a massivement été employé pour décrire ou décrier le désir jamais assouvi de savoir.

Enfin, Noémie Castagné étudie la traduction en langue vulgaire réalisée par Filippo Pigafetta du Mechanicorum liber (1577), traité de mécanique signé Guidobaldo dal Monte. En arpentant la correspondance entre le traducteur et l’auteur, N. Castagné scrute les difficultés rencontrées par Pigafetta lorsqu’il cherche à rendre compréhensibles des termes techniques latins, peu voire jamais usités en langue italienne.

Sous le titre « Les leçons de l’expérience », la deuxième partie de l’ouvrage s’ouvre sur un article introductif dans lequel V. Giacomotto-Charra et M. Marrache-Gouraud soulignent que, dès la fin du Moyen Âge, l’expérience apparaît comme une composante centrale de la démarche savante. La Renaissance se distinguerait alors par son goût de plus en plus marqué pour l’autopsie, c’est-à-dire la vue par soi-même, mais aussi pour l’expérimentation, conçue comme « moment, organisé et volontaire, du raisonnement savant » (p. 113).

            Dans son article, Juliette Ferdinand étudie le lexique de Bernard Palissy, chez qui le terme d’« expérience » est peu employé alors que ses écrits de céramiste et de naturaliste constituent une apologie de l’expérience et des savoirs pratiques contre les raisonnements théoriques et les sources livresques. Moins radicale est la position du médecin Antoine Mizauld dont Laurent Paya étudie l’ouvrage d’agronomie (Le Jardinage, 1578). Dans ce traité où abondent les phénomènes merveilleux, l’expérience permet de confirmer les savoirs horticoles des Anciens grâce aux observations de terrain faites par les jardiniers et les érudits contemporains de Mizauld, sans que ce dernier ait besoin d’expliquer la logique causale des prodiges qu’il décrit.

            Les deux contributions suivantes réfléchissent à la place de l’expérience en médecine. Valérie Worth-Stylianou scrute les préfaces des traductions françaises de traités médicaux grecs ou latins afin de voir comment les traducteurs conçoivent l’expérience. Les anatomistes d’une part et les paracelsistes de l’autre apparaissent comme des chantres de cette notion avant que le genre épistémique de l’observation ne permette à une femme telle que Louise Bourgeois de fonder la légitimité de son entreprise d’écriture sur son expérience de sage-femme. Hervé Baudry, quant à lui, s’intéresse au médecin galéniste orthodoxe Antoine Martin, critique sévère du malade sceptique et « misiâtre » (p. 173) que serait Montaigne. L’opposition entre les deux hommes se greffe sur une compréhension radicalement différente de l’expérience : soumise à la raison dans le discours institutionnel du médecin, l’expérience est, chez l’auteur sceptique, un mode de connaissance intime permettant de questionner les prétentions hégémoniques de la raison.

            Les deux dernières études de cette partie abordent la littérature militaire et les privilèges d’invention. Michel Pretalli s’intéresse à l’essor des publications d’art militaire généré par les guerres d’Italie. L’expérience y joue un rôle crucial parce qu’elle est mise au service d’une démarche promotionnelle. Bien des auteurs cherchent à se construire une expertise à partir de leur savoir-faire pratique qu’ils ont acquis sur le terrain. Quant aux lettrés qui n’ont pas été sur le champ de bataille, la latitude sémantique du terme « expérience » leur permet de fonder leur crédibilité sur un savoir indirect acquis par les livres. De son côté, Aurélien Ruellet étudie les privilèges attribués à des inventeurs français et anglais du xviie siècle. Les pratiques de démonstrations publiques que suscitent les inventions croisent deux usages de l’expérience : s’il est question d’administrer des preuves par l’expérimentation, la démonstration a aussi une valeur publicitaire au sein d’un dispositif qui relève de « la science-spectacle » (p. 227).

Une dernière moisson d’articles, regroupés sous le titre « Une science du regard », étudie l’autonomisation progressive et la promotion de l’observation conçue comme un geste épistémique qui « engage le sujet » (p. 236) et modifie les pratiques scientifiques.

            En étudiant les récits de voyage, corpus bâti sur une tension entre l’autopsie et le savoir livresque, Grégoire Holtz analyse comment s’élabore la validité des observations faites lors des premières circumnavigations. L’auteur remarque que les récits géographiques sont sous-tendus par un « idéal de transitivité » de l’expérience viatique (p. 268) autant que par une interrogation sur la pertinence épistémologique de l’observation, nécessairement circonscrite à l’œil du cosmographe. Cette question de la prééminence de l’œil observateur se retrouve chez Bernard Palissy, dont les écrits sont analysés dans un second article de J. Ferdinand. L’autrice montre à quel point l’observation directe conditionne l’acquisition de connaissances chez le céramiste, au point d’être davantage valorisée que la lecture des autorités.

            Les deux contributions suivantes s’attachent aux traités d’histoire naturelle. Dans un article sur les images présentes dans ces textes, Philippe Glardon remet en question le préjugé selon lequel ces imprimés seraient composés d’illustrations réalistes et de commentaires obsolètes. Soucieux de redéfinir les « liens heuristiques qui unissent texte et image » (p. 293) dans les écrits des naturalistes, l’auteur rappelle que l’image est subordonnée aux descriptions textuelles et qu’elle en forme même une concrétisation matérielle. De son côté, Claude La Charité étudie L’Histoire entiere des poissons de Guillaume Rondelet afin d’en mettre au jour les fondements épistémologiques. Bien que la vue joue un rôle crucial dans le discours de l’ichtyologue, notamment par l’intermédiaire des gravures, son traité, mu par un désir d’exhaustivité, dépasse cette prééminence du visible pour tantôt explorer la nature multisensorielle de l’observation scientifique tantôt offrir une place à l’invisible, c’est-à-dire à des espèces évoquées par les Anciens mais jamais vues par l’historien naturel.

C’est à l’anatomie et à ses rapports avec l’observation que sont consacrées les deux études suivantes. Emmanuelle Lacore-Martin s’intéresse au travail du médecin André Du Laurens et met au jour chez ce dernier un idéal de la transparence tant dans la communication scientifique, où le visible et le vrai se confondent, que dans sa description anatomique de l’œil, où la clarté du cristallin joue un rôle prépondérant. Pour sa part, Benoît Jeanjean étudie la publication entreprise en 1714 par Giovanni-Maria Lancisi de planches réalisées au xvie siècle par le célèbre anatomiste Bartholomée Eustache. La distance temporelle qui sépare la création des planches et la parution de l’ouvrage rend d’autant plus féconde l’analyse du travail de commentaire entrepris par le savant italien. Façonnant au gré de ses annotations un portrait élogieux d’Eustache en anatomiste d’une modernité étonnante, Lancisi établit une continuité entre la Renaissance et son temps, en dépit des changements qu’a connus le monde scientifique en un siècle et demi.

Enfin, les deux dernières contributions abordent la question de l’observation à travers la presse savante (David Banks) et la cartographie (B. Jeanjean). Dans son article, D. Banks compare la manière dont a été employée la notion de perception dans Le Journal des Sçavans et The Philosophical Transactions, deux revues savantes de la fin du xviie siècle. L’auteur montre que la fréquence plus grande avec laquelle la perception est convoquée dans la revue londonienne s’explique par des projets éditoriaux et idéologiques différents : nourri de la pensée empiriste, le journal anglais s’adresse à un lectorat féru de sciences et de techniques tandis que la revue parisienne, influencée par les thèses cartésiennes, couvre une grande variété de disciplines et participe à la célébration monarchique de la culture française. Dans son second article, B. Jeanjean étudie les fonctions des textes liminaires qui accompagnent les différentes éditions du premier atlas mondial que constitue le Theatrum Orbis Terrarum (1570) d’Ortelius. Extrêmement variés au fil des éditions, ces seuils péritextuels visent à instruire, séduire et émouvoir le lecteur, découvrant, émerveillé, la terre entière condensée en un seul livre.

            Étoffée d’une riche bibliographie et d’un index des noms anciens, l’enquête menée dans cet ouvrage s’avère aussi passionnante qu’accessible pour ceux et celles qui souhaitent approfondir leur connaissance des savoirs renaissants. Offrant la possibilité aux lecteurs et lectrices de repenser l’épaisseur historique des mots et des concepts scientifiques, ce recueil d’articles se lit aussi comme une invitation à mesurer l’étrangeté d’une langue qui nous semble pourtant familière tant les termes qu’elle mobilise ont perduré jusqu’à nos jours. Par la variété des disciplines abordées autant que par la multiplicité des questions soulevées au fil des contributions, le volume stimule notre curiosité moderne et assure une expérience de lecture d’autant plus réjouissante que la science renaissante est rendue à son incroyable foisonnement.

Jérôme Laubner

Ann Blair, Tant de choses à savoir (2020) et L’entour du texte (2021)

 

Ann BLAIR, Tant de choses à savoir. Comment maîtriser l’information à l’époque moderne, Préface de Roger Chartier, traduction de l’anglais par Bernard Krespine, revue par Ann Blair, Paris, Seuil, 2020, 491 p.

 

L’historienne Ann Blair, professeur à Harvard, propose en français une version mise à jour et entièrement revue de l’ouvrage qui était paru en 2010, chez Yale University Press, sous le titre Too Much to Know : Managing Scholarly Informatin Before the Modern Age. L’ouvrage est le fruit d’une vaste enquête sur les modes de gestion de l’information qui se développent à l’époque moderne, sous la forme de « livres de référence » qui rassemblent et organisent des extraits de textes en vue de leur consultation ; le corpus d’étude est constitué des principaux livres de référence généraux en latin publiés entre 1500 et 1700. Des comparaisons ponctuelles avec des périodes anciennes (l’Antiquité) ou d’autres territoires (Byzance, le monde islamique, la Chine) permettent d’élargir d’emblée la perspective, de mettre à jour des points communs en même temps que la spécificité de l’Europe moderne. Les recherches d’Ann Blair nous éclairent à la fois sur les pratiques des compilateurs eux-mêmes (sont privilégiés dans l’étude le Dictionarium de Calepino, la Polyanthea en ses multiples éditions, la Bibliotheca universalis de Gessner ou le Theatrum humanae vitae de Theodor Zwinger) et, de manière tout aussi passionnante, sur celles de ceux qui lisaient et faisaient usage de leurs ouvrages, autrement dit la grande masse des lettrés des XVIe et XVIIe siècles. Un tel usage est souvent tu par les auteurs eux-mêmes – l’on pense à Montaigne affichant son dédain pour ceux qui écrivent à partir de « pastissages de lieux communs » ou qui sourit du goût de son père pour les Epîtres dorées de Guevara. Parmi les méthodes de travail et de lecture sont étudiées de près les prises de notes, une production que l’historienne replace dans le vaste phénomène de thésaurisation qui se déploie dans l’Europe moderne et dont elle montre la diversité : prises de notes individuelles fonctionnant comme aide à la mémoire et comme aide à l’écriture (favorisées par l’existence de marges dans les ouvrages imprimés), prises de notes collaboratives, loin de l’image stéréotypée, véhiculée par les gravures, de l’auteur seul à sa table de travail, jusqu’à l’extraordinaire armoire à notes inventée en 1640 par l’Anglais Thomas Harrison. L’ouvrage met clairement en évidence les phénomènes de continuité et de nouveauté : Ann Blair identifie d’emblée « les quatre S » de la gestion de l’information (stocker, sérier – ou classer -, sélectionner, synthétiser – ou résumer), valables dès les premières compilations jusqu’à aujourd’hui, dans les pratiques numériques ; à l’inverse du dictionnaire, « genre remarquablement stable depuis ses origines médiévales jusqu’à aujourd’hui » (p. 164), les miscellanées sont une particularité de la Renaissance, empruntant l’ordo fortuitus à des sources antiques (Les Nuits Attiques d’Aulu Gelle) ; au XVIIe siècle, se développent les livres sur les livres, catalogues de bibliothèques et de ventes, bibliographies, comptes rendus et histoires littéraires, tandis que la « première » encyclopédie moderne, qui équivaudrait à notre catégorie d’aujourd’hui, n’existe pas avant le XVIIIe siècle.  À chaque étape est mis en valeur le rôle de l’imprimerie, la publication des ouvrages de référence constituant une sorte de laboratoire où des innovations permettent de faciliter la consultation : liste des auteurs, des rubriques, index alphabétiques. Cette circulation d’une information, sauvegardée et accumulée, repose selon Ann Blair sur une angoisse de la perte : les humanistes de la Renaissance ont pris conscience de la fragilité de la transmission du savoir, si souvent marquée de dégradations et de pertes.

Marie-Claire Thomine

 

 

 

Ann BLAIR, L’entour du texte. La publication du livre savant à la Renaissance, Conférences Léopold Delisle, Paris, BNF Éditions, 105 p.

En écho aux deux conférences prononcées à la BNF, dans le cadre des conférences Léopold Delisle, Ann Blair invite dans cet ouvrage à un parcours richement illustré des paratextes des ouvrages savants de la Renaissance. Sont examinés successivement, dans leur présentation et leur fonctionnement, la page de titre, la permission et le privilège, la dédicace, la préface ou avis au lecteur, la liste d’errata, le poème liminaire, à partir de nombreux exemples (notamment Juan Caramuel y Lobkowitz, Copernic, Érasme ou Gessner). Selon l’historienne, l’imprimerie a favorisé l’usage des paratextes pour trois raisons principales : la diminution du coût de production permet un allongement des ouvrages, qui peuvent inclure des paratextes plus fournis ; la publication est soumise à des visées commerciales qui impliquent de séduire le public, acquéreurs et éventuels mécènes ; la diffusion plus large et plus rapide des textes génère enfin, chez les auteurs, une anxiété particulière : le souci de rencontrer des lecteurs bienveillants se lit dans les diverses stratégies adoptées dans les paratextes. Les deux conférences intitulées « Formes et rôle de l’entour des livres érudits à la Renaissance », données par Ann Blair les 17 et 18 mars 2021, sont disponibles en ligne sur le site de la BNF.

https://www.bnf.fr/fr/agenda/formes-et-role-de-lentour-des-livres-erudits-la-renaissance

Marie-Claire Thomine

La légende des objets. Le cabinet de curiosités réfléchi par son catalogue

Myriam Marrache-Gouraud, La légende des objets. Le cabinet de curiosités réfléchi par son catalogue (Europe, XVIe-XVIIe siècles), Genève, Droz, coll. « Les seuils de la modernité », vol. 23, 2020, 631 p.

 

Dans son nouvel ouvrage consacré aux cabinets de curiosité, Myriam Marrache-Gouraud livre une riche enquête sur les catalogues de ces cabinets qu’elle envisage dans leur matérialité, ainsi que dans leurs dimensions linguistique et rhétorique. Après avoir situé le cabinet de curiosité dans le cadre épistémologique de la Renaissance, elle se demande comment nommer et définir les objets inconnus, notamment des pays étrangers. L’auteure propose ainsi une étude des catalogues de curiosité, non pas en tant que documents historiques témoins d’un phénomène sociologique et culturel mais comme des lieux privilégiés des stratégies éditoriales et discursives de ces ouvrages. En raison de l’amplitude du phénomène des cabinets de curiosité en Europe, sont étudiés ici les catalogues dans les frontières européennes larges, en langues vernaculaires et en latin.

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Les territoires de l’âge d’or

Monique Mund-Dopchie, Les territoires de l’âge d’or, de l’Antiquité à l’ère du tourisme planétaire, Genève, Droz, coll. « Histoire des idées et critique littéraire », 2020, 394 p. 

La professeure émérite de l’université de Louvain propose une vaste enquête dans les territoires de l’âge d’or et s’interroge sur la manière dont ceux-ci sont envisagés dans les textes de l’Antiquité à nos jours. Les quatre parties de l’ouvrage suivent l’ordre chronologique du mythe, depuis les textes antiques, sur lesquels l’Occident a construit ses représentations, jusqu’à la découverte des « nouveaux mondes » (l’Amérique au XVIe siècle et l’Océanie au XVIIIe). Enfin, le voyage se termine au XXe siècle, lorsque l’âge d’or fait explicitement référence au bonheur d’autrefois, notamment dans les guides touristiques.

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